“Crímenes de familia” es un muy buen título. La cinta es un drama familiar envuelto en la estructura de un drama judicial, este último situado en un tribunal, cuyos juicios van aportando la información justa en los momentos precisos, como corresponde a una intriga bien planteada. La historia en realidad esconde una doble intriga: tanto la protagonista (Alicia) como el espectador desconocen los eventos sucedidos.

El guion funciona como reloj acompañado de algunos planos muy bien logrados que ahorran metraje y explicaciones. Cecilia Roth nos hace sentir el sufrimiento de una madre, centro gravitacional de varias familias: de su matrimonio con Ignacio; de la crianza del hijo de la empleada doméstica; y hacia el final se acercará a otro núcleo familiar.

Alicia e Ignacio habitan un lujoso departamento en Recoleta (Buenos Aires) y en ese espacio frío y silencioso se ocultan verdades que todos parecen callar. Las notas de piano, con mucho espacio entre ellas, aportan cierta irrealidad a esa vida de clase alta de dos adultos que dejaron de ser cómplices con el pasar de los años.

La maternidad es abordada en múltiples aristas, algunas morales y otras judiciales, más bien penales, pero en todo momento Alicia se hace cargo de las consecuencias de los actos de las personas a su alrededor: sea del hijo drogadicto (Daniel) o de la empleada y su hijo.

El gran mérito de Sebastián Schindel es sacarle lustre al título (Crímenes de familia), pero no por el recurso del género judicial, sino enfocándose en filmar (principalmente fuera de campo) las carencias de la primera infancia para Daniel (hijo de Alicia), las carencias de Gladys (la empleada), e insinúa un futuro aciago para Martín (hijo de Daniel) y para Santiago (hijo de Gladys), ambos por no tener padres presentes durante su primera etapa de vida. En resumen, el director nos presentará dos crímenes que suceden dentro del seno familiar de un matrimonio destruido, pero Schindel está más interesado en los crímenes originales: la ausencia de los padres o el abuso de éstos, dándole a estos comportamientos un carácter criminal que la sociedad y la justicia no pueden resolver, ya sea porque en la clase alta se dejan pasar las cosas incómodas, o bien por la incompetencia de los funcionarios judiciales.

El amor filial no es el tema visible a primera vista, pero es el pilar que explica este drama familiar, sin caer en el melodrama, en eso es cuidadoso el director.

La película sanciona el abuso contra la mujer y para eso se vale de personajes masculinos débiles y maltratadores, lo cual podría ser algo manipulador, pero las fallas en la crianza de éstos, esos vacíos abismales, están tan bien resueltos por el guion que al espectador deja de importarle ese detalle.

Queda en el aire la sensación de que las leyes son un remedo de la justicia, que sólo las personas pueden hacer justicia (dentro o fuera del marco legal) y de que las leyes se ensañan especialmente con los más desposeídos.

El tema de la lucha de clases ronda todo el metraje, no sólo la confrontación entre el hijo del hacendado y el hijo de un antiguo capataz, sino también la lucha entre la Naturaleza y el Hombre, todo pendiendo de una cuerda floja donde se balancean los protagonistas de un triángulo amoroso.

Las imágenes de caza entrelazan el relato y va enredando al espectador en cuanto a discernir quién está cazando a quién.

La ley y la justicia en este ambiente no tiene cabida, sino que refleja una historia que proviene desde los tiempos de fundación de la provincia.

La película da cuenta de un western latinoamericano muy bien logrado, con bemoles diferentes al viejo Oeste, aunque también existe un forajido dueño del pueblo y una suerte de alguacil de la Naturaleza. El desierto ha sido cambiado por el bosque, pero aun así rige la ley de la selva.

La ópera prima de esta cineasta española resulta un verdadero bálsamo de ternura y optimismo, los personajes cautivan, pero jamás dejan de ser verosímiles sus conflictos ni las costumbres gitanas que con tanto esmero va develando la directora.

Laboran en una feria de verduras y no tienen un pasar atribulado, tampoco uno boyante. Representan a comunidades aledañas del extrarradio de Madrid y manifiestan un exacerbado orden machista donde la mujer es relegada a labores domésticas. Para ellos la educación escolar conlleva ideas extravagantes que se contraponen al mandato social de las mujeres: criar hijos. La noción de que puedan abrigar algún sueño artístico o profesional simplemente no es tema para estas familias. Encontrar marido para sus hijas será una misión primordial y las madres serán las encargadas de hacer perdurar el orden patriarcal.

Las dos protagonistas están muy bien interpretadas por dos actrices no profesionales que irradian frescura en la pantalla, además de compartir una complicidad sincera: la química de ellas nos recuerda a «La vida de Adele» (Kechiche), pero esta película no pretende ser tan dramática, sino más bien, la historia de dos adolescentes en un entorno adverso. Tampoco dramatiza con la postura de los padres, a los que la directora sitúa como estereotipos (voluntades que son pasadas por alto de cara al desenlace).

El final recuerda a «Los 400 golpes», pero esta vez son dos enamoradas que buscan la libertad en las olas del mar.

