Asumámoslo, el director no lo tenía nada fácil: por un lado el manga original retrata un Japón en el transito del periodo Edo a la era Meiji, a medio camino de su glorioso pasado y un inestable presente cada vez más influenciado por la cultura occidental; por otro la obra original no dejaba de ser un cómic de acción para el público adolescente con golpes y peinados a cada cual más imposible y estrafalario. Sin embargo Ohtomo y Kiyomi Fujî como coguionista consiguen lo imposible: condensar la primera saga del manga adoptando como trama principal un capítulo que presentaba a un personaje secundario (la doctora Megumi) sin que la historia se resienta demasiado y con una estética realista que asimila los elementos más icónicos del manga original sin que estos queden ridículos. Una victoria que resulta doble al mantener el carisma de la obra original y ser fácilmente digerible y entendible para toda aquella persona que se acerca por primera vez al universo Kenshin.

Si bien es cierto que al resumir la saga al completo en dos horas los personajes secundarios han perdido mucho en su definición, la película lo compensa con un diseño de producción apabullante. Visualmente no se le puede sacar ningún pero a unos escenarios que recrean el Japón de mediados del s. XIX y unas escenas de acción que simplifican las del manga y anime buscando más realismo sin renunciar a la espectacularidad.

“Kenshin, el guerrero samurái” es el ejemplo casi perfecto de cómo debe ser una adaptación, dejando a un lado todo aquello que no es imprescindible y recogiendo lo necesario para que, sin traicionar a sus orígenes, funcione casi perfectamente y sea capaz de gustar tanto a fans como a las personas que se enfrentan a ella sin conocer sus antecedentes.

Recomendada a: los fans del manga y del anime original y a los interesados en la historia reciente japonesa desde el punto de vista del cine blockbuster.

Lo peor: secundarios poco definidos y alguna caída de ritmo en su segundo tercio.

Lo + peor: esos fans que reniegan de la película porque no son capaces de entender que no puede fotocopiar el manga viñeta a viñeta.

Lo mejor: su sentido del espectáculo y el respeto que transmite a la obra original.

The rocky Horror picture Show es un músical con temas memorables como ""Science Fiction/Double Feature" con la que se abre el film, grandes interpretaciones (a ver quien me niega que Susan Sarandon esta divertidísima y que Tim curry es un gran robaplanos y maestro de ceremonias), una hilarante parodía/homenaje a las películas de serie B y un festín de subversión y hedonismo.

Pero tambien es mucho más: es una crítica una época muy determinada (el contraste de los recetados y anticuados Janet y Brad con los liberales habitantes del castillo y sus visitantes) y una oda a los cambios que llegaban. Mucho más atrevida que la mayoria de películas actuales que tratan de poner de manifiesto los problemas de nuestro tiempo o que tratan de ser subversivas y que en realidad cuentan lo mismo que otras sin intentar profundizar

Es curiosa la gran diferencia entre el cine oriental y el occidental, lo que en manos de un director hollywoodiense se hubiera transformado en una película hiper hormonada llena de azúcar, pornografía sentimental y ataques de histeria, con las protagonistas discutiendo o abrazándose cada dos segundos entre música empalagosa y una fotografía excesivamente luminosa; en manos de Nobuhiro Yamashita se convierte en una película realista, sutil, un tanto lenta (que no aburrida) y lineal, sin grandes altibajos emocionales porque el auténtico drama esta en off: lo que provoca la ruptura del grupo musical original o la evolución sentimental de las chicas ocurre o antes de empezar la película o fuera de plano. Es cierto que hay cierta tensión sostenida que sobrevuela el metraje, pero esta nunca llega a explotar porque no es necesario, Yamashita solo necesita para emocionar al espectador una sonrisa triste o una bajada de ojos que hablan más que cualquier flashback o escena llena de gritos.
Linda Linda Linda es una película tan humilde, honesta, simple y lineal como emocionante, que habla de tú a tú con los adolescentes sin menospreciarlos y que cuenta con una estupenda banda sonora que une temas compuestos por James Iha y canciones de un grupo punk japones de los ochenta llamado The Blue Hearts.

Recomendada a: los que piensan que los adolescentes no son estúpidos y a los que saben que hay otro cine a parte del de Hollywood.

Lo peor: nada.

Lo mejor: todo.

"Frágiles" es, en mi modesta opinión, más que buena: es serie B de calidad. Como toda serie B coge elementos mil veces vistos ya y los vuelve a servir, pero la diferencia es que en esta ocasión el plato esta bien servido y caliente: los actores estan bien, sobretodo Calista Flockhart que me ha sorprendido agradablemente; la ambientación y la fotografía son buena, con un buen contraste entre la luz de los momentos tranquilos y los oscuros que traspasa el terror para ser una representación de la oscuridad interios y de los miedo de algunos personajes; la música es de Roque Baños, así que creo innecesario comentar nada al respecto; y el guión, como en toda serie B, es algo debil y más efectista que efectivo.

En fin, un juguete que sirve para lo que esta pensado: entretener, pero con un envoltorio de autor que lo salva de la quema.

Lo mejor: 1 la niña no es repelente.
2 las mediums... impagables
3 la grabación de la niña de cristal (por si alguien no había caido esta interpretada por Ivana Baquero, la protagonista de "El laberinto del fauno")

Lo peor: el guión, pero teniendo en cuenta que es serie B no hayq ue pedirle más.

La premisa es simple y previsible: Rikako Muto, una chica complicada por culpa de problemas familiares, se va a vivir a un pueblo desde Tokio y trastoca la tranquila vida de Matsuno Yutaka y Taku Morisaki dos buenos amigos. Obviamente la irrupción de Rikako Muto acabará provocando un triangulo amoroso que cambiará la vida de los tres jóvenes para siempre. Tal vez lo bueno de la película es que pese a transitar por lugares comunes, evita caer en el azúcar y en el exceso drama gracias a estar contada en forma de flashback por Taku Morisaki, quien va comentando en voz en off sus recuerdos y descubriendo al mismo tiempo que el espectador lo que realmente sintió en aquellos meses y que en su momento no supo entender o reconocer.
El problema es que la película es fría como el hielo por culpa del tratamiento de la historia. Pese a ser una película sencilla no le pone las cosas fáciles al espectador, al que aleja una y otra vez de las motivaciones de los personajes, pareciendo que estos actúan de un modo un tanto caprichoso hasta llegar al final del flashback. Puede que en parte sea culpa de la idiosincrasia de las relaciones personales japonesas y que en realidad esa frialdad sea producto del choque cultural con occidente.
Por otro lado la película logra transmitir esa cotidianidad tan típica de las producciones del Studio Ghibli, acentuada en este caso por la ausencia de elementos fantásticos y un diseño de personajes y escenarios más realistas pero realmente bonitos y detallados. También hay que destacar la calidad técnica y es que pese a ser un producto televisivo, la animación esta a la altura de muchas películas de animación japonesas coetáneas para la gran pantalla.
Un aspecto negativo es que la banda sonora, que disemina unas simples notas aquí y allá que repiten en exceso el tema principal, resultando totalmente insustancial y repetitiva, llegando a volverse invisible según avanza el metraje.
Puedo escuchar el mar es una curiosidad, pero también una película muy correcta pese al distanciamiento entre los personajes y el espectador, pero que se deja ver y se termina disfrutando ante su franqueza y sencillez.