Pese al contagioso, alegre y vivaz número musical del inicio, y aunque tiene toques de ternura y simpatía, por sobre todo se trata de un drama centrado en las sucesivas desventuras de una familia, reflejando una dura realidad social que lamentablemente no ha cambiado mucho a lo largo de más de seis décadas. Premiada en el Festival de Cannes y realizada pocos años después de la independencia de la India, algunas de sus escenas callejeras son un buen registro histórico de la Calcuta de los años 50. Es evidente en su temática, personajes y situaciones la influencia del neorrealismo italiano, aunque el tono es más recargado y con menos sutilezas, en especial en su último tercio, cuando las cosas parecen ir de mal en peor, aunque afortunadamente la salvan las buenas actuaciones, y es imposible que el espectador no esté del lado de esta atribulada familia.

A una década de su debut en el largometraje y definitivamente instalado en las grandes ligas del cine internacional, el realizador chileno Pablo Larraín tuvo un 2016 particularmente agitado, marcado por su regreso a dos de los festivales más importantes del mundo: volvió a la competencia oficial en Venecia -donde ya estuvo en 2010 con "Post Mortem"- con la premiere mundial de su primer film en inglés, "Jackie", con Natalie Portman interpretando a la célebre Jacqueline Kennedy. Y unos meses antes regresó por tercera vez a la Quincena de Realizadores -donde ya estuvo con "Tony Manero" y "No"- con otra ficción basada en un emblemático personaje real, este "Neruda".

Esta producción se inspira en un episodio clave en la vida y obra del vate chileno: la persecución política que sufrió en 1948 cuando siendo senador se pronunció públicamente en contra del presidente González Videla, y debió esconderse clandestinamente en diversos lugares del país, en un periplo que terminaría inspirándolo para escribir una de sus obras más reconocidas, el "Canto General". Pero en la propuesta de Larraín, esa es sólo la premisa inicial, ya que la trama gira tanto en torno al poeta y su fuga, como en Óscar Peluchonneau, el muy particular policía que se obsesiona con capturarlo.

Entre los mayores aciertos de la película es sin duda fundamental el guión de quien es considerado como uno de los autores más importantes de la escena chilena en las últimas décadas, el dramaturgo Guillermo Calderón, quien ya colaborara con Larraín en "El club". La historia se desenvuelve a través de distintas capas que permiten abordarla desde diversos ámbitos que se complementan entre sí. Hay que entender que más que una crónica pormenorizada de lo que pasó, es una interpretación sobre hechos reales que funcionan sólo como punto de partida para una historia que entremezcla realidad, ficción e imaginario de manera inspirada y lúcida. En este ámbito, además de la espléndida y muy lograda ambientación de época -que no se siente como simples decorados en pos del lucimiento visual, sino real y palpable-, una vez más destaca particularmente la fotografía de Sergio Armstrong, quien acompaña a Larraín en sus películas desde "Tony Manero" y en este caso aporta aún más a la atmósfera de ensueño, como enrarecida e irreal, que adquieren incluso secuencias muy cotidianas. En la construcción de esa atmósfera también es muy importante el uso de la música en la sugestiva banda sonora, donde tienen recurrente presencia melodías desde autores como Grieg e Ives, hasta compositores aún vivos y vigentes como Penderecki y Bryars.

Una vez más también resalta acá una de las grandes cualidades del realizador: su habilidad como director de actores, lo que es aún más notorio en esta producción, que convoca a buena parte de las figuras más reconocidas del medio chileno -con el bienvenido aporte de rostros internacionales como Gael García Bernal y Mercedes Morán-, todos en excelentes desempeños no sólo en roles protagónicos, sino además en fugaces interpretaciones secundarias, algunas incluso tan contundentes a pesar de su brevedad, como la aparición de la actriz Amparo Noguera. Llena de pequeños detalles de observación y frecuentes matices de humor, atreviéndose a humanizar y bajar del pedestal al poeta en más de un sentido, la indagación de "Neruda" en las fronteras entre la imagen pública y privada de alguien tan rodeado de una aureola de mito como él, es tan atractiva y compleja como su mirada a las contradicciones y paradojas de la sociedad chilena, y su exploración en los recursos narrativos que a menudo tergiversan y reinterpretan la propia verdad histórica. En muchos aspectos, este trabajo bien puede ser más redondo y fascinante que "El club", y conforma uno de los filmes más valiosos de la ascendente trayectoria de su director.

