"Una noche sin luna, en el vestuario completamente vacío de Xclusive, después de hacer dos horas de ejercicio, me encuentro bien. El arma que tengo en mi taquilla es una Uzi que cuesta setecientos dólares, y aunque, también llevo una Ruger Mini (469$) en mi attaché de Bottega Veneta, un arma que suelen preferir muchos tiradores, sigue sin gustarme su aspecto; hay algo más viril en una Uzi, algo dramático que me excita, y sentado allí, con el walkman en la cabeza, unos pantalones de ciclista negros de lycra de doscientos dólares puestos, un Valium que empieza a hacerme efecto, miro fijamente la oscuridad del vestuario, tentado. La violación y subsiguiente asesinato de una estudiante de la Universidad de Nueva York, ayer por la noche, detrás de Gristede’s, en University Place, cerca de su residencia, por muy inapropiado que fuera el momento, por poco característica que fuera la acción, resultó altamente satisfactorio, y aunque no estoy preparado para este cambio de sentimientos, me encuentro en un estado de ánimo reflexivo y dejo la pistola, que para mí es un símbolo de orden, la vuelvo a guardar en la taquilla, para utilizarla en otro momento. Tengo que devolver unas cintas de vídeo, sacar dinero del cajero automático, reservar una mesa para cenar en 150 Wooster, lo cual es difícil de conseguir."

Capítulo de la novela "American Psycho", que en pocas palabras, evidencia la temática que Easton Ellis utiliza en su obra. Gran adaptación cinematográfica de una de las mejores (y más controvertidas) obras literarias de los últimos cincuenta años. Cuando los valores putrefactos de una sociedad corrompida por el consumismo y conformismo te atrapan, exprimiéndote física y psicológicamente, sólo queda reconocer y justificar tu existencia perdiendo toda muestra de cordura.


"Tengo todas las características de un ser humano: carne, sangre, piel, pelo. Pero ninguna emoción clara e identificable, excepto la avaricia y la aversión. Está ocurriendo algo horrible dentro de mí y no sé por qué. Mis sangrientas lujurias nocturnas están empezando a apoderarse de mí, me siento letal, al borde del frenesí, creo que mi máscara de cordura está a punto de desmoronarse."

-Patrick Bateman

Obra minimalista producida por la HBO y dirigida por Tommy Lee Jones. Relato sobrecogedor sobre las creencias humanas, la ilusión de la felicidad y el vacío de la nada. Magnética reflexión de la aspiración terrenal y espiritual del hombre.
Estamos ante otra adaptación del lirismo de Cormac McCarthy, reflejado en su carga moral y sus influencias literarias. En este caso, la fuente que carbura el argumento es la religión, la Biblia en concreto. Las discusiones de los protagonistas cimientan exclusivamente el filme, no hay otra ventaja narrativa. De esta manera, las aportaciones por parte de dos actores consagrados eran necesarias. El papel de un profesor abocado a su autodestrucción lo interpreta Tommy Lee Jones, su antagonista, un ex-convicto empeñado en la redención como forma de vida es interpretado por Samuel L. Jackson.
El claro conflicto ideológico esta impecablemente de manifiesto en cada escena, a través de las conversaciones en las que ambos prueban sistemáticamente sus ideales. El dualismo de los personajes esta de manifiesto desde un primer momento, sus nombres son “White” y “Black”, en concordancia con sus respectivo color de piel.
La trama examina el existencialismo humano desde los verdaderos significados de salvación y castigo, por lo que, en contadas ocasiones, se percibe un leve distanciamiento con el espectador (dada su complejidad y carga moral). El humor también esta presente en escenas cotidianas de comportamiento y en esporádicas anécdotas contadas por "Black".
La dirección a cargo de Tommy Lee Jones, limitada al interior de un apartamento, consigue dar dinamismo a la obra. Los sutiles movimientos de cámara y la banda sonora ayudan a sobrellevar la película. Porque el ritmo y la variedad (en el conjunto de la obra) son constantes, dejando clara su exclusión del cine “mainstream”.

Notable adaptación a la pantalla de la laboriosa prosa de McCarthy, fundamentada en alusiones directas a la biblia (“Blood Meridian” es otro claro ejemplo) y en preguntas existenciales como fuerza motriz del relato.


"Perhaps I want forgiveness, but there is no one to ask of it, says White. "And there is no going back. No setting things right. Perhaps once. Not now. Now there is only the hope of nothingness. I cling to that hope. Now open the door, please."

Plano 1º: Plano americano en panorámica siguiendo al típico vecino casposo americano, sacando el típico cubo de basura metálico americano, en la típica urbanización de clase media americana.
Plano 2º: Magnífica transición entre planos, en la que, observamos un primer plano del típico cubo de basura metálico americano, que, súbitamente es movido por el típico vecino casposo americano, mostrándonos de esta manera, al típico psicópata americano.
Plano 3º: Primer plano del típico psicópata americano con cara de cocainómano empedernido. Acto seguido llega “el momento”, en el que los guionistas del film se consagraron. El típico psicópata americano pronuncia con su careto malsano las palabras mágicas: “GARBAGE DAY”.

