A estas alturas ya hay muchísimas películas donde el 11S tiene mayor o menor protagonismo. Ahora mismo recuerdo como mis favoritas La última noche, Mi nombre es Khan y En Algún lugar de la memoria, donde al igual que la película que nos ocupa, los sucesos que nos narra y/o los personajes que la protagonizan vienen marcados por el fatídico día.

El director de la que nos ocupa es Stephen Daldry que pese a no tener una extensa trayectoria, si acumula nominaciones a los Oscars en las cuatro películas que ha hecho, en tres de ellas a mejor película. Este año directamente ha hecho una película totalmente prefabricada de forma tramposa para estos premios en los que la nominación ya supone un privilegio que puede resultar insultante y de ser premiada (que lo dudo) sería una de las mayores injusticias de estos premios en los últimos años.

Los sucesos del 11S aún son una herida cercana que tardará mucho en cicatrizar. En esta historia se mete el dedo en ella una y otra vez con un drama ñoño y prefabricado que podrá tocar la fibra de muchos que aún tienen los emociones a flor de piel recordando esa mañana aunque también muchos de ellos puedan sentirse insultados por usarlo de forma tan tramposa y preconcebida.

Al otro lado del charco, algo alejados de aquellas torres gemelas que de desplomaron y de todo ese enardecido patriotismo, la objetividad del espectador es mayor y a mi modo de ver, sus defectos resultan más evidentes.

La historia en si nos narra como un niño (Thomas Horn) perdió a su padre (Tom Hanks) dicho día y no logra superarlo. Por un lado el hecho de perder a un padre que para él era más un amigo que un progenitor, un compañero de aventuras con el que compartía juegos imaginativos. Por otro el que no haya cuerpo que enterrar y también por último y como daño colateral la ansiedad, hipocondría y miedo a todo que esto le genera. Ahora vive con su madre (Sandra Bullock) a la que ignora y con la que mantenía de antes ya una relación muy distinta a la que tenía con padre.

Encuentra en el armario de su padre una llave en un sobre en el que pone "Black" por lo que se aferra a que esto conecte de algún modo con su progenitor y se pone a buscar por toda la ciudad a los que tienen este apellido con la posibilidad de que tengan la cerradura en la que encaje esa llave.

A pie (dado que le da miedo cualquier transporte público), armado con un mapa y excéntricos atuendos rematados con una pandereta que le hace estar calmado, inicia la aventura para el encuentro de dicha cerradura, en al que pronto se encontrará con un hombre mayor (Max Von Sydow) que arrastra sus propios traumas, que no habla y que se comunica a base de notas, el cual le acompañará en su intento de azaña.



(continúa en spoiler por falta de espacio pero sin desvelar nada)

Hace poco me sorprendía gratamente con el visionado de Nader y Simin, un sencillo drama contado de forma magistral donde sus personajes y su naturalidad eran sus mayores virtudes pero no las únicas. Esta que nos ocupa me recuerda a la citada en esos aspectos.

Son incontables las películas que de forma melodramática se adentran en el territorio de las enfermedades. Las hay también que abordan el tema con gran sentido del humor como la reciente 50/50, que sigue sin fecha de estreno en nuestro país. Esta que nos ocupa nos ofrece una visión que en su transfondo es dramática pero que no busca la lágrima fácil sino inyectar al espectador una gran dosis de positividad y ganas de vivir.

La directora, guionista y protagonista (Valérie Donzelli) se inspira en la relación con el otro guionista y protagonista (Jérémie Elkaïm) y en la enfermedad del niño pequeño que comparten para hacernos llegar esta preciosa historia de amor, superación y un insuflo vital para todos aquellos que lo estén pasando mal o para cualquier espectador que se acerque a ella.

El inicio es arrollador mostrándonos a la protagonista con un niño de 8 o 9 años que se va a realizar una resonancia magnética. Todos los que nos hemos hecho esta prueba creo que habremos relacionado el infernal ruido de la máquina con la música más machacona de discoteca y la directora también lo ha hecho mezclando la citada escena inicial con la música de la discoteca donde la pareja se conoce.

