El quinto largometraje del director francés Jérôme Bonnell se centra en Alix, una actriz que debe viajar por el día a París a una audición y luego debe volver a las funciones de una obra de Ibsen que está representando en Calais; pero en medio de algunas inesperadas emergencias financieras y la imposibilidad de contactarse telefónicamente con su esposo, termina conociendo por casualidad a un profesor universitario, quien ha viajado desde Londres, también por el día, para asistir a un funeral.

Hemos visto en numerosas oportunidades películas centradas en dos desconocidos cuyos caminos se cruzan casualmente por culpa del destino, y además de que el cine francés ha sido generoso en este tipo de historias, también han sido muchas las producciones de otros países que ambientan tramas similares en la Ciudad Luz. Y sin embargo, aunque en verdad no ofrece nada nuevo ni algún giro rupturista, "El tiempo de los amantes" logra atrapar e interesar al público. De partida, por su manejo del ritmo y por los diversos detalles y situaciones que reflejan la capacidad de observación de su director: las personas que viajan en el metro, personajes como el amigo profesor de economía, el (des)encuentro de Alix con su hermana, y en general la interacción de la pareja protagonista con su entorno y lo que encuentran en su camino.

Pero más allá de eso, si la película se hace entrañable y creíble es gracias a la decisión de Bonnell de haber confiado sus protagonistas a dos actores tan talentosos pero a menudo subvalorados como la francesa Emmanuelle Devos y el irlandés Gabriel Byrne. Con sutileza y sensibilidad, ambos hacen creíble lo que viven en pantalla, y la cámara de Bonnell sabe aprovechar bien las miradas y silencios que reflejan las dudas y anhelos que los atraviesan, además de los ocasionales momentos de humor que aparecen en el momento menos esperado.

Por supuesto que "El tiempo de los amantes" puede no ser del gusto de todo el mundo; no es una obra maestra y hay elementos que podrían ser mejores -el uso de la música pudo ser más inspirado, por ejemplo-, pero de todos modos se agradece que el film no caiga en los clichés en que pudo abundar, ni tampoco sea el típico recorrido turístico-romántico por un París de postal. En tono menor, el espectador asiste a uno de esos "rendez-vous" que los franceses saben filmar tan bien, y que pese a todo, siempre logran atraer.

Basado en su libro homónimo de memorias, desde su debut mundial en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes 2013, el nuevo trabajo del ya octogenario realizador chileno ha sido recibido con entusiasmo por sus admiradores en todo el mundo, también cautivando a buena parte de la crítica. Y no es de extrañar, porque se trataba del primer largometraje suyo en casi un cuarto de siglo, apenas el séptimo en una filmografía de más de cuatro décadas que lo ha convertido en un cineasta de culto a nivel internacional.

Con todos los desbordes oníricos y los toques barrocos y surrealistas que son parte de su sello fílmico, el film recorre su agitada infancia en su Tocopilla natal, incluyendo apariciones del propio Jodorowsky interpretándose a sí mismo en la actualidad, a tres de sus hijos como parte del elenco -uno de ellos, Brontis, encarna al severo e inflexible progenitor- y a la sorprendente soprano Pamela Flores robándose la película en el rol de la madre.

El resultado es sin duda imperdible para sus fans, pero también recomendable para quienes no son miembros del culto a su excéntrico autor: excesiva, desinhibida, reiterativa y egocéntrica en su mirada que incluye humor absurdo, enanos, minusválidos, travestis, prostitutas y artistas circenses, con todos sus guiños visuales y argumentales que evocan no sólo al propio Jodorowsky, sino además a directores como Fellini y Kusturica, la película logra pese a todo momentos de poesía y belleza.

Inspirado en hechos reales, este cuarto largometraje del realizador francés Gilles Bourdos se centra en la particular relación que una joven bella y desinhibida, Andrée, establece con dos artistas que hoy son leyenda, uno en el ocaso de su vida y el otro cuando estaba definiendo qué camino creativo va a seguir: el célebre pintor impresionista Pierre-Auguste Renoir (encarnado con su habitual talento por el octogenario Michel Bouquet) y su hijo, el futuro cineasta Jean Renoir, quien dirigiría títulos tan memorables como las magistrales "La gran ilusión" y "La regla del juego".

Nominada a cuatro premios César y elegida por Francia para postular al Oscar a la mejor película extranjera, "Renoir" se ambienta en bucólicos parajes de la Costa Azul en 1915, en plena Primera Guerra Mundial, y sigue cierta tradición académica, refinada y convencional del cine galo; como era de esperar por abordar el trabajo de artistas visuales, se luce especialmente por las imágenes de innegable delicadeza y belleza plástica que captura la fotografía del taiwanés Ping bin Lee (quien ya se ha lucido en trabajos de cineastas como Wong Kar-Wai y Hou Hsiao-Hsien), muy bien subrayadas por la banda sonora del solicitado Alexandre Desplat.

