La película confunde pero cautiva desde el primer plano, con imágenes que uno tarda segundos en entender. En la siguiente escena pasa lo mismo; lo que parece una habitación es en realidad sólo el reflejo de ella. Y así se va desarrollando toda la película, sin pausa, con escenas que plantean nuevas preguntas y conectan antiguas dudas. Estamos ante una señora obra de arte que no entiende de límites. Difícil de explicar para alguien que no la haya visto. Mezcla de muchos géneros. Se siente moderna todavía 50 años después de su estreno. Soberbiamente fotografiada y con un lenguaje cinematográfico extensísimo. Le debe mucho a Godard, pero no más de lo que le debe Kubrick a ella, como él mismo dijo hablando de su naranja metálica.

Durante el primer visionado, a nivel consciente entendí poco, pero mis sueños se vieron turbados durante varios días y mi mente se entretenía volviendo a escenas de la película. Volví a verla al cabo de unos días, y qué emoción! Cabe destacar que requiere una participación muy activa del espectador. La recomendaría a todo cinéfilo con apetito de algo nuevo. No para verla cansado o tirando en la cama antes de irse a dormir.

Para mí un nuevo descubrimiento en el cine japonés. Habrá que ver otras cosas del señor Matsumoto.

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Si eres un cinéfilo nacido en el S.XIX, en más de un momento de la película te vas a preguntar qué estás haciendo escuchando esta palabrería política de la que seguramente entiendes poco o nada. El Godard que te gustaba era otro, dónde están esos paseos en coche de Pierrot le fou? Dónde están los bailes a capela de Bande à part? Dónde están los diálogos que tanto plasmaron tus frustraciones amorosas de Masculin féminin?

Para bien o para mal, el cine de Godard nunca a dejado de evolucionar y eso nos pide a nosotros, como espectadores, que evolucionemos con él. Deja atrás tus frustraciones debidas al argumento incomprensible, indaga en la francia social y política de finales de los 60 y sobretodo, acepta que por mucho que lo queramos, no todos los amores son eternos. Sólo así, podrás empezar a disfrutar de esa pequeña joya de Godard que aunque no esté entre sus mejores trabajos, todavía nos deja mucho para degustar y estudiar.

Y si tu apretada agenda no te deja dedicarle tanto tiempo a ésta película, siempre puedes quedarte con esa maravillosa versión de “As Tears go by” cantada por una Marianne Faithfull de ojos tristes o con la fotografía de Raoul Coutard, con sus preciosos planos medios de Anna Karina resaltando delante de paredes llenas de color. Eso también son motivos suficientes para no desesperar y seguir hurgando en el cine del genio francés.

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Todos los amantes del cine le debemos mucho a esta película. Antes de empezar a rodarla, Bergman se encontraba en un período bastante oscuro de su vida. Profundamente deprimido, con un matrimonio que estaba ya a las últimas y una situación financiera que le ahogaba hasta el cuello, según sus propias declaraciones, llegó incluso a contemplar la idea del suicidio. Pero en vez de saltar por el balcón de su apartamento, decide juntar al grupo de actores que dirigía durante la temporada de teatro y realizar esta maravillosa película que resultó terapéutica a nivel personal y le brindó finalmente reconocimiento crítico internacional así como el soporte financiero para producir sus siguientes obras (nada menos que El séptimo sello y Fresas salvajes). El propio Bergman cuenta en sus memorias la sorpresa que se llevó al descubrir no sólo que su film había participado en Cannes sin él tener conocimiento, sino que incluso había ganado premios. En resumen, fue esa película la que le dió el empujón para salir adelante y empezar una de sus etapas cinematográficas más inspiradas.