Este documental es el primer largometraje de Nicolás Guzmán, joven director de menos de 30 años, y transcurre en la capital de Chile, Santiago. Se centra en cuatro adolescentes que están a punto de terminar la enseñanza básica (primaria) y deben tomar importantes decisiones sobre su futuro, cuando aún tienen muchas dudas internas sobre lo que realmente quieren para sus vidas. El documental sigue a sus protagonistas en su cotidianidad escolar durante un año, pero además en los otros ámbitos de su rutina diaria, así como escruta los lazos de amistad y con sus familias. A pesar de su breve duración -sólo se extiende por una hora-, tiene muchos méritos, y no es exagerado considerarlo como uno de los mejores retratos juveniles en la cinematografía chilena de las últimas décadas; con sensibilidad y buen manejo del tiempo, es una mirada entrañable y que consigue capturar la naturalidad y espontaneidad de sus personajes, así como el entorno urbano en el que se desenvuelven.

En estos tiempos en los que en Chile la educación se evalúa y debate en la sociedad a nivel nacional, la reflexión de "Si escuchas atentamente" podría ser más confrontacional u optar por la denuncia directa, pero por el contrario se valora su opción por concentrarse en un enfoque más íntimo al entrecruzar las imágenes con las voces de sus protagonistas, no sólo dejando al descubierto los vacíos en lo escolar y vocacional, sino además el sentir de los jóvenes, sus dudas, temores y sueños, así como las carencias y ausencias familiares. La ternura, la nostalgia y hasta el humor hacen que esta apuesta se sienta tan reveladora y fresca, como real y vigente.

Un clásico ineludible en la cinematografía chilena, de lo mejor de su director, para muchos el más importante maestro surgido del cine de ese país. Es una contundente mirada sobre la sociedad chilena, en particular sobre la realidad de la capital, Santiago, y sus habitantes como reflejo de un país. Inspirada en la obra de teatro homónima de Alejandro Sieveking, se centra en el errático deambular de sus cuatro personajes principales por diversos sectores de la ciudad y se siente como un memorable fresco de esos años, al mostrar tanto las convenciones sociales y diferencias de clase como los divertidos excesos de la vida nocturna y la juerga permanente; y es necesario elogiar lo bien capturado que está el ritmo de las conversaciones, esos diálogos tan ricos y agudos, incluso aquellos que en apariencia no revisten la menor importancia.

La forma en que esta estructurada la historia en "Tres tristes tigres", su cadencia, va en paralelo a la forma de ser de sus personajes, en su mezcla de patetismo y humor absurdo, en el impagable marco de un Santiago que en apariencia ya no existe, pero a la vez cuya esencia se conserva porfiadamente hoy mas allá de los muchos edificios ya derrumbados, locales cerrados y barrios modificados. El film es definitivamente una joya que nadie interesado en el cine chileno debería dejar de ver.

Este exitoso debut como cineasta del guionista Edoardo Maria Falcone, quien por este film obtuvo dos de los premios más importantes del cine italiano como mejor nuevo director -el David di Donatello y el Nastro d'Argento- es uno de los ejemplos más recientes de los habituales intentos por mantener viva la valiosa tradición de la comedia fílmica en ese país, en este caso con la historia de Tommaso, un prestigioso y estricto cardiólogo cuya vida y la de su familia se ve alterada cuando su hijo les anuncia que dejará sus estudios de medicina para hacerse sacerdote. Es inevitable advertir que el desarrollo de personajes y situaciones de la película es muy básico y se basa en arquetipos simplistas y sin relieve, pero el resultado se las arregla para entretener, cuenta con buenos actores y tiene un ritmo ágil y dinámico, en especial con la manera en que despliega sus diálogos y las cáusticas frases del protagonista.