Rescatar el enfoque de la directora en cuanto a que la educación (tema central de la cinta de Truffaut) es una herramienta que libra a los jóvenes de las garras de la ignorancia y la religión, que para Arantxa Echevarria son prácticamente lo mismo. Su postura es optimista y muy luminosa (a diferencia del director galo) y le imprime profundidad a esta especie de cuento de hadas.

No es una gran película, al inicio muestra el paseo turístico de cinco estadounidenses por los nuevos parajes de Vietnam, donde el ideario negro pasa a segundo plano y pareciera ser más importante la cuestión del “America First”. El comienzo genera una confusión real en el espectador y vemos a los protagonistas igualmente viejos tanto en las escenas de guerra, décadas atrás, como en la búsqueda del tesoro en el tiempo presente. Habría que indagar en la mente de Spike Lee para entender todo el desconcierto. Mi interpretación es que la lucha de los negros por su libertad ha sido un camino sinuoso, donde muchas veces han ocurrido retrocesos para alcanzar objetivos.

El mensaje del film alcanza ribetes muy extraños cuando uno de los “sangres” estalla al pisar una mina terrestre. Justo el hermano idealista que quiere donar el oro a la causa negra, salta por los aires hecho pedazos, acaso Spike Lee nos quiso decir que no basta con buenas intenciones para ganar esta lucha que no acaba nunca. Toda la travesía por la selva (parece un bosque) es un disparate y van muriendo algunos de los “sangres”. Los “cinco sangres” constituían un pelotón unido con la única misión de volver a casa, su unión era el valor más importante. Mientras atraviesan el “bosque” van siendo separados por la codicia, principalmente de Paul.

El movimiento “Black Lives Matter” ha resurgido en un Estados Unidos gobernado por un Presidente egoísta (America First). Spike Lee se sincera y no cree que los negros se vayan a unir en esta causa, le parece que libran escarceos sin importancia. Supongo que el director insiste en que la lucha por derechos de los negros se está perdiendo, que la guerra jamás va a acabar.

En todo este collage, los altruistas (los anti-Trump) son los que al final triunfan, un cúmulo de causas aparentemente perdidas constituyen la lucha que hay que abordar cada día y donde el amor sin distingo de color ni nacionalidad (esta es la parte más ñoña del film) se va a imponer en un país gobernado por hombres despreciables que enviaron a sus propios ciudadanos a luchar en guerras inútiles

Después de visionar “Cinco Sangres”, queda claro que nada se ha avanzado contra el racismo en Estados Unidos, la muerte de George Floyd no es más que un ícono, nunca será un movimiento real por encontrarse como pueblo. Lo que lamentablemente queda más claro, es que los estadounidenses se consideran a sí mismos unos eternos turistas con derecho a imponer sus términos en cualquier territorio extranjero que se les ponga por delante. Esa parece ser la “real sangre” de sus ciudadanos.

Película errática, pero dentro de su imperfección hay que buscar esas verdades ocultas y sumamente incómodas.

Más de dos horas a bordo de un U-Boot (submarino) durante la Segunda Guerra Mundial es la experiencia que nos propone el director. Un compendio de una travesía de varias semanas en las aguas del Océano Atlántico, donde un grupo de marinos alemanes se enfrentan a las superiores fuerzas de los destructores británicos. Recordemos que en esa época se introdujo la tecnología de los radares, por lo que los antes invencibles U-Boot, se convirtieron en presa fácil ante los ataques con cargas submarinas.

La película no sólo tiene escenas bélicas, sino que retrata los largos y agobiantes días sin acción a que son sometidos estos personajes. Al interior del U-Boot no usaban uniformes y en la visión del director tampoco se trataba de un grupo de fanáticos tras el mando de Hitler. Probablemente es la visión personal del director, puesto que se decía en la época que estos marinos eran incondicionales del dictador alemán. En la cinta incluso escuchan discos de música americana y no responden al saludo protocolar característico de los nazis, aunque es probable que esa postura sirviera para apoyar el carácter antibelicista de la historia.

Sin duda retrata a un grupo de valientes hombres que pasaban semanas hacinados en un espacio común reducido, donde los olores y la falta de privacidad eran evidentes. Los travellings de las literas, la cocina o la sala de máquinas efectivamente reflejan espacios claustrofóbicos y ante esa cotidianidad enfermiza algunos de ellos permanecían ansiosos por desplegarse en batalla.

La música de Klaus Doldinger retrata de manera notable la épica de la hazaña y el espectador sentirá una especie de liberación y alivio al ver que estos valientes marinos han logrado sobrevivir a una situación imposible.

Cinta construida mediante un montaje asfixiante, mantiene al espectador cautivo en sus dos horas y media de duración. Intercala escenas de bullicio con silencios sobrecogedores y propone planos panorámicos del horizonte que realzan la insignificancia del U-Boot navegando en medio de un océano que en cualquier momento los devorará.

Su mensaje antibelicista da cuenta de misiones de mínima importancia u otras abiertamente suicidas, que al parecer no van a inclinar la balanza de la guerra según confesión del propio capitán. Esa inutilidad es realzada en los minutos finales al mostrar el destino aciago luego de un ataque aéreo al puerto alemán.

Sin duda, esta película se inscribe entre las piezas importantes del cine bélico rodado durante el siglo XX.