"Campanades a morts fan un crit per la guerra dels tres fills que han perdut, les tres campanes negres". Esta canción de Lluis Llach homenajea los obreros asesinados por las balas, las porras y los golpes del Estado represor que cometió una masacre en 1976 en Vitoria. En una España donde las mejillas de los franquistas aún estaban llenas de lágrimas por la muerte del dictador, el País Vasco hervía para preparar una huelga general obrera. Bajo estas premisas arranca "Vitoria, 3 de marzo", la primera película de Victor Cabaco y co-protagonizada por Amaia Aberasturi y Mikel Iglesias, el único actor catalán.

La película se presenta como un thriller y no como un documental. Sin embargo, la cinta nos regala una diversidad de imágenes reales de la época y uno de los puntos clave que visten la trama: las grabaciones policiales de las cargas en Vitoria aquel 3 de marzo. Cabaco presenta un conjunto de personajes corales que visten una ficción que va cogiendo un ritmo vertiginoso hasta emular lo más real y verídico: 4.000 trabajadores celebran una asamblea en la iglesia de San Francisco de Asís en el País Vasco y son asaltados por la policía española.

El mensaje es dual y muy claro: conciencia política y recuperación de la memoria histórica. La cámara baja hasta los ojos de los dos jóvenes coprotagonistas para dar una nueva y fresca visión a las películas de la Transición. Ya no es un relato hecho por y para los viejos señores de gafas de pasta y cigarro pegado a los dedos. Cabaco y sus actores buscan vertebrar un relato a partir de todos los personajes y no sólo con los dos jóvenes. Esta coralidad enriquece la historia, que al presentar una ficción y no un documental, la dramatización es mucho más necesaria. Sin embargo, al principio falta un ritmo algo más elevado. Como una piedra bajando por una pendiente, la trama rueda hasta coger un ritmo vertiginoso. Y desemboca en un final sensacional.

El clímax de "Vitoria, 3 de marzo" está tan bien logrado que el espectador permanecerá con un mal cuerpo durante un buen rato. La película es un grito de denuncia y un puñetazo sobre la mesa. Se reclama que se vuelva a poner la masacre de Vitoria sobre esta mesa, exigiendo un perdón que nunca pidió a nadie por las cinco muertes y más de 150 heridos. Este espíritu traspasa por todos los rincones de la película, que tiene una clara intención de respetar los hechos y no dramatizar en exceso las escenas de las cargas.

Los jóvenes que vean la película podrán empatizar con los papeles de Aberasturi y Iglesias, los dos polos opuestos de una conciencia política. Ella, joven, políticamente virgen, va adquiriendo una conciencia obrera, social y política a través del metraje. Él, desarrollado en mil batallas sociales y políticas a pesar de su juventud, verá cómo llegar hasta el final puede tener consecuencias. Los dos actores firman una interpretación sólida y muy creíble, aunque en ciertos momentos la juventud se hace patente en ciertas escenas que no terminan de convencer.

"Vitoria, 3 de marzo" es necesaria. Es obligada. Es frustrante porque han hecho falta 43 años para hacer una película como ésta. La sangre que salpicó las calles de la capital vasca no la limpió nadie. Los golpes de porra, la violencia policial y una represión aberrante no pidió perdón nadie. La justicia argentina hace años que pide la extradición de los ministros franquistas Martín Villa y Osorio para rendir cuentas. La ciudad exige, pide responsabilidades. Y esta película, por fin, podrá llevar a todo el Estado y en diversas partes del mundo, la historia de un histórico 3 de marzo.

La madurez en la que se mueve la saga cinematográfica de Marvel es ya incuestionable. "Doctor Strange in the Multiverse of Madness" es la película que constata que la Casa de las Ideas es capaz de alcanzar cotas de excelencia en el mercado de los blockbusters y de los superhéroes -su monopolio- en un gran despliegue de todos los elementos que puede regalar el género. Divertida, alocada y oscura (sí, en el sentido más terrorífico que permite el adjetivo cinematográfico-, la nueva entrega del personaje que interpreta a Benedict Cumberbatch se adentra en la complejidad que solo permiten los cómics.

Marvel no alcanzaba esa profundidad en el argumento -requiere seguir el hilo y compromiso con todas las historias anteriores- desde Infinity War y Endgame. No es un producto para recién llegados ni para personas ajenas a las dinámicas de los cómics: la profundidad y el recorrido de los personajes rompe el metraje, viene de lejos e irá para largo. Además, su trabajo no es ese, el de venir a explicarte su origen y su pasado en la película número veintitantas. Su trabajo es recorrer aventuras. Y en esto, Sam Raimi, es de los mejores.

La nueva entrega del Marvel Cinematic Universe (MCU) conecta directamente con las historias de la línea principal de los Avengers y de la última película de Spider-Man. Raimi -que dirigió las tres obras originales del superhéroe arácnido, con Tobey Maguire como protagonista- se suelta en esta aventura que aproxima, por primera vez, la saga a un tono mucho más terrorífico y oscuro.

El director requiere reflejos e implicación por parte del espectador en uno de los guiones más alocados y que van más rápido de todo el MCU. Las sorpresas están aseguradas (muchas de ellas inesperadas, que es de agradecer) y la frescura que requería y necesitaba el conjunto de filmes de superhéroes de Marvel después de las infames historias contemporáneas anteriores a Spider-Man y posteriores a Endgame.

