La introducción a la Torre Elysium tiene un estilo que recuerda a Kubrick; los planos simétricos, angulosos, equilibrados. Todos los elementos se presentan de una forma bien diferenciada. Explica la llegada al edificio, cómo funciona esa microsociedad y el sistema de estratos. Deja claro quién es cada personaje y cuál es su función tanto dentro de la historia como a nivel narrativo.

En este sistema se condensa lo que sería la vida en una ciudad en una sola edificación, dividida en estratos. Las clases bajas están en los pisos más bajos; y los más ricos no solo están en lo alto sino que además sus casas están diseñadas de manera que tienen más luz y balcones mejores. La azotea queda a merced del creador de tan rocambolesco microcosmos, Royal; el cual ya tiene más proyectos similares en marcha. Todo absolutamente todo se concentra en el High-Rise: pista de squash, gimnasio, piscina, médico, dentista, supermercado. Por lo que cada miembro tiene un cometido para que el régimen funcione según el esquema marcado por el superior (literalmente).

Es un planteamiento más que interesante, ese reflejo esperpéntico de la humanidad, además está bien orientado y ejecutado. Pero a partir de un punto de inflexión se desmorona. Creo, por otra parte, que es algo buscado, porque es un modo de mostrar cómo se cae a pedazos la sociedad…El problema es que no sigue un hilo narrativo claro o con sentido. No tiene un destino, un punto de llegada; lo que hace que resulte repetitiva, incluso monótona en algunos momentos y el final se haga eterno, parece que no va a llegar nunca.

Por otro lado Tom Hiddleston está pidiendo de una forma nada sutil ser el nuevo James Bond. Porque ya en The Night Manager tiene esa imagen de tío en traje, que resuelve problemas y se tira a toda mujer que se le pone por delante. Digo yo que debe de estar muy a gusto con ese patrón que lo aleja tanto de Loki y lo acerca a esa elegancia natural que lo caracteriza.

Es la historia de Tomás (Javier Cámara), que viaja desde Canadá hasta Madrid para pasar cuatro días con su amigo Julián (Ricardo Darín), que se está muriendo de cáncer. Así que básicamente son 108 minutos de despedida. Y si a alguien no le resultan difíciles las despedidas, no sé si felicitarle o compadecerle.

Impresionante actuación de Javier Cámara. La de Ricardo Darín es intachable, claro. Pero me parece mucho más complicado el personaje de Tomás, porque es el que se queda. Tiene que saber mantenerse al margen. Tiene que apoyar a su amigo. Tiene que aguantar momentos muy incómodos: visita al hospital, visita a la funeraria…Y todo ello corriendo de su cuenta porque el pobre es el que paga (me parto).

Una de las cosas que más me gustaron es eso de saber tomarse las cosas con humor. No considero, ni por asomo, que ésta sea una comedia dramática. Es más parecida a la vida que a una comedia. Porque yo, personalmente, soy de las que dice que es mejor reírse que llorar. Y básicamente trata de eso.

Pero es que, por si no fuera una historia lo suficientemente profunda, nos ofrece algo más. Toca la emigración (incluso el racismo y homofobia) de un modo sutil pero efectivo. De hecho es una película bastante efectivista, decidida a emocionar y que lo logra (dato importante).

Parte de una premisa sencilla y la destroza para llevársela al terreno más emocional y humano. Nos obliga a leer entre líneas en cada diálogo, a fijarnos en los detalles, a entender a los personajes. Es que técnicamente es intachable. El guión de base está tan bien trabajado que podemos cortar con un cuchillo lo que es presentación, desarrollo/acción y desenlace. Creedme cuando os digo que cada vez tengo más claro que no es sencillo, cientos de películas lo demuestran.

Los protagonistas juegan con un doble rasero que los hace muy empáticos, a fin de cuentas todo se reduce a taras. Por un lado tienen un fondo muy noble, el amor por la familia, la soledad interior, el rechazo…pero tienen la misma capacidad de dar miedo. Y todo ello se ve y se siente a través de la pantalla porque las actuaciones son de libro. Nadie puede negar la complicidad entre el dúo de policías. Se ve que a Antonio de la Torre le pagan más por actuar que por hablar. Ahora bien, sin menospreciar ni su papel ni su actuación, que son impecables y extraordinarias; he de decir que Roberto Álamo está deslumbrante. Posee esa brutalidad indiscutible, corporal, física, emocional, pero con una mirada que dice todo lo contrario. Eso es justo lo que significa Que Dios nos Perdone y lo que la hace tan indiscutiblemente suya.

Tanto estructura, como fotografía, y sobretodo montaje, son arriesgados. Hay planos muy equilibrados y geométricos, utiliza a su favor un escenario tan común como es el portal y las escaleras de un edificio. Esa componente costumbrista crea un pavor subconsciente, da relieve y hace que la historia sea palpable. Ruy juega con la mente, muestra y esconde, no da nada masticado y es ésto lo que la convierte en una película tan subversiva.

Lo que da sentido al conjunto, y lo demuestra la secuencia de la persecución, es el sonido. Imágenes reales del papa, empieza a subir la música, más imágenes, subida muy punky. Roberto Álamo sale del portal y queda cegado por el sol, otro cambio. Corre y se sube a una furgoneta, la música se va de un lado a otro, el ambiente se fusiona creando una jodida sensación de mareo mientras la música sigue siendo protagonista, más subidón en el metro, y bajón en seco a la secuencia siguiente en el despacho. Eso es tener estilo.

Hay que tener mucha clase para coger la música y llevártela por donde te de la real gana para crear una sensación tan psicológica, tan sensorial. No es nada gratuita ni efectista. Todo el sonido está trabajado con elegancia, busca transmitir, crear una atmósfera y sensaciones reales. Desdibuja lo diegético de lo extradiegético. Lleva esta experiencia a una esfera personal e intangible.

