Esta semana llega a nuestras pantallas uno de esos estrenos tan frescos como superfluos, "Infierno bajo el agua", dirigida por el prolífico Alexandre Aja. Surgido en el seno de esa ola conocida como New French Extremity, es decir, aquel cine descrito como “un cruce entre decadencia sexual, violencia brutal y psicosis desconcertante”, que engloba a una serie de películas y cineastas franceses de principios del siglo XXI, Alexandre Aja se fue abriendo camino hacia la industria Hollywoodiense de terror independiente gracias, en parte, a una de las cumbres de ese extremismo francés: “Alta tensión” (2003).

Con una gran cantidad de ovaciones y premios en el Festival de Sitges, Aja se convirtió en un filón de oro, especialmente para aquellos productores que buscaban un carácter propio dentro del gore y el slasher, que tanto tiempo llevaban a la deriva. De este modo, fue reclutado para realizar varios remakes de clásicos setenteros como “Las colinas tienen ojos” (1977, Wes Craven) y “Piraña” (1978, Joe Dante).

“Las colinas tienen ojos” fue recibida entre halagos y críticas a partes iguales, demostrando la controversia que genera tener una personalidad marcada tras la cámara (que lleva al cielo a los que comparten simpatía con ella y a los infiernos a los que les horroriza). Aja demostró saber crear puestas en escena brutales y desagradables, mejorando visiblemente, en ciertos aspectos, a aquella serie B de Wes Craven, que se había llevado el título de culto, gracias a su novedad en los 70, pero que ha perdido fuelle con el paso del tiempo.

Del mismo modo, aquella comedia de terror que fue “Piraña”, parodia de películas como “Tiburón”, fue acogida por Aja como un elemento de puro disfrute, con el que entregó “Piraña 3D”, una película que ofrecía sexo y sangre a borbotones, para aquellos fans del desparrame cómico-festivo en pantalla. Un cine lejos de la calidad, pero que ofrecía exactamente lo que se esperaba de él. De este modo, Aja se hizo un nombre en el cine de terror moderno. Realizó otra serie de películas más sobrenaturales, pero siempre enmarcadas en este tono fantástico sitgesiano de su cine. Pero justo, estos dos remakes son, quizá, la muestra más cercana de su cine a la película que nos ocupa ahora: “Infierno bajo el agua”.

Alexandre Aja deja de lado la comedia, pero vuelve a meterse dentro del agua, para atraer hacia nosotros otro de esos animales salvajes que tanta sangre ha generado en el cine. Hablamos de los cocodrilos. Del mismo modo que podemos hablar de una cumbre del cine de tiburones, con esa excelente obra de Steven Spielberg, los cocodrilos no habían corrido la misma suerte, hasta ahora. Tobe Hooper lo intentó por partida doble con “Trampa mortal” (1976) y “Cocodrilo” (2000). La primera, quizá, si sea una de esas cumbres, realizada justo después de la legendaria “La matanza de Texas”.

La película que nos ocupa está lejos de la calidad de esta, pero mantiene la personalidad de su director en varias ocasiones del metraje, con una versión de lo mas peculiar y reptiliana del “Psicosis”, de Hitchcock. Por el contrario, “Cocodrilo” supone uno de los puntos mas bajos de la carrera de un director que acabó perdiendo el rumbo, desgraciadamente.

Es concisa y directa. No se anda con rodeos. Los cocodrilos no tardan en aparecer una vez la protagonista llega al lugar donde se desarrollarán todos los hechos. Quizá, ese inicio, sea lo mas negativo del filme. A uno le cuesta llegar a la acción, con un personaje que, en sus inicios, importa menos de lo que acabará haciéndolo. Por tanto este es el problema que tiene, como hablábamos antes, tener un conflicto tan de manual. Pero por suerte, los depredadores aparecen y el director francés parece sentirse mas cómodo. Empieza a crear interés por sus personajes y, sobre todo, a manejar un ritmo ágil y lo suficientemente entretenido como para que la película acabe siendo un triunfo dentro de su pequeño y humilde género.

Obviamente, la película es lo que es. Es un producto de serie B, con efectos especiales bastante efectivos, pero que no puede tomarse como una película de Tarkovsky o Sergei Parajanov. Los que vayan a ver “Infierno bajo el agua”, seguramente, buscaran sangre y tensión sin mucho cerebro, y eso encontraran. No es tampoco “Piraña 3D”. No hay tanta sangre ni tampoco hay comedia. La última película de Aja se toma mas en serio, y se centra algo mas en el mecanismo del suspense. Habrá quien vea en ella un baratillo filme de terror veraniego más. Claramente no es una película hecha para todo tipo de público, pero el francés se mantiene fiel a los que esperan con ansias sus nuevas producciones.

