Cuando me preguntan por mi género favorito siempre digo que no tengo ninguno predilecto. Tampoco le hago ascos a ninguno, ni a la comedia por infravalorada que esté. En cambio, sí que considero que hay uno con un potencial especial, no voy a decir superior, pero sí el más interesante. Hablo del cine de terror, cuyo medio -el miedo- no solo sirve para horrorizarnos, sino también para transmitirnos mensajes e historias. Como cualquier otro género desde luego, pero por desgracia nunca se ha sacado suficiente provecho. Las películas de terror buscan el susto (que no el miedo) y crear monstruos con el peor aspecto posible. Cuando dan importancia a la narrativa, se centran en pobres giros argumentales y poco más. Lo triste es el vacío hacia el género, relegado a producciones más comerciales que solo ofrecen carruseles de tópicos, quedando en el olvido las posibilidades de una buena película de terror. Por suerte siempre hay, o hubo, quien quiso probar la experiencia, explorar los mecanismos del género. Ese alguien fue Stanley Kubrick, quien a pesar de su corta filmografía, no cesó en su empeño de experimentar con cualquier género.

Jack Torrance viaja con su mujer e hijo al hotel Overlook de Colorado, para ocuparse del mantenimiento de las instalaciones durante el cierre invernal. Se dedica también a ocuparse de su novela, gracias a la tranquilidad que le ofrece el hotel cerrado y la única compañía de su familia. Pero entonces llega la noche, se apagan las luces y suceden cosas paranorm… No, espera. Aquí no se apagan las luces, ni los personajes caminan por un pasillo a oscuras a la espera de un susto que nos levante de la butaca. El escenario permanece constantemente iluminado, incluso muchas escenas se desarrollan por el día. Kubrick comienza mostrándote rutinas de los personajes, para ir a poco a poco alterando esas acciones cotidianas con sucesos paranormales. Algunos tan sutiles como diseñar decorados imposibles a imágenes más explícitas como enseñar a gente que no debería estar allí. Pero incluso en las escenas más directas, Kubrick no recurre al susto fácil. Normaliza la aparición del fantasma, de esa persona que había estado en el hotel hace décadas. Nada sale por sorpresa de armarios, ni hay efectos sonoros estridentes que corten la acción.

El Resplandor es una película que nos hace sentir vulnerables. Sabemos que algo ocurre. Kubrick juega sabiamente con ello, puede que no demos ni un solo sobresalto, pero la tensión es constante. La clásica perfección del director no solo está presente en la elección de los planos, en la fotografía o el montaje: también en cómo presentar la historia y los personajes. Al inicio se insiste en la naturalidad, en acciones mundanas del día a día, para provocar un mayor contraste con la trama surrealista que posteriormente se desarrolla. Intentamos empatizar con Jack, porque él es el protagonista, el héroe que desvelará los misterios del hotel y quien sufre, al igual que nosotros, el terror del hotel. Pero después él también forma parte de esa locura, haciéndonos sentir completamente indefensos. Este punto es clave, porque es una sensación que muchas películas persiguen. El terror psicológico incide en ponernos en la piel de un protagonista cada vez más aislado, oprimido, vives su lucha como la tuya y sufres con él. Aquí no, encarnamos a Jack Torrance, contemplamos horrorizados los primeros fenómenos paranormales, investigamos con él qué demonios está ocurriendo en ese hotel y… cuando nos queremos dar cuenta, es él quien de verdad nos produce el miedo y nos encontramos solos.

Kubrick era conocido por su perfeccionismo, por cuidar hasta el más mínimo detalle de un plano. Su metodología de trabajo hace pensar que es imposible que dejase al azar múltiples errores de raccord o de que la televisión de la habitación funcione sin cables. La máquina de escribir de Jack cambia de color de una escena a otra y la alfombra de los pasillos es diferente al hacer contraplanos. Todo esto está muy bien y ayudan a construir el surrealismo del hotel. Pero, ¿y qué hay del mensaje? ¿Qué quería contar Kubrick en esta película?