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La caspa del vecino casposo americano nos salpica la cara con su caída y la risa de chiste malo del psicópata nos trastorna, ya que, quizás, la siguiente vez que saquemos la basura nos lo pensemos dos veces. O por el contrario, lo hagamos decididos con una sutil mueca sonriente en el rostro, recordando la mítica frase: “GARBAGE DAY”.

“Out of a Forest” transcurre en un bosque de las afueras de Viborg, Dinamarca y cuenta la historia de un conejito que es perseguido por un feroz lobo que intenta convertirlo en su cena. Dirigido por el danés Tobias Gundorff Boesen, quien cuenta que se inspiró en la literatura victoriana y el disco “Boxer” de “The National”, del cual usó la canción “Slow Show” como banda sonora. Otra demostración de que la ancestral y fascinante técnica del Stop-Motion esta rejuvenecida y capacitada para contar historias en plena digitalización del séptimo arte.

Más allá de la notable factura técnica del cortometraje, que destaca en cuanto a la escenografía, al excelente juego de luces o al diseño de los personajes. La idea en sí es original y esta desarrollada de manera impecable. Pero me gustaría remarcar como fuerza motriz de esta obra, la música. Excelente elección por parte del director, “Low Show” de “The National”, un grupo neoyorkino indie que claramente se aleja de los estereotipos comerciales de discografías importantes o canales como MTV. Además de valorar la cancón o la misma banda de músicos, la compenetración entre acción e imagen esta muy lograda. Incluso la letra de la melodía concuerda de manera sutil con lo que vemos en la pantalla.

En mi opinión, el surrealismo esta presente en el cortometraje, la personificación de los personajes o detalles estéticos como unos guantes blancos colgados de un árbol, unas tijeras clavadas en estos o un sofá y una lámpara perdidos en medio del bosque dan cuenta de ello. Todo es un sueño conjunto en el que un curioso e insospechado final te devuelve a donde todo empezó, mismos paisajes, mismo sonido ambiente... fundido en negro.


I wanna hurry home to you
put on a slow, dumb show for you
and crack you up
so you can put a blue ribbon on my brain
god I’m very, very frightening
I’ll overdo it


Y, como pocas veces ocurre, la sensación del recuerdo te invade, dejando alterada la fina hebra que hilvana nuestra frágil memoria.

Tras varios años viendo cine de terror decidí dedicarle un tiempo a Nosferatu, en todas sus vertientes. El clásico de Murnau de 1921, es en mi opinión una obra maestra del expresionismo alemán que apenas envejece con el paso del tiempo. No puedo ni imaginar la sensación que debió causar allá por principios de siglo veinte. La segunda adaptación de este oscuro personaje que visualicé, fue el remake dirigido por Herzog. Admiro este último director, pero, en este caso me decepcionó su adaptación, apenas aportaba nada nuevo (excepto sonido y color, obviamente) y no llega a deslumbrar como su predecesora. Esta última razón fue por la que no tenía apenas esperanzas en "La sombra del vampiro", dirigida por un director desconocido. Esto es lo bueno del cine, nunca deja uno de sorprenderse.
Esta nueva visión sobre el vampiro más aclamado de la historia, bajo el seudónimo Nosferatu, realiza una sutil aproximación a lo que hubiera sido la complicada producción de la película en su época y, además, contratando a un vampiro “real” como actor principal (Max Schreck, que verdaderamente existió, y el rumor de que era un vampiro nunca llegó a desvanecerse por completo…).
Las primeras imágenes del film ya te sumergen en lo que consistía producir cine a principios del siglo pasado. Como el director narraba el guión a los actores en el cine mudo me entusiasmó. Las estrafalarias gafas de rodaje del equipo o la antigüedad de las cámaras de manivela son algunos de los muchos detalles en los que, te das cuenta de lo mucho que ha progresado el desarrollo tecnológico en menos de cien años. John Malkovich como el director F. W. Murnau, carismático y obsesionado con su trabajo a quien no le importará a qué precio debe terminar de rodar la película. Y Willem Dafoe interpretando al vampiro (por el que ganó el oscar a mejor actor secundario). Son los encargados de dar la fuerza y dinamismo a la narración, con dosis de humor negro, movimientos toscos y soberbias gesticulaciones de las que se desprende la inocencia propia de las películas de horror de antaño. El original guión combinado con un excelente maquillaje, espectacular vestuario, escenarios lúgubres e impactantes, maravillosa fotografía y melódica banda sonora, hacen de este film una propuesta muy interesante.


"We are scientists engaged in the creation of memory.
But our memory will neither blur… nor fade."