Con esto queremos decir que el público de Sitges puede estar contento, “Infierno bajo el agua” ofrece todo aquello que uno no esperaría de una película con tal argumento, es decir, buen manejo tras la cámara y cierto interés por sus personajes principales. Es por todo ello que, las películas de cocodrilos ya pueden estar más contentas de haber encontrado su máximo estandarte. Que claramente no es “Tiburón”, oye, pero es una sorpresa mas que efectiva teniendo en cuenta lo que se nos cuenta, nunca mejor dicho. Es decir, en definitiva, es un producto que proporciona entretenimiento y buenas escenas de acción. Y que deciros, visto lo visto, creo que podemos darnos con un canto en los dientes.

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"Erase una vez en Hollywood" tras su estreno en el Festival de Cannes, con campaña anti-spoiler de por medio, llega a nuestras salas la novena película de Quentin Tarantino, penúltima de su filmografía, debido a la promesa (mantenida) de retirarse a su décimo film como director. Siguiendo la estela de muchos de sus proyectos, llenos de cinefilia y amor al séptimo arte, el director de Tennessee se lanza, por primera vez, a retratar, desde dentro, el mundo en el que trabaja, retrocediendo a finales de los 60, para mostrarnos los entresijos de ese Hollywood de almas perdidas, en el que vagaban actores en decadencia junto a otros en la cúspide de su carrera. Con una mirada de cierta ternura, que pocas veces ha mostrado Tarantino, “Erase una vez en Hollywood” se convierte, probablemente, en una de las películas más atípicas de su carrera.

Y es que es muy complicado hablar de la última película del director de “Pulp Fiction”. Con muchas de las señas de identidad que le caracterizan (duraciones extensas, diálogos rápidos y ágiles, violencia explicita…), el retrato de un mundo que estaba cambiando por completo se antoja mas íntimo de lo que acostumbra. Deteniéndose en sus personajes de manera mucho más calmada, dándonos momentos emocionantes y bonitos, como ese visionado de Sharon Tate sobre una de sus últimas películas, en un cine donde nadie la reconoce y donde disfruta, cual sueño, de la reacción positiva del público hacia su interpretación (en ese mas que tierno reflejo de una Margot Robbie que está viendo a su alter ego real en pantalla, en una de sus últimas interpretaciones).

De esta manera, entre otros muchos ejemplos que podrían darse, se abre un melancólico dialogo entre realidad y ficción que será la piedra angular de la película de Tarantino, dispuesto a re-interpretar la historia de Hollywood a su manera, cambiando todo aquello que no le complazca, cual cuento de hadas.

Aprovechándose de aquellos aspectos que ama: la serie B, el western televisivo, las películas de artes marciales (aparición maravillosa y desternillante de Bruce Lee de por medio) … Tarantino realiza algo así como su “Ed Wood” personal, regalando amor a esos perdedores del cine. Se muestra, para ello, mas dilatado que en otras ocasiones, y quizá, también, menos redondo en la conexión de una historia cuyo hilo conductor es más débil de lo que nos tiene acostumbrados. Haciendo un retrato más íntimo de personajes, “Erase una vez en Hollywood” se queda coja en cuanto estructura de la historia se refiere.

Es cierto que durante mucho tiempo del metraje uno se siente confundido, no logra vislumbrar del todo bien lo que pretende Tarantino con unas historias diversas que parecen no llevar hacia ninguna parte. Y, finalmente, algo así es. Aunque la conexión exista, es mucho mas floja de lo que uno podría esperar de su director.

Esto nos da elementos buenos y malos: el bueno, es que, como antes comentábamos, podemos ver a un Tarantino más crepuscular, más íntimo, más interesado en sus personajes que en lo que les rodea; lo malo, por su parte, es que la sensación de acabado redondo que muchas veces suele tener su cine, aquí se disipa, para dejar paso a una sensación extraña, algo agridulce, como si uno sintiese que podía haber dado de más este guion, que lejos que antojarse largo (teniendo en cuenta su duración), parece quedarse corto en ocasiones.

Es esta sensación rara de la que hablamos la que le deja a uno sin saber bien que opinar acerca de esta "Erase una vez en Hollywood", la historia de Rick Dalton y su doble de acción, que parecen ser la excusa de Tarantino para hacer un viaje a través de los escollos de ese Hollywood en transición, con los Manson campando a sus anchas.

Teniendo la estaca de la historia en estos dos personajes, que regalan escenas antológicas (esa visita de Brad Pitt a la granja de los Manson, todo el rodaje de ese capitulo piloto, de un western, donde DiCaprio comienza a vislumbrar su posición en la industria actual…), el resto de historias, interesantes en general, pero poco desarrolladas, parecen ser finalmente un boceto a medio dibujar que le sirve a su director para jugar a los “Malditos Bastardos” y entregar un tercio final mas propio de él, hiperviolento y descarado.