En un flashback de pocos minutos (bueno, la película en si es todo un flashback salvo su inicio y su final) nos narran su preciosa relación de amor plagada de luz y color entre paseos y besos hasta el momento en el que nace su primer hijo. Una pareja de tantas en principio que demostrará una fortaleza extraordinaria.

Y es que argumentalmente lo que sorprende es la racionalidad en todo momento de la pareja y como se enfrentan a los problemas que les vienen. El momento de enterarse de la noticia es absolutamente desolador, siendo muy difícil aguantar las lágrimas mientras la contemplas. Pero es de los pocos momentos de negatividad que se concede la pareja y de los pocos que dejan al espectador destrozado.

Nos cuentan una heróica lucha llena de amor y coraje enfocada como digo desde un prisma muy racional y positivo. Uno de los principales acuerdos de la pareja es no especular sobre la enfermedad sino aceptar las noticias que les vengan lo mejor que puedan e ir llevando el día a día. Preocuparse de más solo les va a hacer más difícil la batalla.

(continúa en spoiler por falta de espacio pero sin desvelar nada)

Parece que 2011 (aunque a España nos ha llegado esta ya iniciado el 2012) es el año de la nostalgia. La gala de los Oscars estuvo impregnada de ello estando tanto esta como The Artist acaparando muchos de los premios, con Midnight in Paris llevándose también alguno importante e incluso el mejor cortometraje animado yendo por estos senderos.

Martin Scorsese es una muestra de ello y nos ofrece una película impregnada de su amor por el cine el cual contagia al espectador y hace amar más si cabe al séptimo arte. El director nos muestra los inicios del cine, cuando todo era una mera fábrica de sueños, de ilusiones y no también una fábrica de dinero.

Mientras que en The Artist se hacía un "remix" de películas mudas jugando con el espectador a la caza de guiños, aquí no hace falta haberse visto las películas referenciadas dado que nos ponen en antecedentes con unas magníficas escenas en flashback pseudo-documentales.

Técnicamente es apabullante. No por homenajear los inicios del cine el director queda como un nostálgico estancado sino todo lo contrario. Para llevarlo a cabo maneja las últimas tecnologías como nadie. El 3D es de lo mejor que se ha hecho hasta el momento, mereciendo la pena el pago extra por verla así y no como decía alguien por twitter sobre el reestreno de Star Wars "un 3D que te da la sensación de que una mano sale de la pantalla y te roba de tu bolsillo".

Tiene los típicos primeros planos que asaltan la pantalla pero realizado de forma magnífica y no de forma traicionera como la mayoría de cintas dado que en la que nos ocupa el 3D está en cada secuencia aprovechado al máximo y usado de forma magnífica. La escena del tren y lo que significa toda ella resume parte de lo que ha querido hacernos llegar Scorsese con esta película.

En general, estamos ante una obra cargada de magia, un canto a la imaginación, un vistazo no solo a la cultura del cine sino a la de la literatura, a la del ilusionismo y en general a dejarse llevar y soñar. El propio Scorsese no quiere perdérselo y lo vemos en un cameo e incluso podemos ver a Dalí charlando en una cafetería de la estación mientras músicos interpretan en directo para los que allí descansan, leen o comparten tertulia. No es el único guiño y ahi si que juega un poco con la memoria del espectador y su rapidez visual para cazar a los "invitados especiales"

Aparte de divagaciones más o menos poéticas, sobre papel, ¿qué nos cuenta la invención de Hugo?

Pues la historia de un niño (Asa Butterfield) que se queda huérfano y vive clandestinamente tras las paredes de la estación de París, arreglando y manteniendo en marcha todos los relojes.

(continúa en spoiler por falta de espacio pero sin desvelar nada)

Algún día el cine de aquí se quitará de encima los típicos comentarios de "ufff, película española?" o "no está mal para ser española". Películas como esta con un reparto para enmarcar y con una puesta en escena espectacular bien puede considerarse una super producción Hollywoodiense. Estamos asistiendo a una generación de directores españoles muy prometedores gracias a los cuales se hablará de cine en general sin remarcar su procedencia o que si acaso se menciona sea un orgullo y no un lastre.