Es un disfrute permanente para todos aquellos que tienen mínimas nociones del universo de Marvel y una delicia absoluta para quienes logran entender, contextualizar y notar las referencias que provienen de historias de los cómics, pinceladas de Raimi y arrebatos humorísticos, siempre presentes. El coprotagonismo de Elizabeth Olsen con Cumberbatch nos regala una de las mejores parejas -tanto por historia, por profundidad de los personajes como por capacidades interpretativas- de toda la dinastía marveliana.

La Bruja Escarlata por fin disfruta de la potencia que pedía el personaje, tomando el relevo de la miniserie de Disney+ donde logró madurez en su recorrido. La Casa de las Ideas nos presenta una novedad, Xochitl Gomez, que es parte imprescindible de la trama, pero a ratos parece un personaje que pasaba por ahí. Que nadie se asuste: cameos, sorpresas y giros de guion los hay (y muchos).

Es el camino que debe seguir Marvel. Nutrirse de las historias más potentes de los cómics permite a la trama avanzar en un despliegue de recursos visuales y de efectos especiales como ninguna otra saga taquillera puede conseguir hoy en día. "Doctor Strange en la Multiverse of Madness" es pura diversión y una nueva fórmula a tener en cuenta por parte de la multinacional. Porque funciona a la perfección.

En un arrebato de sinceridad, la persona que me acompañaba a ver la película me espetó una frase condenatoria al salir de verla: "No entiendo nada". Su perplejidad no surgía porque la trama fuera complicada, ni nada por el estilo, sino todo lo contrario. LAST NIGHT IN SOHO acaba sublimándose a sí misma en un espectáculo estúpido de decisiones mal tomadas y grandes ideas mal ejecutadas. Edgar Wright plantea una mística y una estética sublimes que me engancharon en los primeros minutos desde que se encendió la pantalla. A partir de aquí, todo es una caída hacia adelante, una perpetua mueca de insatisfacción ante la falta de cohesión de una historia que se me acaba tornando insípida e infantil.

Thomasin McKenzie me parece una enorme actriz, que interpreta un magnífico papel en su posado de chica perdida, aislada. Cuesta muchísimo más creerse el papel de Anya Taylor-Joy, que aún su gran mimetización por el entorno de ese Londres hollywoodiense de los años 60, su personaje se descompone en giros de guion que cojean por todas partes. Indescriptible lo insustancial que parece Matt Smith después de haber gozado con él como Felipe de Edimburgo en "The Crown". En definitiva, ingredientes para el éxito tiene, pero el misterio del Soho es más bien un cigarro: al principio parece atractivo, queda bien y se puede fumar a gusto. Luego se vuelve incómodo, agota las manos y te puedes quemar los labios si no lo apuras. Decepcionante.

Entiendo el poder de Netflix. Entiendo su necesidad de hacernos ver a todos que poseen la capacidad, los recursos y el talento para adaptar, escribir, rodar y hacerse con lo que les de la realísima gana. Que lo entiendo. Pero dejadnos en paz en algunas cosas. Dejadnos recordar el sobrecogedor relato cinematográfico que crean los verdaderos genios como Alfred Hitchcock, cuyas películas 60, 70 y 80 años después siguen siendo frescas, ágiles, creíbles y consumibles. Dejadnos en paz con vuestras versiones modernas, ajetreadas, con filtros de Instagram y con una capacidad nula para crear personajes -¡e incluso aquellos que ya han sido adaptadas o versionados!-.

Sacad vuestras zarpas de un legado cinéfilo que ha forjado, cimentado y creado las bases de muchos directores, actores y productores a lo largo y ancho del siglo XX. Que ya está bien hombre. Que ni se merecen que perdamos el tiempo en 2 horas que no recuperaremos nunca ni en los 15 minutos que he tardado en vomitar en una palangana tras ver esta nueva versión de Rebecca. Desfilad rectos hacia el Infierno, que no os queda otra que pagar por vuestros crímenes infames.

Que no nos contéis cuentos. Que no había ni una -¡NI UNA!- necesidad de sacarle el polvo a Manderley, a De Winter ni a Rebecca. Que la readaptación podria haber sido más ambiciosa pero solo ha sido una muestra más del poder de Netflix, de su falta de escrúpulos y de una muestra de fuerza de su imperio. Danzad alrededor de esta hoguera creada con las cenizas de nuestros recuerdos, porque al acabar de ver esta película solo he querido arrancarme los ojos. Pobre Lily James y Armie Hammer. Anoche soñé que volvía a Manderley. Hoy he visto como volvían a arrastrarme a una película Infame bajo un sello supuestamente de calidad. Nos veremos en el Infierno.

Escribo esto en caliente, una hora después de salir de la sala.
No había mejor director para tomar las riendas de la secuela de Blade Runner. Denis Villeneuve es un maestro y nos lo sigue confirmando día a día. Un auténtico director de culto.
La fotografía y la banda sonora son una auténtica delicia para los sentidos. La esencia misma del universo Blade Runner que construyó Ridley Scott por allá 1982 se palpa en cada milímetro de 2049. Y las referencias son magistrales.
El reparto lo considero escogido al detalle, en su función. Ningún diálogo estaba de más, ninguna toma; toda pausa era calculada. La narrativa que consigue Villeneuve, acompañada de un FANTÁSTICO Ryan Gosling y unas grandes actuaciones de Ana de Armas. Jared Leto y compañía hacen que los ojos se te vayan abriendo como dos pelotas de tenis. Hasta la gran llegada de Harrison Ford.

Blade Runner 2049 consigue el síndrome del Padrino 2. La secuela supera a la original. Con todos mis respetos y admiraciones lo digo.
Vayan al cine. No se arrepentirán.