Beginners es totalmente decepcionante. Propone algo no del todo novedoso, pero sí poco tratado en el cine y creo que necesario. La película es un homenaje a aquella generación que tuvo que reprimir sus ideales políticos y/o condiciones sexuales para encajar en la corrección social de su momento. El padre que interpreta Plummer confiesa su homosexualidad a los 75 años, justo cuando su mujer ha muerto y su hijo de casi cuarenta tacos intenta reordenar los cauces de su existencia. Me parece genial la presentación solemne de unos personajes que a base de reprimirse han devenido espectadores pasivos de sus vidas y han acabado como principiantes escondidos en un mundo de adultos. También me emociona ese final esperanzador, y me encanta ver a Laurent haciéndose la muda o la esquiva (un arquetipo femenino típicamente francés). La lástima es que Beginners presenta sus cartas a los dos minutos y no propone absolutamente nada nuevo durante sus casi 105 minutos.

Beginners demuestra que en el cine indie norteamericano hay muchos matices y que la única que sabe crear tiempos muertos narrativamente muy vivos es Sofia Coppola (prueba de ello es su último estreno: Somewhere). Beginners es un gran stand by circundado por una presentación y un desenlace de una belleza elegíaca enternecedora. Lo demás es un largo discurrir de un cine que es raro, que es consciente de serlo y que riza el rizo para resultar todavía más extraño. No merece los premios que está logrando en este inicio de carrera a los Oscar. Porque cinematográficamente empalidece ante títulos parecidos. Y porque esa generación de homosexuales sin voz ni voto en la América profunda merecía mucho más. Eso aunque su mayor problema sea otro: no saber conectar esa primera generación de principiantes (Plummer) con la segunda (McGregor, centro del relato), o hacerlo sin una mínima reflexión, criterio, agudeza o gracia típica del mejor cine outsider.

Xavier Vidal, Cinoscar & Rarities

¿Hasta qué punto es fácil salir a la calle, ir a comprar y cocinar, hacerse cargo de una casa, mantener lazos con amigos y familiares? Para Elling lo que parece normal es en realidad un mundo complejísimo. Es un niño adulto, alguien caprichoso, egoista, egocéntrico, manipulador, maniático y cascarrabias. Cuando muere su madre y los policías lo encuentran encerrado en su casa, el gobierno noruego lo envía a un centro psiquiátrico. Al salir tendrá que compartir piso con su compañero de habitación dentro del manicomio. Un nuevo comienzo en el que Elling aprenderá a querer y a convivir, a ceder a las pequeñas obligaciones, problemas y placeres que implica reinsertarse en la sociedad.

Retrasado mental y a su manera muy inteligente, nuestro protagonista parece la versión nórdica de Forrest Gump, con la peculiaridad de que Elling es un poeta con mucho que aprender y con mucho que enseñar a los demás. Su historia da para muchos momentos graciosos y otros dramáticos que el director sabe medir con habilidad, dejando que en todos ellos el espectador vaya forjando una relación de cariño y complicidad con Elling y su compañero Kjell.

Una película que nos recuerda que en el fondo nadie es normal, quizás porque el primer símptoma de locura es comportarse como una persona cuerda. No es una comedia tronchante ni una película que venga a cambiar o a ampliar lo que otras ya han expuesto anteriormente: si logró el voto de los académicos de Hollywood (hay que tener presente que siempre son los más veteranos, por no decir viejos, de la entidad los que se hacen cargo de la categoría de film de habla no inglesa) es porque Elling es un film muy simpático, apto para toda la familia y todo tipo de públicos, que, además de retratar el sólido sistema administrativo-sanitario-judicial de un país como Noruega, también recuerda la fuerza de un valor tan universal y tan cultivado por el academicismo norteamericano como es el de la amistad. Se sentirán mucho más reconfortados y felices después de verla: no se puede decir lo mismo de la mayoría de películas.

Xavier Vidal, Cinoscar & Rarities, http://cachecine.blogspot.com

La huella es una pieza de cámara en dos actos y tres giros narrativos, la obra que habría podido escribir Agatha Christie en el caso de que hubiese preferido el estilo directo del teatro y no la complejidad de la novela. Las más de dos horas de metraje encerrados en un mismo espacio funcionan por la solvencia de sus dos intérpretes, tan brillantes como imprevisibles. Con todo, el libreto no siempre resulta todo lo atractivo y desasosegante que debería. Por momentos desconecto de la película porque el misterio que esconden las muñecas rusas no se antoja interesante. Minutos después, los actores despliegan sus artes y un detalle inesperado aflora para reavivar la atención del espectador. El metraje, pese a todo, pesa como una losa y uno llega agotado al final de la sesión. Y de nuevo, entre tantas curvas, surge un plano final perfecto que desarma a los personajes e ilustra la soledad del manipulador manipulado.

