Definitivamente, haber visto “Matrix” de nuevo, más dos lustros después de la primera vez, me ha hecho transformar mi opinión a su respecto. Me sigue gustando, pero no tanto.

La película es buena, que no digo lo contrario: técnicamente impecable, con una estética de lo más atractiva y que aún hoy sigue sin quedarse obsoleta, efectos especiales y de sonido geniales, banda sonora contundente, ritmo trepidante… Y es por eso que le doy un 7 (= Buena).

¿Dónde está el “pero”? Pues no hay uno, sino varios.

Empezaré por señalar que Keanu Reeves muestra la misma expresividad que una acelga, y que esa cara de palo que mantiene durante la mayor parte de la película no ayuda a pensar en él como en un héroe. La verdad, no me creo a este chico en su papel protagonista. Y no es que lo considere un actor pésimo (tampoco es eso), ya que en otros trabajos sí me ha gustado. Pero sus cualidades me parecen deficientes, o tal vez inadecuadas, a la hora de darle vida a Neo. A todas luces, le falta fuerza, y su sosería es del todo imperdonable.

Mi segunda objeción es para ese pretendido halo filosófico del que se trata de dotar a la película. Claro, ahora lo entiendo: ¡es que “Matrix” es jodidamente pretenciosa! Hace once años me tragué el señuelo: que si el Mito de la Caverna platónico, que si la vida es sueño… vaya, ¡qué profundo e interesante! Sin embargo, actualmente, se me antoja que todo ese supuesto trasfondo no es sino una excusa sobre la que edificar una interesante película de acción futurista donde lo primordial son las escenas de lucha, no la filosofía. Y para corroborarlo, no hay más que atender al propio desarrollo de la película y tratar de descubrir –tarea bien sencilla– dónde se pone el énfasis. Dicho lo cual, queda claro el motivo del título de esta crítica.

Al margen de estas consideraciones, es innegable que Matrix, en su momento, supuso un verdadero bombazo y que, aún hoy, sigue siendo un icono de modernidad y de buen cine, pero ojo, no nos llevemos a error, que tampoco es para que nos rasguemos las vestiduras.

“Yo, Robot” es una cinta concebida a modo de “blockbuster”, por lo que nos encontramos, pues, ante un producto muy comercial al más puro estilo norteamericano. Posee, si no todas, muchas de las características de este tipo de producciones, lo cual resultará positivo o negativo en función del tipo de consumidor que se enfrente a su visionado. En mi caso, le resta puntos.

Encuentro a su favor algunas cualidades positivas (las que me hacen puntuarla con un 5), a saber:

- Está construida sobre un guión sólido e interesante, deudor de la genialidad del señor Asimov.

- Buenos efectos especiales y de sonido, si bien esto es lo habitual en este tipo de cine, hasta tal punto que, en muchos casos, representa el principal –e incluso, a veces, el único– reclamo para con la taquilla.

- Me gusta la estética, en concreto, el diseño de los robots.

- El ritmo es ágil, lo que unido a las grandes dosis de acción de las que hace alarde la película, la convierte en un producto de lo más entretenido.

Poco más ofrece “Yo, Robot”: situaciones inverosímiles a la mayor gloria del héroe, insoportables momentos pretendidamente chistosos (vamos, las típicas bromitas insertadas en el instante en el que la vida de los protagonistas corre peligro y que hacen que gran parte de la sala se desternille mientras que a muchos otros se nos revuelven los higadillos), escenas sensibleras (aunque, en este caso, tampoco es que se abuse de ellas, lo cual es de agradecer), etc.

Al menos, por una vez, el detective no está superando la muerte de su mujer y su hija en un accidente, ni un pasado de alcoholismo, ni un reciente divorcio y, además, en ningún momento dice lo de “tengo mis derechos, soy ciudadano norteamericano”. Algo es algo.

Pena, penita, pena. Quiero darle siete estrellas a esta película pues, en realidad, creo que es buena. Mira que lo intento, pero dudo, titubeo, hasta que al final, desisto. Es como cuando crees estar ante un suculento manjar, empiezas a disfrutarlo y, de repente, notas que desprende un tufillo extraño.

Pena, penita, pena. Seis me parece poca nota, aunque con seis se va a quedar pues, si hay algo que me resulta molesto en el cine, es notar que el director (o los productores, lo mismo me da quién sea el responsable) trata de manipular mis emociones. Y, ojo, que bien digo “manipular”, no “provocar” o “estimular” (lo cual me parecería muy lícito). A esta película le sucede lo que a aquéllos que se esfuerzan tanto por gustar: que, al final, se les nota la intención (se les ve el plumero) y, consecuentemente, no gustan… o gustan menos. Es decir, mi problema con “Código Fuente” no es sólo lo que de comercial tiene, sino el nada discreto esfuerzo que se hace en pos de dicha comercialidad. No sé si me explico, probablemente pueda ser más clara en el spoiler.

Pena, penita, pena. En serio lo digo, ya que:

- La idea de partida es muy interesante.

- La trama está bien narrada, posee fuerza y buen ritmo: me inquietó, captó mi atención, me entretuvo y me hizo pensar, todo lo cual, no es poco.

- Los actores están más que correctos.