Rodrigo Cortés es uno de los directores de la mencionada corriente, que se arriesga a hacer algo distinto a lo que estamos acostumbrados a ver. Quizá acercándose a Hollywood si, pero sin heredar sus clichés o defectos.

Hace unos años y en plena explosión de la crisis nos dejaba Concursante, una película que pese a pasar algo desabercibida en su día (aunque volvió a coger fuerza tras el éxito de Buried) personalmente me maravilló, fue mi propuesta cuando me tocó el turno de proponer una película en algún cineclub que participo y conozco algún profesor que la usa en sus clases de economía. Tiene muchos fans pero también grandes detractores al igual que seguramente le suceda esta que nos ocupa.

Con Buried ya consiguió el salto a la fama con un concepto original y una cara conocida como Ryan Reynolds (pese a que Leonardo Sbaraglia no es que sea desconocido).

Al igual que la cinta de 2007, Luces Rojas se acerca a un tema muy interesante (al menos para mi) y que siempre está de actualidad y lo hace como en aquella de una forma didáctica a la vez que amena.

El boom de los adivinos, curanderos, mentalistas, etc parece no tener fin y los protagonistas de esta pelicula son profesionales de encontrar sus trucos, frenar sus estafas. Sigourney Weaver (con un papel notable y alguna gran escena) es la renombrada doctora que lleva a cargo esta tarea, compaginándola con las visitas a su hijo, que permanece en coma desde pequeño y que mantiene con vida artificialmente aferrándose a que como su experiencia le ha demostrado, más allá no parece haber nada.

Su ayudante es Cillian Murphy (gran papel de un actor que pasa por un momento genial), un físico que no da muchos detalles de por qué le gusta este mundo, más allá de insinuarle a una alumna (Elizabeth Olsen) que puede estar dolido con el mundo de los videntes por haber estafado y causado serias consecuencias en algún familiar.

Entra en escena Robert De Niro (que realiza su función correctamente que por lo visto en sus últimas películas no es poco) como un mentalista y sanador ciego que se retiró hace 30 años tras una polémica actuación donde su mayor detractor falleció en directo de un ataque al corazón y que vuelve a escena. El citado físico se obsesiona con él y en demostrar que es un farsante mientras que su mentora, que parece tener alguna cuenta pendiente con él, le intenta disuadir.

(Continúo en spoiler por falta de espacio y al final si pongo spoiler avisado)

Aunque de las que he visto de la filmografía Steven Soderbergh algunas me han encantado y otras me han parecido algo lentas, en general me gusta esa forma característica de rodar y ese ritmo y atmósfera que las acompaña aunque en algunas como digo le salga mejor que en otras. Tras ver meses atrás Contagio (para mi de las mejores que he visto de las que tratan el tema de virus contagiosos), le tenía ganas y curiosidad a esta que nos ocupa, aparte de por su gran reparto.

Acompañada por actores de renombre, la protagonista es Gina Carano, luchadora de artes marciales mixtas que se estrena en esto de los largometrajes. Agradecido su papel en el tema de las peleas aunque dejaremos en aprobado muy raspado lo de la actuación, marcándose practicamente un solo registro poniendo cara de interesante toda la película.

Basicamente estamos ante una película típica vista muchas veces del agente al que por el motivo "X" quieren liquidar, el cual a la vez que averigua el por qué inicia una venganza contra los que la quieren quitar de en medio.

Lo interesante de la misma es el ritmo sobrio que la impregna mezclado con potentes escenas de acción centradas sobretodo en grandes coreografías de peleas cuerpo a cuerpo, que parecen reales como pocas veces suelen verse.

De hecho la cinta se inicia con una espectacular pelea tras una corta conversación la cual nos situa a mitad de la historia. En su huida del café donde está y acompañana de un chaval del que usa su coche, nos va contando a modo de flashback todo lo sucedido hasta ese momento, retomando el hilo desde ese punto una vez actualizado al copiloto y al espectador.

La película además tiene un aroma a película clásica de espías con toques retro y acompañamiento de una BSO urbana setentera. Poco más a comentar sobre una película sencilla, directa y efectiva.

@er_calderilla
http://www.elperiodic.com/noticias/161847_critica-indomable-haywire-2011.html