Indagué acerca de la supuesta ola de suicidios románticos que suscitó la novela Werther (Goethe), no encontré nada serio o veraz. Sí se ha comprobado un repunte en los suicidios adolescentes tras la programación de esta serie.
Con estas premisas me decidí a ver los trece episodios de esta serie.
La adaptación del libro de Jay Asher es magnífica, no importa que sea una adaptación libre o mantenga una alta fidelidad si no por las dificultades de trasladar a imágenes las páginas del libro solventadas notablemente con unos dinámicos encadenamientos de saltos en el tiempo, tan frecuentes en la novela, además de un manejo de cámara original sin caer en la repetición de planos que las constantes vueltas hacia atrás en el tiempo imponen.
El trabajo de coordinación entre los diferentes directores de cada capítulo da sus frutos manteniendo una línea similar en cada uno de ellos, con las dosis justas de intriga y preparación de tramas para capítulos posteriores alejando a los directores de la tentación de dejar su sello personal por encima de la linealidad argumental y de rodaje.
Gregg Araki, el que firma la dirección del capítulo ocho, desmerece la alta nota de la serie, su trama es un truco barato, una alta expectativa con respecto a desvelar un secreto que insulta la inteligencia del espectador por mucho simbolismo que queramos ver con esa ramplona escalada.
Es cierto que la serie deja unos cuantos "No sé porqué....." o comportamientos de adolescentes demasiado adultos y no es menos cierto que quién sabe lo que pasa por la mente de un adolescente; esa etapa de la vida fascinante, irracional e irrepetible, esa transición del cerebro infantil al maduro sometido a un bombardeo constante de ideas, influencias, comportamientos y reacciones que ese cerebro en formación debe asimilar, por eso cualquier explicación de una misma situación que se desprenda del argumento puede ser válida siendo curioso que una interpretación mía y otra de la persona con la que veía la serie siendo diferentes tenían cabida en la lógica de nuestras mentes sin que una anulara a la otra.
En cuanto al final, no me parece que queden cabos sueltos, más bien son nudos flojos dispuestos para que cada espectador pueda tirar de uno de los cabos y afianzar el nudo con fuerza o tirar del otro y deshacerlo para poder volverlo a enredar en próximas temporadas. Yo me quedo con la primera opción.

Y es que la vida es así sin concesiones, cruel, cantarina, oportunista, ensoñadora, trágica, mercantilista y al final de nuestros días pasamos una página para dar nacimiento a otra historia de esas que los Coen guionizan y plasman en imágenes a su estilo.
La estructura de La balada de B. S. en forma de libros de relatos con el que encabezan cada episodio es terreno trillado por los Coen en varias de sus películas con esas sub-historias que se desgajan de la principal. Aquí las encontramos independientes unas de otras y todas con las características del cine de los hermanos.
Los actores y actrices, nunca mejor seleccionados en un tamizado casting, sobreactúan adecuadamente, el equipo de figurinistas los caracterizan apropiadamente detallados, los encuadres pasan de un artístico naturalista, obsérvese la sucursal bancaria en la nada, unas lomas en la gran pradera atravesada por las carretas o unas astas de ciervo que enmarcan un bucólico valle; a unos planos cortos que desnudan la profesión de comediante.
Nota importante son los diálogos, todos tendentes a no perder oído a esas disquisiciones seudofilosóficas con que los guiones salpican de sustancioso aderezo a los personajes más disparatados y menos esperados en esta salvaje frontera del oeste norteamericano.
Tampoco me quiero olvidar del trabajo de dobladores que colaboran con su entonación,matices y adecuada traducción para que en su traslado del original no se pierda significado.
Si es por esta senda esperamos de los Coen otro puñado de historias para deleite del espectador, da igual donde se sitúen mientras tengan este enfoque.
Después de su visionado estoy seguro que las comentaremos con nuestros compañeros de butaca, en este caso con los lectores de esta página. Me quedo con esa en la que el amor surge del continuo encuentro y las circunstancias que nos lo ofreció y despiadadamente nos lo quitó.

Es imposible reflejar mejor y más acertadamente el asfixiante ambiente rural de una pequeña población tejana, tanto para los adolescentes como para la población adulta.

Bogdanovich conduce este drama relacionando ambas generaciones de una forma tempestuosa e ingenua a la vez.

La última película se ve con un nudo en la garganta, no por el hecho en sí de los trágicos víncullos de sus personajes si no por el deseo de que la nueva generación no caiga en los errores de los adultos. Peter Bogdanovich trae al caso un precioso poema generacional de Keats que lo explica con bella simpleza:

Cuando a nuestra generación destruya el tiempo
tú permanecerás entre penas distintas amiga de los hombres diciendo:
"La belleza es verdad y la verdad es belleza" Nada más
se sabe en esta tierra y no más hace falta.

