Psicóloga que deja de ejercer para dedicarse a la escritura, no sin antes hacerse cargo de una última paciente con la que se involucrará demasiado, complicándose la vida. No cuesta mucho imaginar el thriller que, en los años noventa del siglo pasado, cualquier audaz director hubiera sacado de esta premisa argumental. Pero el tiempo ha pasado y la directora, Justine Triet parece ir por otros cauces. Que no son otros que los del drama personal con traumas pasados por resolver. La película gira en torno al personaje de Sibyl, Triet toma su punto de vista, se adentra en su mente y nos transmite sus miedos y obsesiones, en un notable trabajo de la actriz Virginie Efira apoyada por una Adèle Exarchopoulos, que aunque un pelín sobreactuada, sigue siendo, como demostró en “La vida de Adèle”, una de las actrices actuales que mejor llora en pantalla. El problema es que, con esto, la narrativa de Triet tiende a ser caótica, con constantes idas y venidas, sacudida por las emociones que experimenta su protagonista, lo que no facilita la comprensión del espectador en ningún momento. Ello, y la poca fuerza de los personajes secundarios, unido al número de subtramas que derivan del núcleo principal y que quedan en meros apuntes, hacen que “El reflejo de Sybil” acabe resultando una propuesta irregular, de cierto aire atemporal y acabado insatisfactorio.

Lo mejor: las lágrimas de Adèle.

Lo peor: la sensación de poca cohesión de todo el conjunto.

No anda mal encaminada la gente que compara esta película con los episodios de aquella serie llamada “La huella del crimen”. Ambas comparten la esencia de narrar historias escabrosas con una naturalidad que pone la carne de gallina. En el caso que nos ocupa estos hechos podrían haber sido perfectamente reales, lo cual le da a la historia una dimensión todavía más espeluznante. Lejos de la espectacularidad pero poca credibilidad de los thrillers que nos llegan de Hollywood, Fernando Coimbra enfoca su película con un tono realista que la acerca al cine europeo, en especial al francés (¿soy el único al que la frialdad del personaje de Rosa a la hora de ejecutar su plan le recordó al que hacía gala Jeanne Moreau en su personaje de “La novia vestía de negro” de Truffaut?) y construye una historia morbosa y malsana en la que nadie parece ser quien en principio aparenta. Poco a poco, y a través de las declaraciones de los implicados vamos descubriendo su verdadera cara y asistimos a un baile de personalidades inestables donde la locura no tarda en hacer su aparición. Y es ahí donde brilla con luz propia el personaje de Rosa, perturbadoramente interpretado por Leandra Leal, esa loba de apariencia inofensiva que una vez atrapada su presa no dejará que esta se escape de sus garras sin llegar a las últimas consecuencias, dejándonos al mismo tiempo un buen puñado de las secuencias de pareja más intensas que nos ha dado el cine últimamente.

Lo mejor: lo terriblemente natural que resulta toda la historia.

Lo peor: la atracción inicial entre los dos protagonistas parece algo inverosímil.

La frenética e incesante producción cinematográfica de Woody Allen ofrece, por fuerza, muchos títulos menores. Películas de ver y olvidar que aumentan el grueso de su filmografía pero no así su prestigio. La parte buena es que, también, de vez en cuando el maestro de Brooklyn acierta en el blanco, y nos regala una de aquellas delicias en forma de film que te reconcilian con el cine. Este es el caso que nos ocupa, una “Wonder wheel” que contando con todas las constantes de sus películas, refuerza y engrandece un estilo propio que ya es marca de fábrica en la industria de Hollywood.