Es una película que está desarticulada por ella misma, porque ya la presentación de personajes la hace de forma independiente. La artífice de todo el asunto, que es Amanda Waller…no sé quién es. Sé que es una tía de relativo poder, que no sé muy bien de qué pie cojea, que por lo visto tiene muy mala baba, y no sé qué le motiva a querer montar un ejército de criminales. No entiendo por qué criminales y no los superhéroes que los capturan; ni entiendo por qué esos y no otros. Luego, cuando se mete en harina y los presenta…es forzado. Éste es Deadshot, flashback. Ésta es Harley Quinn, flashback. Éste es el Capitán Boomerang, flashback….así con casi todos. Unos más desarrollados que otros, porque no vamos a darle la misma importancia a Will Smith que a Jai Courtney, que no lo conoce ni Dios, ¿verdad? Reparto coral mis cojones.

Y hablando de reparto, voy a hablar del Joker; venga va, no voy a ser yo menos que nadie. Es muy hipócrita hablar de la construcción de este personaje o de su personalidad porque no se ve una puta mierda. A ver, que sale cinco minutos, diez a lo sumo, y tiene cuatro frases que no son muy esclarecedoras. Normal que Jared Leto se pasase los rodajes haciendo el gamberro, si tenía que estar aburridísimo. En cualquier, absolutamente cualquier comentario en el que alguien defina a este Joker, se está inventando la mitad. Porque es imposible dilucidar cómo es a través de esas escenas, y es más difícil todavía definir su relación con Harley Quinn. No aporta nada a la trama, es prescindible.

Encadeno y hablo del argumento. Porque ya es mala suerte querer hacer un escuadrón de criminales para luchar contra los criminales y que el primer criminal contra el que luchar sea uno de los propios criminales que fichas para luchar contra los criminales. Es un poco lío ¿no? Pues eso. Pero es que suceden algunos acontecimientos que se sostienen incluso menos. Ojo, que ya sé que es una película de “superhéroes”. Ya lo sé. Pero Harley Quinn no deja de ser una psiquiatra lunática de carne y hueso. No tiene ningún superpoder, ninguno…Se estrella en un helicóptero que da varias vueltas de campana y no le pasa nada, ni un rasguño. ¿Hola coherencia?

Ahora bien, a Escuadrón Suicida hay que aplaudirle que, cuando suceden esta clase de incongruencias, enseguida cambia a otro asunto. Es decir, conoce sus propios fallos y los disfraza de una forma muy esteticista y muy rápida. Por eso la música son principalmente canciones, para distraer y llevar la película a un estilo más videoclip. Por eso juega con el “humor gamberro”, entre muchas comillas porque no es tan graciosa ni tan gamberra como se cree. Por eso mete flashbacks, que nos lleven a otro sitio y pensar en otro tema. En definitiva, juega a desviar la mirada y le funciona, durante un rato.

Llega mucho más lejos que las referencias cinematográficas a E.T., Star Wars, Encuentros en la Tercera Fase, Poltergeist, El Resplandor, Ojos de Fuego, Carrie, Commando, Stand by Me, Explorers, Los Goonies, Alien. Nos ofrece un auténtico viaje en el tiempo; porque a lo ya mencionado le hay que añadir el Dungeons & Dragons, The Clash, el cassette, El Señor de los Anillos, El Corazón de las Tinieblas, Atari, Walkie-Talkies, Coca-Cola, X-Men Nº134, Jaws, He-Man, Cujo, The Thing, All the Right Moves, tirachinas, relojes-calculadora…Está cuidada al detalle.

El misterio, el terror, la fantasía, las aventuras juveniles y el thriller se reúnen de tal manera que no permiten bajar la guardia. Atrapa nuestra atención y aprovecha los momentos de mayor distensión para meter golpes de efecto que nos pueden hacer pegar un salto. El montaje en paralelo del presente y del Upside Down es uno de los elementos técnicos clave sobre los que se sustenta la serie de los hermanos Duffer. En serio, no sé de quién demonios sería idea de utilizar Should I Stay or Should I Go y las luces como elemento conector entre ambos lados, pero es brillante. Es que es bonito, estético, efectista, fluido, fácil de ver y de entender. Además juega con el sonido, y lo que quiero decir con ésto es que tira de recursos técnicos de una forma muy inteligente. Hablo también de movimientos de cámara, iluminación parpadeante o saltos de eje que juegan al despiste.

Tema aparte son los personajes, y en este punto lo primero que quiero decir es que me encanta el papelón al que queda reducido la figura del patriaca. El padre de Mike y el de Will (incluso al principio Hopper) son patanes que creen que poseen el control de todo lo que les rodea, cuando en realidad no poseen una mierda. La figura paterna está absolutamente destrozada en favor de la materna.

Los que no suelen ser escuchados llevan la batuta de esta serie de acontecimientos extraordinarios. El protagonismo queda repartido de forma equitativa entre tres generaciones distintas con el mismo objetivo, encontrar a Will y cazar al monstruo. Partiendo de una base sencilla y casi estereotipada, asistimos a la evolución de unos personajes tan imperfectos como atractivos.

Para el final me dejo la figura por excelencia, la revelación, el eje central, la inspiración. Eleven es un soplo de aire fresco entre tanta heroína enseñando piernaca, con melena de seda y figurita de avispa. Esa niña superinteligente y superpoderosa, rapada, valiente e independiente da una lección de profundidad. Nos demuestra que es fundamental arriesgar por personajes más oscuros, con matices, con aristas.