Rodar como si fuera la última vez, eso parece que hace Trueba cuando elige estos personajes, con sus historias que para ellos son la vida entera, y esa luz con la que abre este documento (podríamos hablar de cine, pero también de documento).

En esta primera parte nos muestra el lado más intelectual de los jóvenes, la manera que tienen de estar presentes. La democrática cámara de Trueba hace un reparto equitativo de las ideas, sobre diferentes cuestiones importantes, de los protagonistas. A su vez, se nos ofrecen pinceladas sobre los personas que nos acompañan ene este viaje.

Es una parte fundamental para sentir las otras dos (o el resto de la película, si se ve como una pieza única). Nos introduce en un tipo de cine que persigue la misma verdad y naturalidad que encontramos cuando bajamos a la calle.

Dentro de los capítulos en los que se ha dividido la película, aquí estamos ante la gran pieza. Aunque cada capítulo tenga su propia importancia y sea, en sí mismo, una pequeña película... aquí se palpa la nostalgia de un presente que se sabe pasado, como en "La felicidad" de Varda. Todo está rodado con esa épica (no confundir con la épica de las películas Marvel). La película va surgiendo sobre sus propias ideas y ahí se forma su identidad.

El espectador se siente único, pues parece que le están contando (a él y solo a él) más que una historia, un secreto: un amor, un viaje de fin de curso, las diferentes formas de sentir. Jonás Trueba nos deja asomarnos a unas vidas que pudieron ser las nuestras, los matices entre unas y otras son pequeños pero fundamentales. Hay una inmensa verdad en todo lo que vemos.

Nunca un fin de curso se mostró así, con todo lo que ello conlleva. A menudo, el cine mainstream muestra la cara del exceso de este tipo de viajes, pero no nos enseña lo que marca el comportamiento de esos jóvenes: esa etapa concreta y trascendental de su desarrollo psicoevolutivo. Más que la entrada en la edad adulta, Trueba filma, sobre todo, la despedida de la infancia. De ahí que nunca se hubiera rodado así.

¿Cómo es posible que aburra una película sobre uno de los mejores artistas de la historia? Probablemente por la simpleza con la que se retrata. Desde el comienzo se desdibuja su figura: solo se le ve cabreado, sucio y patológicamente ambicioso. No se muestran muchos más matices, la película se centra en esa parte pero no tanto en enseñarnos los motivos de su forma de ser, su pensamiento y su arte. Es cierto que se muestran escenas de su ingenio y buen hacer, pero no basta para una película que porta su nombra. El comportamiento que muestra los 10 primeros minutos de la película es el que repite durante el resto de metraje. Este defecto hace que, personalmente, no consiga ver la belleza que debiera en las imágenes que se nos muestra. Conclusión: es muy difícil hacer una película sobre un genio (y hay que saber mucho, de él y del cine, para hacerlo).

Cuando alguien no sepa lo que es dirigir o en qué consiste, debe ver "As Bestas". Una obra maestra desde el punto de vista de la dirección: todos los personajes son creíbles y tienen verosimilitud con la historia. Sorogoyen podría hacer una película sobre cualquier cosa, pero cuando, además el tema da pie a ir aumentando la tensión a cada frame, consigue que tengas los ojos abiertos aunque sean las 2 de la madrugada y estés cansado. Ese poder lo tienen pocos directores.

Sorogoyen saca lo mejor de cada actor, de cada escenario, de cada narración dentro de la narración principal. En "As Bestas" recurre a la España ancestral: la de Goya, pero también a la de "99.9" (Villaronga) o a la España Negra, que ya retratara Saura en "El 7º día". Hace poco lo vimos con otras películas como "Cerdita" y es que, quizás ese sea el principal leitmotiv de nuestro país (incluso por delante de la guerra civil), ya que se remonta a muchos años antes de esta contienda. Una profunda disección filosófica que parte de "miedo a lo de fuera" que desemboca en varias reflexiones que definen lo que es el amor, la valentía, la incultura...

Promocionada de manera errónea por una plataforma como el primer biopic de Munch. El primero fue dirigido por Peter Watkins y se estrenó en 1974. Además, el antiguo supera al presente. ¿Cómo es posible que la vida de alguien como Munch resulte por momentos soporífera debido al tono que emplea aquí el director (Dahlsbakken)? El acierto es el hecho de mostrarnos a Munch en diferentes épocas, no ya de su propia vida, sino respecto a la vida... llegamos a verlo en nuestra época actual, en Berlín. El director podría haber indagado más en Munch por ese lado, y no por el que finalmente se decanta: intentar resumir su vida, pensamiento y obra en hora y media. Esto último es demasiado pretencioso, por lo que se puede decir que la cinta no está a la altura de alguien tan importante como Munch. Lo más interesante hubiese sido elegir un fragmento de su vida y detallarlo con más profundidad. Los biopics de artistas a menudo intentan ser un resumen aburrido de lo que pone en Wikipedia y, aunque quizás aquí no sea exactamente así, sí notamos en el director una cierta prisa en contar todo, en acelerar el final, en sintetizar... y ese no es el problema. El problema es querer sintetizar abarcando todo. Es como hojear las páginas de un libro importante... sin llegar a leer ninguna página.