Ahora bien, aunque no conecte todo como debería, aunque se noten flecos sueltos o uno tenga la sensación de que algo le falta al esqueleto de su historia, Tarantino se las arregla para realizar el que, probablemente sea, el final mas bonito de su carrera. Unos cinco minutos finales (plano final incluido) que muestra a ese Tarantino mas melancólico del que hablábamos, uno de los principales puntos fuertes de esta "Erase una vez en Hollywood".

Es por ello que, en definitiva, es muy probable que no estemos ante una de las grandes películas del director. Muchos verán en ella, incluso, una de las más flojas o menos completas, que tampoco es el caso. Podríamos decir que "Erase una vez en Hollywood" es una de las más personales, teniendo en cuenta la extraña sensación que puede ocasionar esto.

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El universo de "A todo Gas" se expande, después de nada más y nada menos que 8 entregas de la saga de acción creada para el lucimiento de Vin Diesel, y que se ha convertido en un referente dentro del cine de acción desde su creación en 2001. Llega una película que utiliza dos de los personajes más carismáticos que aparecieron en la última entrega, el agente americano Hobbs (Dwayne Johnson) y el espía inglés Shaw (Jason Statham) se adentrarán en una nueva misión casi suicida para intentar salvar a la hermana del segundo, la cual se ve involucrada en un intento de robo de un arma biológica letal.

Con un planteamiento que recuerda mucho a "Mission Imposible" (especialmente la tercera, recordad Pata de conejo vs Copo de nieve) y una relación de protagonistas que recuerda mucho a la película de los 80 de "Tango y Cash" con dos personajes antagónicos con mucha chispa que encajan perfectamente siendo perfectamente complementarios. Uno Hobbs es la fuerza bruta y el carisma, el otro Shaw es la clase y la elegancia con un toque de maldad pero adorable. La película deja desde el minuto uno claras sus bazas, empezando con un acción y disparos por todas partes, un malo de libro (Idris Elba) y una corporación criminal que quiere reformar el mundo, al más puro estilo Spectra.

Con un humor omnipresente y la perfecta química de los protagonistas la película se convierte pronto en un "placer culpable", lleno de momentos inverosímiles, a pesar de su guión simple y previsible se trata de un entretenimiento muy recomendable para este verano. Destacamos especialmente el cameo de un actor muy famoso en un personaje realmente impagable de "controller" de la CIA que junto con una protagonista femenina de gran fuerza que completan el reparto principal, que funciona perfectamente. Otros cameos como los de la madre de Shaw o el peculiar Marshall aéreo aportan algo de frescor a un metraje que puede ser excesivo.

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Vuelve la saga Transformers con su ya sexta entrega, y lo hace renaciendo de sus cenizas. La saga se une a otras en el afán por añadir una precuela de su historia, y en este caso, y con grata sorpresa para el espectador, lo logran hacer con acierto. Bumblebee ha sido muy bien recibida por la crítica general, tanto la profesional como la de los aficionados. Nosotros también nos vamos a sumar a estas buenas impresiones, y es que, parte del éxito que todos percibimos es su capacidad de sorpresa.

La saga Transformers llevaba bastante tiempo a la deriva, especialmente en sus dos últimas entregas. Se había convertido en una sucesión de películas que hacían una oda al género de acción más comercial, una colección de explosiones y chirriar de metal que se conectaba con escenas sin sentido y diálogos vagos, dejándolo todo en manos de los efectos especiales y el ruido. Esto le servía para seguir existiendo, pero en cada entrega, una parte de su alma se iba resquebrajando en favor del éxito económico.

Con Bumblebee la saga se aleja de este punto en el que se encontraba estancada, y logran hacer una película muy entretenida a la vez que sentimental, y que respeta en todo momento el espíritu mas característico de sus inicios, volviendo a esa inocencia, a esa profundización de personajes carentes de maldad e incluso superándolo si cabe.

En esta nueva entrega viajamos hasta 1987 y vemos la historia del hermano pequeño de los Autobots Bumblebee, esto es algo que acerca la nostalgia al espectador. La mezcla de los recuerdos más primitivos de la saga con un ambiente ochentero hacen de la película un producto sencillo, pequeño, pero a la vez gigante que logra llegar al espectador desde el comienzo, una historia que aúna la esencia de Transformers con unas interpretaciones más cercanas y una ambientación muy familiar.