Thriller de reflejos y apariencias tan imponente como poco consistente, tal vez porque La huella contiene más de una historia, o varias posibilidades o versiones de una historia, o partes fragmentadas de una opereta de planteamiento abierto y tramposo. Le sobra ingenio y le falta concreción, pero aún así ofrece un rompecabezas que hará las delicias de los seguidores del cine negro.

@Xavicinoscar, Cinoscar & Rarities
http://cachecine.blogspot.com

Spielberg ha contradecido desde siempre esa máxima de Hitchcock de 'no trabajar ni con niños ni con animales'. War Horse sigue la senda del cine típicamente spielberiano: encontramos una mezcla entre épica y sentimiento, un aprovechamiento al máximo de las posibilidades de la fotografía y los distintos efectos visuales y sonoros, y una manipulación semisoterrada de las emociones de la audiencia al hacer confluir los momentos más lacrimógenos con las cumbres musicales de la banda sonora de John Williams y un uso descarado del plano general. Spielberg se ha empeñado tanto en construir su cinematografía desde la nostalgia (la palabra de estos Oscar) que en contraposición de sus films de alma infantil (E.T. e Indiana Jones al completo hasta llegar a Las aventuras de Tintín) algunas de sus apuestas más adultas han corrido el riesgo de interpretarse como extensiones de otras chiquilladas (nos referimos a las sólidas Jurassic Park, Inteligencia Artificial o Atrápame si puedes, por ejemplo). War Horse aúna el Spielberg aniñado y el adulto sin llegar a situarse en ningún bando. Incluso los cielos color ámbar que filma por obra y gracia del croma y la informática parecen intentar recrear el peplum antiguo estilo Lo que el viento se llevó.

El problema de War Horse es que Spielberg ha querido que su nuevo Oliver Twist fuese un caballo que sobrevive y vuelve a su casa tras la Segunda Guerra Mundial. Lo que se dice rizar el rizo. La maquinaria del relato funciona a pesar de que los engranajes de War Horse parecen girar con esfuerzo, expulsando humo de sus juntas y amenazando avería en todo momento. Spielberg pide demasiado al fragmentar tanto el relato (parece una novela episódica por la que el dichoso animal viaja de Inglaterra a Francia, y de ahí hasta el frente de guerra), y directamente la pifia con un final impostado (dos soldados de bandos contrarios deciden hacer un alto el fuego para rescatar al animal de los alambres en los que se había quedado atrapado, además de sucesos posteriores que no deben contarse para evitar spoilers). En War Horse no hay sensación de unidad, no hay una línea argumental, y aún así todo está pensado para arrancar la lágrima del espectador (véase la homogénea dirección de actores) en pos de una relación zoofílica del todo imposible.

Como dirían nuestros abuelos, War Horse es una película 'bonita', que no necesariamente 'buena'. Todo en ella resulta tan previsible como la derrota de las tropas alemanas. Aunque es innegable que el señor Spielberg tiene la mano curtida y sabe hacer que muchos se traguen con gusto 145 minutos de rostros medio llorosos, frases bienintencionadas y paisajes de ensueño. Incluso no estando a favor de War Horse hay que reconocer el oficio de su responsable: al fin y al cabo, ¿quién haría este tipo de cine si no estuviese Spielberg?

Xavier Vidal, Cinoscar & Rarities

Eunice, la joven protagonista de Boleto al paraíso, podría ser una adolescente cubana más luchando contra unos maltratos familiares y el régimen político de la isla. Eunice es la heroína y el símbolo de esta road-movie curiosa con destino al mismísimo paraíso, un oasis en medio de tanto desierto, o una utopía más que gritar bajo el arropo de la revolución cubana. Algo se está moviendo en el cine cubano y Chijona parece estar contando una historia muy personal de vagabundos adolescentes en busca de futuro en un país sin demasiadas posibilidades de ascenso y éxito.

Boleto al paraíso se merece todo nuestro respeto porque es un cine hecho con pasión y con mínimos recursos. Y precisamente por ser un cine a contracorriente sin grandes posibilidades técnicas, Boleto al paraíso queda como un borrador de una película mayor. Las ideas están, pero faltó precisión a la hora de saberlas plasmar en imágenes. Tampoco ayuda alguna que otra interpretación fuera de tono de su joven reparto. Y aportan todavía menos sus saltos temporales y los derroteros que toma la historia en pos de una resolución menos crítica y más dulzona. Con todo, Boleto al paraíso es la historia de una huida, de unas raíces de las que se reniega y la crónica de unos sueños de joventud frustrados. Ojalá tengamos en un futuro más propuestas como esta, y si es posible con la solidez de guión y la solvencia técnica que precisa la cinematografía cubana.

Xavier Vidal, Cinoscar & Rarities