Lo destacable, en todo caso, es como Allen sabe tejer una gran historia, de tintes trágicos, partiendo de unas sencillas premisas. Y sobre todo como es capaz de dibujar unos personajes que superan al propio film. Porque, básicamente, esta es una película de personajes. Pero qué personajes! Cuatro espléndidos roles que merecerían cada uno de ellos su propia película, y a los que cuatro fantásticos actores les dan voz y alma, cuerpo y sentido. Nunca han estado mejor Belushi y Timberlake, Temple es una agradable sorpresa, y Winslet... qué decir de ella que no se haya dicho ya? Otra lección de interpretación, otra clase magistral de la indiscutible reina del cine de nuestro tiempo.

Un Allen de los más inspirado, de aire teatral, iluminado, en todos los sentidos, por la fotografía de Vittorio Storaro (hay planos que son auténticas postales), altamente recomendable. Un goce para ver y escuchar, que hace bueno aquello de que quien tuvo, retuvo.

Lo mejor: el cuarteto protagonista, con especial mención para Kate Winslet.

Lo peor: el personaje de Richie no encaja demasiado bien.

Las películas basadas en reuniones de amigos, preferentemente en períodos vacacionales, deberían empezar a formar parte ya de un género propio en el cine francés. La más reciente en llegar a nuestras pantallas, esta “Barbacoa de amigos” coge el testigo de otras como “Pequeñas mentiras sin importancia” o “El Skylab” de temática parecida y como ellas hace de la naturalidad y las cosas cotidianas el motor para servir un relato amable que se ve con una sonrisa permanente sin que uno pueda resistirse a la vez a sentirse identificado con alguna de las situaciones que viven los personajes. Unos personajes muy bien dibujados en los que vemos representados los vicios y las virtudes de una generación que tras alcanzar la madurez parece plantearse si el modo en que han vivido hasta ahora es el más correcto para alcanzar la felicidad. Todo ello haciendo de la amistad un coto cerrado en el que la sinceridad total se vuelve liberación y problema al mismo tiempo. Éric Lavaine opta en todo momento por la comedia para retratar cada uno de los encuentros de su grupo de personajes, sin que ello impida que en el film aparezcan cuestiones de mayor o menor profundidad como la lealtad o la infidelidad. El mérito de Lavaine es que no deja que ello tiña en ningún momento el carácter optimista de una película que transpira buen rollo por cada uno de sus poros.

Lo mejor: la fórmula amigos-vacaciones, perfectamente plasmada en las imágenes.

Lo peor: un final algo postizo.

Aunque últimamente decir cine mexicano equivale a referirse a directores como Alejandro González Iñárritu, Guillermo del Toro o Alfonso Cuarón, que han dado además de merecido prestigio un nuevo aire a la cinematografía de este país, no hay que olvidar que el país centroamericano ha cultivado desde siempre el género del drama amoroso visto desde una óptica muy particular. Roberto Sneider parece querer recuperar ese viejo estilo con “Arráncame la vida”, melodrama a medio camino entre el culebrón y el fresco histórico, que funciona gracias a la excelente ambientación y el buen trabajo de su pareja protagonista, pero que deja un sabor agridulce en parte porque la parte más política de la historia queda poco clara y narrativamente hablando más atropellada.

Asistimos pues al proceso de crecimiento de una mujer que va perdiendo la ingenuidad a la vez que adquiriendo consciencia tanto política como personal. En definitiva a la madurez, sobre todo mental, de una persona que paralelamente experimenta en primera línea los cambios que van transformando su país. Observada la situación siempre desde su punto de vista, en el carácter insumiso del personaje de Catalina encontramos lo mejor del film. De su mano vamos asistiendo al juego de traiciones, falsedades y corrupción en el que a Catalina no le queda más remedio que endurecerse para sobrevivir en un mundo dominado por el machismo más recalcitrante. Lástima que ese énfasis que pone Sneider en dibujar el lado más sentimental de su película le haya impedido precisar con mayor acierto su vertiente más social y política, pues con un poco más de pedagogía y algo de poesía, “Arráncame la vida” se podía haber convertido en uno de los melodramas más sólidos y atractivos de la temporada.

Lo mejor: el personaje de Catalina.

Lo peor: la parte política.