Aunque a estas alturas y luego de 7 películas, ya está claro que el realizador Nick Cassavetes no heredó el inigualable talento de sus legendarios progenitores -el cineasta John Cassavetes y la actriz Gena Rowlands-, de todos modos ocasionalmente ha demostrado ser un buen director de actores y logró cautivar al público con títulos tan convencionales pero efectivos como su cinta más recordada, la lacrimógena "The Notebook" (2004). En su filmografía, este Cassavetes siempre ha parecido estar más cómodo en el drama o el romance atormentado, y lamentablemente en esta primera incursión en la comedia más directa y desbordada, son más las falencias que los aciertos.

Todo parte cuando tras enterarse de la infidelidad de su esposo, una mujer no sólo se hace amiga de la amante de éste, sino además ambas se unirán a otra amante del infiel y se propondrán darle un escarmiento. Si bien hay que reconocer que en la primera mitad del film, con sus exageraciones y momentos ridículos a cuestas, el espectador puede reír si no espera mayores sutilezas ni es demasiado exigente -sobre todo con el despliegue cómico entre una convincente y muy atractiva Cameron Diaz y una histérica y exagerada Leslie Mann-, pronto todo se hace excesivamente burdo y predecible, con muchos momentos que parecen sacados de una mala publicidad o una sitcom en decadencia, y tampoco ayuda mucho la aparición de la tercera mujer, la veinteañera Kate Upton, que podrá tener una anatomía despampanante, pero como actriz es menos que discreta.

Desde su debut en 2007 con la subvalorada "La vida me mata" y en especial con la elogiada y premiada "La nana" y "Gatos viejos", el realizador Sebastián Silva no sólo se ha confirmado como uno de los talentos más valiosos y creativos del cine chileno actual, sino además como uno de los que mayor éxito y repercusión ha tenido a nivel internacional, al menos en el circuito más independiente. Su particular mirada a las relaciones humanas, el humor absurdo, los diálogos certeros y los juguetones giros y observaciones de sus historias, así como su habilidad para potenciar sólidas actuaciones, han dotado de universalidad a historias que a la vez logran reflejar diversas verdades sobre el Chile contemporáneo.

Sin abandonar esas características, Silva desarrolló nuevas perspectivas en sus dos siguientes películas, "Crystal Fairy y el cactus mágico" y su primer thriller, "Magic Magic", y como rara vez ocurre con un cineasta latinoamericano, ambas tuvieron su estreno mundial con pocos días de diferencia en el Festival de Sundance 2013; en esa ocasión la primera, filmada en un breve período de tiempo cuando se retrasó el presupuesto para la segunda, le permitió ser premiado como mejor director en la competencia World Cinema del certamen estadounidense, la misma donde en 2009 fuera ya distinguida "La nana".

Inspirada en vivencias que el propio Silva experimentó hace más de una década, "Crystal Fairy..." tiene una trama muy simple y directa: el viaje al Parque Nacional Pan de Azúcar que un joven estadounidense y tres hermanos santiaguinos emprenden para disfrutar ahí de los reconocidos efectos alucinógenos del cactus San Pedro, se ve alterado cuando se les une una extrovertida, mística y desinhibida hippie, también estadounidense, que se hace llamar Crystal Fairy.

La aparente trivialidad de una anécdota que podría haberse conformado con ser una comedia adolescente del montón, permite a Silva un nuevo avance en la libertad formal que suele estar presente en su cine, desarrollando una película divertida y encantadora, que hace reír y entretiene, pero también provoca y estimula otras sensaciones. Espontánea y fluida, mantiene y cautiva la atención del espectador gracias a la naturalidad de la puesta en escena y la habilidad con que capta y refleja la forma en que dos estadounidenses muy distintos entre sí observan y se relacionan con Chile y su gente. Pero también acierta como sutil y delicado estudio de personalidades, a través de diversos detalles y gracias a las miradas, silencios, risas y desencuentros que comparten los cinco viajeros en este trayecto que como suele ocurrir en las road movies, tiene tanto de recorrido geográfico como de exploración interna de los personajes.

Acá son fundamentales la buena química que se percibe entre el protagonista, Jamie, encarnado por el reconocido actor Michael Cera y los tres hermanos que interpretan los propios hermanos de Sebastián Silva, pero muy especialmente la película se hace inolvidable gracias a la excéntrica Crystal Fairy de Gaby Hoffmann, un rol que en un principio puede ser insoportable y casi caricaturesco, pero por el camino se siente cada vez más humano y entrañable; mérito enorme de la actriz, pero también del director, quien siempre se ha lucido con sus retratos femeninos, particularmente con Claudia Celedón y Amparo Noguera en "La vida me mata", Catalina Saavedra en "La nana" y Bélgica Castro en "Gatos viejos".

Por supuesto que se trata de una película que no es para todos los gustos, y se puede entender que haya gente que no conecte con ella, como se puede ver acá mismo en algunos de los otros comentarios. Además, hay que reconocer que donde Silva no siempre logra convencer a todo el mundo por igual es con los desenlaces de sus películas, y en este caso queda la impresión de que faltó un poco más de desarrollo y profundidad; pero eso no disminuye los méritos de este film en tono menor, refrescante y por momentos lisérgico, que incluye además una certera banda sonora que alterna las composiciones de Pedropiedra con canciones que acentúan la atmósfera de algunas escenas, como la evocadora placidez que transmite la bella y muy clásica "Two for the Road", de Henry Mancini, de la película homónima de Stanley Donen.