- Duncan Jones me conquistó con su anterior obra, “Moon”, y creo que tiene cierto "savoir faire" como director, pese a la pequeña decepción sufrida con “Código Fuente”. Duncan, chato, no sé si pensar que no has gozado de total libertad para rodar esta película, que te ha cegado la ambición por el dinero y la popularidad, o que ha sido un poco de todo esto lo que ha convertido algo que era potencialmente muy bueno, en un pastelito yanqui. A ver si es que se te ha subido a la cabeza la cancioncita de “I am the one and only” (joder, si es que hasta te haces guiños a ti mismo)…

Pues eso, pena, penita, pena, de lo que pudo haber sido y no fue, y también de tener que recomendar esta película (pues tiene bastante de recomendable) con la boca pequeña y con unas más que justificadas –según mi criterio– reservas.

Antes de proceder a expresar mi opinión sobre la película que nos ocupa, y para evitar suspicacias, diré que lo que aquí se valora es una película en concreto, al margen de su nacionalidad, y no al cine español en su conjunto. Esta explicación previa debería ser innecesaria, pero lo cierto es que cada vez que leo críticas de películas españolas, veo que muchas de ellas tienden a englobar, ya sea para ensalzar o para todo lo contrario, al grueso de cine español. Por ello, diré que, en mi opinión, generalizar sobre si el cine español es bueno o malo, me parece una solemne tontería. Dentro del cine español de cualquier época, como también sucede con el estadounidense, canadiense, francés o coreano (por citar algunas nacionalidades) hay películas muy buenas, muy malas y mediocres. Por tanto, si juzgo una película española como excelente, no es porque sea benévola con el cine español, y si, por el contrario, opino que una película española es una mierda, tampoco es porque deteste el cine patrio.

Dicho todo lo anterior, considero que “Ausentes” parte de un guión fantástico que, por desgracia, ha sido desarrollado de forma muy deshonesta por parte de su director, porque una cosa es engañar al espectador, y otra muy distinta, hacer trampas. Engañar magistralmente al espectador es, por ejemplo, lo que hizo Shyamalan en “El Sexto Sentido”: giro final sorpresa que te obliga a revisar lo que ya has visto, y al hacerlo, resulta que todo cuadra. A mí, personalmente, me encanta que me engañen y me sorprendan, que sean, en definitiva, más listos que yo. Pero Calparsoro obra de forma bien distinta, y lo argumentaré en el spoiler para no destripar la película aquí.

Aparte de eso, la atmósfera inquietante está muy conseguida. El ritmo, en mi opinión, es bueno y, pese a discrepar de lo manifestado en otras críticas, a mí no me pareció que la película fuera soporífera ni aburrida. Las actuaciones, sin embargo, ya son harina de otro costal: sólo se salva del suspenso rotundo el trabajo de Ariadna Gil (y tampoco es para echar cohetes) y el del niño pequeño.

Y ahora, hablemos de las trampas de Calparsoro:

Es lo que tienen los prejuicios, que te hacen generalizar injustamente. Los “dramas románticos” (supongo que en función del visionado de producciones contemporáneas) suelen producirme náuseas, sarpullidos, ganas de abofetear a los protagonistas o, directamente, sopor. Sin embargo, en los últimos días me han metido dos golazos considerables y he de retractarme. El autor del primero ha sido Wyler con “La Heredera”, y el segundo ha sido Lean con la película que nos ocupa. Tal vez sea que el cine clásico de este género posee unas virtudes difícilmente recuperables a día de hoy. O que no he dado aún con la película actual adecuada que derrumbe el muro del rechazo prejuicioso. No obstante, espero deseosa que llegue el día en que me cuelen un buen gol forjado en pleno siglo XXI. No pierdo la esperanza, sobre todo, porque no soy de las que piensan que cualquier tiempo pasado fue mejor.

Breve encuentro es una joyita, qué puedo decir. La narración es magnífica, por mucho que, en algún momento puntual, me sobre la voz en off (por ejemplo, cuando ella sube al tren y explica mentalmente cómo se siente observada: eso se puede hacer sin palabras). Pero, al margen de ello, las reflexiones de esta mujer –casi un trasunto de Madame Bovary, sólo que menos descabellado– son acertadas, emotivas, coherentes, sencillas y muy lúcidas. Resulta tan fácil empatizar con sus sentimientos. Y sin otra moralina que los necesarios juicios de valor que una misma se haría de verse en tal situación. ¡Bravo Lean!

La estructura también me parece brillante. Una presentación que sugiere más de lo que muestra, iniciándose así el trazo de un círculo que vendrá a cerrarse con la culminación de un flashback en el que, todo lo sugerido, es explicado con contundencia. Como ejemplo (y evitando el spoiler), la escena en la que ella “desaparece” y la chismosa se pregunta adónde habrá ido.
Las interpretaciones son magníficas, destacando el trabajo de Celia Johnson, si bien esta indicación, según compruebo, no es ninguna novedad.

Y para concluir, respecto al desenlace, sólo tengo una palabra: enorme.

¿Padecéis alergia a los dramas románticos? Pues empezad por “Breve encuentro”, porque igual se os cura. Eso sí, no olvidéis que los amores en blanco y negro siempre parecieron más castos…