El reparto es un punto fuerte de la película. Hailee Steinfeld ("El juego de Ender") coge el timón de esta porción de saga, y la dirige sin ningún tipo de dudas hacia el éxito, buena parte de éste es suyo. Nos da una actuación sencilla pero potente, capaz de transmitir con cada gesto. Cada vez tiene más presencia escénica, y su facetas actorales están en auge, progresando en cada largometraje que participa. El papel protagonista está repartido con John Cena. El también luchador del Wrestling Estadounidense ha ido compaginando su carrera como estrella de la lucha libre con apariciones cinematográficas puntuales. Parece que en la actualidad ha apostado por esto último, y tiene varias producciones pendientes a parte de esta. Está mas que correcto en su papel que le va como anillo al dedo. Es una persona icónica al que siempre apetece y agrada ver en pantalla, con este pequeño papel suma al conjunto sin abusar de sobre-actuación(no como John Turturro en las últimas entregas).

En lo técnico no podemos poner pegas, si bien los efectos especiales no están tan presentes en cada plano, buscando una mayor integración, todos los elementos encajan perfectamente a la hora de llevar a cabo una película en donde los efectos visuales y sonoros están al servicio de la historia, y no al revés, este punto es uno de sus puntos fuertes y a tener en cuenta.

Pero el éxito de Bumblebee tiene un claro condicionante, y no es otro, como ya señalábamos anteriormente, su apuesta por dotar de alma a una película de acción pura, el manejo del ritmo y de un humor no tan absurdo como en otras entregas vienen a mejorar incluso más el conjunto. Esto resulta diferencial, tiene la misma acción que sus predecesoras, pero su afán por mostrarnos sentimientos, historia, y las motivaciones de los personajes la hacen una película muy recomendable, y en definitiva, una muy buena película para disfrutar con los amigos o en familia.

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En "Bohemian Rhapsody" se nos detallan los momentos de creación, ascenso, caída y resurgimiento del gran grupo por todos conocido como "Queen". Principalmente centrándonos en su protagonista Freddie Mercury, encarnado por Rami Malek con extraordinaria maestría. Si bien no nos encontramos ante un musical propiamente dicho (excepto en su parte final) si que se trata de un drama con la música como telón de fondo.

La película comienza con la formación del grupo, un joven de origen pakistani con grandes ideas y con un punto de rebeldía, que desconoce su verdadero potencial pero desea algo más. Se presenta ante el resto del grupo (denominado por entonces "Smile") justo en el momento apropiado cuando se acaban de quedar sin cantante, opositando para convertirse en su nuevo vocalista. Este como otros muchos detalles son pequeñas licencias que se toma la película para darle una apariencia más cinematográfica a esta historia real.

Desde ese momento y mediante la unión del talento de todo el grupo, se nos contará la evolución del mismo, hasta alcanzar el momento de alcanzar el status por todos aceptado de "leyendas del rock" que en este caso será su actuación en "Live Aid" en 1985. A pesar de tratarse de una historia que da una importancia capital al aspecto musical, las relaciones humanas también tiene su espacio, en varios ámbitos: la relación entre los miembros del grupo, la amistad de Freddie con su primer amor Mary, la lucha de Freddie contra su propia naturaleza y los tabús de la sociedad, la gente sin talento que se ven atraídos por el brillo del éxito... todo es contado de manera acertada y ahondando lo suficiente en los 135 minutos que no se hacen para nada largos.

La película es ante todo una celebración de la música y la genialidad, un carrusel de emociones salpicadas con los temas del legendario grupo, donde se profundiza en la génesis de esas canciones, su significado pero sobre todo en la personalidad de Freddie Mercury, una leyenda aún recordada. Malek (ganador de un Emmy por la particular serie "Mr. Robot") lleva a cabo una metamorfosis física para encarnarlo, siendo lo más destacable de la película.

En lo técnico, la cinta es perfecta, tanto visual como sonoramente, en todo momento la puesta en escena es la correcta, sin exagerar y sin hacerse notar demasiados efectos digitales. Mención especial merecen los 20 minutos finales que son una representación de la participación de la banda en el concierto Live Aid, para muchos el momento en que "Queen" se convirtió en leyenda que junto a 2 ó 3 escenas más (el encuentro con su padre de Freddie poco antes del concierto, la despedida de Mary o cuando toca fondo el protagonista) son esas perlas que nos quedarán en la retina una vez pasado el tiempo.

Lo más importante es claramente la música y la entrega de todos (Mercury el primero) a ella, por lo que todo lo ocurrido durante la cinta desemboca en ese concierto de cerca de 20 minutos que es una escena llena de fuerza y emoción, una apuesta muy arriesgada para ser incluida en un largometraje pero que se acaba de convertir directamente en "un clásico", algo que siempre se recordará de esta película, una de esas escenas icónicas del cine.

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