Precisamente el hermetismo de la película, sus nulas explicaciones acerca de lo que sucede -ni siquiera el final se detiene a arrojar algún tipo de detalle o resolución sobre lo sucedido, más bien muestra más misterios- contribuyen a hacer de El resplandor una cinta misteriosa, esotérica y sobre todo, terrorífica. Porque esa sensación de vulnerabilidad se consigue ocultando en lugar de enseñar, generando nuevos enigmas en lugar de ofrecer respuestas. Incluso el significado de sus símbolos, de su mensaje, está oculto, a la espera de que los espectadores desarrollen sus propias teorías. El documental Room 237 funciona como un capítulo de Cuarto Milenio en el que se destripa un mito de terror, derivando es más suspense y miedo. Allí, críticos, historiadores y escritores relacionan las imágenes de El Resplandor con el Holocausto, el genocidio indio de los americanos e incluso la divertida teoría de que Stanley Kubrick rodó el montaje de la llegada del hombre a la luna.

El Resplandor es una gran película que sacude los cimientos de su género y consigue atraparnos de mil formas diferentes. Kubrick no quiso limitarse a contar una historieta de fantasmas por mucho que a Stephen King le doliese, sino construir una pesadilla irrepetible y explorar los medios del cine para conseguirlo.

Algunos resumen el cine de Sofia Coppola en historias sobre pijos que se aburren. A grandes rasgos, es cierto que las películas que dirige la hijísima no escapan de ese concepto. Es cosa de cada uno interesarse (o no) por las vidas vacuas de esos personajes de clase alta, en unos filmes donde ni se alaba ese estilo de vida ni se llega al extremo de regocijarse en la moralina fácil de "el dinero no es lo importante".

"The Bling Ring" muestra cómo un grupo de jóvenes en L.A. se dedicaron a entrar en casas de celebrities como Paris Hilton, Orlando Bloom o Rachel Bilson, para robar todo tipo de objetos de lujo. El valor de sus robos ascendió a más 3 millones de dólares. Coppola se basa en esta historia basada en hechos reales para ofrecer su particular retrato de la juventud actual.

Los personajes viven atrapados en un mundo de apariencias, donde la imagen prima sobre todo lo demás. Hacerse fotos y subirlas al Facebook se convierte en un elemento imprescindible, se busca conocer gente para tener más amigos en las redes sociales, no para socializar. Su mayor preocupación es elegir qué ponerse, en una desesperada búsqueda no sólo de la aceptación de la gente, sino que además te idolatren. Las celebridades de Hollywood y del mundo de la moda se convierten en Dioses a seguir, son un ejemplo de vida, una religión. La película no desarrolla a los personajes, son planos e incluso no nos resultarán carismáticos. La intención es clara: no se puede profundizar en una generación de jóvenes que se revuelca en la vacuidad.

Los protagonistas pertenecen a familias acomodadas, de clase alta incluso. Nunca les falta de nada. ¿Qué les lleva a robar? El anhelo por las apariencias se convierte en obsesión: no les basta con lucir sus posesiones y sus fotos en las redes sociales, desean pertenecer al mundo de las personas a quienes idolatran, quieren entrar en esa élite. Dedican su tiempo a hablar de vestidos que jamás van a poder llevar, de esas personas que en el fondo son como cualquiera de nosotros, pero la magia de la industria nos lleva a pensar justo lo contrario. El capitalismo nos vende que seremos como Nicole Kidman por comprar Chanel nº5, pero nuestros protagonistas van más allá: soy como Miranda Kerr porque llevo puestas sus joyas y sus zapatos. Han cruzado la línea, ahora llevan esos vestidos inalcanzables y se creen los más listos por ello.

Nunca piensan en las consecuencias. Son detenidos por conducir ebrios y drogados pero gracias a la sobreprotección de los padres no ocurre nada y por supuesto, ni hay escarmiento ni reflexión. Los robos salen a la luz y la primera reacción es sonreír ante el considerable aumento de la popularidad, que se traduce en cientos de solicitudes de amistad en Facebook.

El guión peca de repetitivo y sus personajes planos no ayudan a la hora de buscar trascendencia en su argumento, pero al igual que ocurría con "Spring Breakers", se trata de una historia vacía que habla sobre una juventud vacía.

Drama romántico que tiene como protagonista a Leonard (Joaquin Phoenix), un joven -que supera la treintena- psicológicamente inestable, afectado por el fracaso de su relación con su ex-prometida. Cuando llega un punto en el que se codea con el suicidio, aparecen en su vida dos mujeres: Sandra (Vinessa Shaw), hija de un socio de su padre, y Michelle (Gwyneth Paltrow), una misteriosa vecina de la que Leonard se enamora de inmediato.