El ambiente grisáceo con ese viento que barre el pueblo, la mezcla de ruindad y cochambre con que visualiza a Anarene dan al pueblo el papel principal de la cinta focalizado en el cine, el café y los billares únicos lugares de ocio.

Tanto el vestuario como los detalles de atrezo de la época, son magistralmente recogidos por su director, que subrayados por la música de Hank Willians and his Texas playboys sonando constantemente confieren a la película una pátina de autenticidad.

El manejo de la cámara recoge a la perfección el guion adaptado por el propio autor de la novela, sin concesiones a encuadres gratuitos y sí a primeros planos, algunas veces fugaces pero que resaltan al espectador el detalle que nos quiere mostrar.

La historia fluye en el contexto del último curso del instituto de una forma que va acaparando el interés a través de cada uno de sus personajes cuando se interrelacionan a un nivel sentimental donde los padres brillan por su ausencia tomando ese papel adultos con problemas de afecto y hastío.

La última sesión quizá sea, en el espacio del tiempo, una de esas películas que los directores hacen en nombre de su generación (los cincuenta), después vino American Graffiti (Los sesenta), para destacar la década de los setenta me quedaría con Movida del 76 de Richard Linkleter y no encuentro la de los ochenta y noventa que me encaje en estos guiones de drama rural americano.

No puedo terminar sin dejar de resaltar el final que se ve con el corazón en un puño gracias la soberbia interpretación de Cloris Leachman que pone punto y final a esta obra maestra del cine.

Acertada elección la figura de George Best para realizar un docudrama.
George Best representa la típica vida de auge al estrellato y bajada a los infiernos con todo lo atrayente que tiene para el espectador que descubra al personaje.
El tratamiento del documental es el clásico que vemos repetido una y otra vez con estrellas del rock:
Sus inicios con aportación de fotografías y alguna imagen casera, el apogeo con sus imágenes más históricas y el
declive, con profusión de titulares periodísticos.
La voz del propio documentado suena fuera de cámara traída al momento oportuno que nos quiere contar Daniel Gordon, también hay apariciones personales y como no, los comentarios de familiares, amigos, esposas y hasta el propio entrenador con el que empezó su carrera. Todos estos actores secundarios aportan conocimiento, contextualizan y salpican con agrado anécdotas y vivencias.
El arranque del documental demuestra que Daniel Gordon conoce su oficio, sabe explotarlo fijando al espectador delante de la pantalla con una revelación contundente magníficamente contada con imágenes y palabras.
No creo que se les pasara por alto a guionistas y productores la aportación del hijo de George B. Quizá la semblanza que hace de su padre le inclinara a no contribuir al documental, por sus excesos, salidas de tono, escándalos sin apenas tocar temas más deportivos o buscar un porqué se dio a esas adicciones. En cualquier caso sí existe ese desequilibrio. Daniel Gordon conoce que vende más el drama que la hagiografía de un hincha.
Recomendable documental, seas o no aficionado al fútbol, nostálgico de aquellos años sesenta, setenta o seguidor de la prensa amarilla inglesa de este atípico jugador inglés y me refiero al dotado técnicamente y habilidoso tan alejado del natural jugador inglés.

Estas películas de casi setenta años hay que juzgarlas en su tiempo, no con los criterios actuales, aún así, aunque ya la había visto cuando era un crio, me sigue dejando con la boca abierta.
Ciudadano Kane marca un antes y un después en el cine, ¡Cuánto de su técnica fue copiada después!, de la forma de contar una historia, de los ángulos con que enfoca la escena.
Podemos apreciar tomas a ras del suelo, encuadres en los que Orson Welles actor parece un gigante al lado de la persona que quiere amedrentar, planos generales en los que juega con la profundidad haciendo sobrar las palabras. Introduce el picado de la cámara atravesando ventanas para centrarnos a un personaje que quiere introducirlo en un contexto, profundidad de encuadres explicativos y comparativos.
Muchos de sus planos, incluida la luz y las sombras derivan directamente del expresionismo, de la grandilocuencia de Metrópolis.
Orson W. es un maestro de la iluminación ¡Cuántos matices nos ofrece con solo dos tonos!
A destacar la valentía del argumento. Todavía Hearst, el protagonista en la vida real, tenía grandes influencias para echar la obra abajo, primero intentándola comprar a la RKO antes de su estreno algo que no consiguió y más tarde utilizando todo su poder, ya en la decadencia, para que el estreno quedara relegado a unos pocos cines del Medio Oeste con lo cual pasó en un principio desapercibida. Me imagino a un insultante jovenzuelo de veinte pocos años enfrentado al todopoderoso R. Hearts.
El ineluctable paso del tiempo todavía no ha aferrado este filme con sus garras, la podíamos pasar ahora mismo y su hora y cincuenta minutos pasarían en un suspiro.