Aunque con un tono mayoritariamente cómico, Sonrisas de una noche de verano no es una película de las de reírse a carcajadas. En ella se tocan ya muchos temas que serán recurrentes del director en sus futuras obras como la teatralidad de la vida, la dignidad en el amor, el conflicto existencial o la religión pero aquí el director sueco se centra básicamente en el adulterio. Así, la película relata los percances que sufren un grupo de gente debido a sus entrelazadas aventuras amorosas y es precisamente en lo absurdo de las situaciones que ellos experimentan donde Bergman transmite su mensaje. Es interesante observar como se recurre a la humillación de los personajes para hablar del amor. De aquí salen las escenas más brillantes de la película, como la del traje de dormir entre Fredrik y Henrik, su tragicómico duelo final y esa escena de la comida, con la madre de Desiree. Pero cabe destacar, que no todos los personajes reciben el mismo trato. La joven criada, curiosamente interpretada por su pareja del momento Harriet Andersson, es la única que parece estar por encima (¿o quizás por debajo?) de los problemas que sufren el resto. Ella, ya sea por su condición social, humana o física aporta un buen punto de contraste con el resto del grupo respecto a como puede vivirse el amor ¿Estaba Bergman tratando de decir algo con ésto?

Desde mi humilde opinión, ésta no es una de sus mejores películas, pero sin duda es un Bergman esencial. La película abre cuestiones interesantes con suficiente profundidad para que su visionado no sea un simple pasatiempo. Hay mucho potencial de análisis y reflexión y aunque la fotografía no llega a los niveles de otras obras suyas, la puesta en escena de época y la representación teatral hacen que también sea interesante desde un punto de vista visual. Ya les gustaría a muchos directores actuales llegar a ese nivel con sus películas.


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Interesante retrato de masculinidad tóxica de la mano de una de las directoras más infravaloradas e injustamente olvidadas de los 70. Con un look muy sucio y desenfocado, con poca iluminación y mucho movimiento de cámara, la película no es de visionado fácil pero tiene mucho más carácter que las refinadas y estéticas producciones que Hollywood hacía en aquella época. Ya me dirán ustedes porque Elaine May no goza del estatus cult de otros de sus contemporáneos cómo Cassavetes o Scorsese, pero esto es tema para otro tipo de reflexiones..

Vamos a la película. Nicky llama a su amigo para que le ayude a salir de un apuro. Piensa que alguien le persigue y que le quieren matar. Aunque su amigo parece ser la única persona en la que puede confiar, no consigue fiarse completamente de él. Y quizás tenga razón, pues parece que Mikey podría ser capaz de delatarlo, aunque sus intenciones iniciales para ayudarle parecen realmente honestas. Realidades e intenciones no nos quedan claras en un principio y nos preguntamos qué forma parte de la paranoia de Nicky y qué forma parte de la honradez de Mikey. Desde mi punto de vista, el gancho de la película reside precisamente ahí, en este estudio profundo de dos personalidades masculinas chocantes dominadas por la codicia, la lujuria y sus sórdidos y egoístas objetivos, que no son capaces de expresar lo que quieren o lo que intentan. En sus conversaciones y discusiones, mucho se habla, pero mucho mas queda sin decir, y es el espectador el que tiene que rellenar los espacios en blanco, el origen de su larga y oxidada amistad, los conflictos de su pasado, sus problemas personales, etc.. Después de mucho grito, sudor y violencia, la película termina con un final intenso e inolvidable, que queda gravado en la retina.

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Mientras su marido Jacques Demy estaba sufriendo las consecuencias de grabar por un gran estudio de Hollywood, la joven Agnes disfrutaba de una libertad absoluta para realizar pequeños proyectos personales y así ir consolidando poco a poco su propio estilo cinematográfico. Recién instalados en California, ella visita a un pariente lejano de la familia y queda rápidamente enamorada de su personalidad y su estilo de vida. Así, Varda decide compartir con el resto del mundo su amor y fascinación por el Uncle Yanco, su casa encima del río, sus cuadros, sus amigos artistas y sus viajes en barco.

En general, un bonito documental con un estilo muy New Wave y recomendable para pasar un buen rato y contagiarse del espíritu hippie de sus protagonistas.

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