Nuestro protagonista se ve inmerso en un dilema amoroso. Sandra es una chica buena y guapa que desea formar una familia, los padres de ambos están deseando verles juntos y el padre de ella le ofrece a Leonard un trabajo estable de por vida. La relación con Sandra le "solucionaría" la vida y pondría fin a su crisis sentimental. Un golpe de suerte que significa estabilidad en la vida de un joven que hasta ahora pecaba de desequilibrado. Por otro lado, Leonard está perdidamente enamorado de Michelle, desvía toda su atención hacia ella y está dispuesto a echar todo lo demás por la borda.

En el film de James Gray se comprueba que por amor nos desentendemos de cualquier actitud o comportamiento lógico y racional. No importa cuanto hayamos sufrido anteriormente, si se presenta una nueva oportunidad ahí vamos a estar otra vez, como Leonard, haciendo "tonterías", algunas pequeñas, otras más grandes.

Las interpretaciones son magníficas (destacando a un inmenso Joaquin Phoenix), con unas miradas y gestos llenos de significado. Se trata de una película más sugerente de lo que parece, que en contra de lo que teníamos previsto, nos deja desolados y melancólicos en lugar de sacarnos la lágrima fácil.

Y cuando esto sucede, es que la película está bien hecha.

Bruno Davert (José García) es un alto ejecutivo que tiene un buen trabajo en una fábrica de papel. Está casado, tiene 40 años y dos hijos. Un día, la empresa sufre una deslocalización y una reestructuración que provocan su despido y el de cientos de compañeros suyos. La indemnización le permite afrontar el problema con optimismo. Además, espera encontrar trabajo pronto debido a su buen currículum. Sin embargo, tres años después sigue en paro, incapaz de encontrar un puesto laboral de su agrado. Fruto de la desesperación. Bruno decide tomar medidas drásticas con tal de conseguir el trabajo con el que sueña.

Constantin Costa-Gravas critica en "Arcadia" el sistema financiero actual. Una denuncia de los defectos del capitalismo. Para ello, el director griego se sirve de este thriller-drama social con toques de humor negro. El film muestra la bases de nuestra economía: conseguir beneficios sin importar la ética y la competitividad. Las empresas se van a otros países donde producir es más barato y los salarios son más bajos, provocando paro en los países más desarrollados (en este caso, Francia). Mientras, los trabajadores compiten entre ellos para encontrar un puesto laboral, ser el mejor en ello y ascender en la empresa.

¿Es buena tanta competitividad en nuestro sistema financiero? "Arcadia" dice claramente no. En una escena, Bruno dice "El trabajo es mi vida". Le ha obsesionado tanto que una vez está en paro, su vida deja de tener sentido, no se habla con su familia ni con sus amigos. Se ha convertido en un ser antisocial. Lo único que tiene en mente es conseguir trabajar en Arcadia, una empresa que pertenece a su sector (la industria del papel). Sus obstáculos son otros altos ejecutivos en paro con iguales o mejores curriculums que el suyo. El modo de quitárselos de encima implica en Bruno una pérdida de principios y valores humanos, características de la sociedad capitalista.

Hoy en día, es más feliz el que más tiene. "Antes cambiaba de coche cada 2 años, ahora llevo con este 4" dice Bruno, señalando lo desgraciado que se siente en ese momento. La única manera de sentirse bien es conseguir el trabajo que ansía. Poco le importa sus encuentros con los personajes secundarios, como el camarero, que se muestra positivo aunque haya pasado de trabajar en una empresa como la de Bruno a un bar.

A pesar de que la película consiga arrancar más de una carcajada, la crítica ácida que realiza Costa-Gravas no es para tomársela en broma. "Arcadia" resulta muy interesante y más en estos tiempos de crisis.

"Ichi the killer" puede presumir de ser la única película que me ha provocado ganas de mirar hacia otro lado o de apagar el ordenador del asco que me da determinada escena. La gente no exagera cuando habla de ella...

El problema que veo en esta película es que sus escenas violentas (principal motivo de su fama) a veces parecen tomarse en serio y otras en broma. Con algunas me he reído bastante. Otras me han dado mucha grima y lo peor -o lo mejor- es que no tienen ningún sentido. Y es que Takashi Miike no busca hacer una cinta coherente. Probablemente sea la película más macabra que he visto.

Otro defecto es su historia: tampoco es que sea muy mala, simplemente me provoca indiferencia y me aburre. El film podría durar menos.

Ahora bien, ¿la recomiendo? Sí, a todo el mundo. Es de esas películas... "curiosas" que tienes que ver, sin importar lo poco que te guste.