Encuadrar “Estrellas de mi corona” en el género western está, como se suele decir, “cogido por los pelos”. Para aquellos que asocian los revólveres con el Wild West no habrá ninguna duda, pero cuando detrás del colt se vislumbra la vida ordinaria de las gentes, el asunto está algo más morrocotudo.

Lo que resulta claro y meridiano es la excelente calidad de este film de Tourneur que, al igual que en otros “supuestos” westerns: Tierra generosa (1946), Wichita(1955) ó Una pistola al amanecer (1956) retrata, con preferencia, la vida a la violencia, aún reconociendo que esta era el caldo de cultivo de la cultura norteamericana. E igual que sucede en Una pistola al amanecer, las conexiones con la guerra civil, son claras. Prebélicas en el caso de Una pistola al amanecer y posbélicas en Estrellas de mi corona, aunque en los dos casos llenas de íntimos malestares.

No obstante, he echado de menos esos colores pastel que daban un cierto tono impresionista a sus otros trabajos. Lo digo sin desmerecer una fotografía en B/W francamente notable, pero para mi, el color es una de las bazas fuertes de Tourneur.

Volviendo a lo del género, más bien la encuadraría entre las películas familiares y religiosas con exaltación de valores profundos y su toque de moralina redentora pues así puede calificarse la recuperación colectiva del sentido común tras la lectura del testamento del candidato a ser linchado. Y dentro de ese género, la película cumple y da la talla, pudiendo considerarse como una obra tan magistral de Tourneur como cuasi desconocida.

Tal vez sea pura coincidencia pero me han sorprendido las similitudes con Matar a un ruiseñor, película muy posterior, pero con similar planteamiento, niños recordando su infancia, linchamientos, racismo, el incorruptible e integro personaje central y Alabama como tierra natal de sus creadores. En cualquier caso, compararse con el peliculón de Mulligan ó a este con el de Tourneur no desmerece a ninguno de los dos.

Milos Forman nos da una lección de fotografía. Nos ilustra acerca de como debe retratarse la sociedad de una época determinada. Evidentemente la sociedad entera no cabrá en la foto, pero sí algunos de sus elementos más representativos.

Y Forman nos presenta muy bien encuadrados aspectos de la sociedad estadounidense de principios de siglo tales como la situación de la gente de color, el inicio de la sociedad industrial bien representada tanto por la fábrica de Ford y sus coches al minuto como por una típica familia americana dedicada al negocio de los artículos para fiestas, el propio inicio del cine mudo, etc. Todo ello forma un puzzle bien construido y entrelazado con maestría.

Cinematográficamente hablando, la película tiene incontestables valores: la fotografía, el montaje, la música ó la interpretación. Y también nos ofrece momentos auténticamente de oro. Solo quisiera llamar su atención sobre uno de ellos: La escena del Madison Square Garden. Fíjense en los planos, en los gestos, en las miradas, en la música, hasta en la propia dureza de la secuencia. Magistral. Para uso y disfrute de gourmets del séptimo arte.

Tan sólo un pero: Su excesiva duración. Creo que la "historia" de la biblioteca podría haberse condensado algo más.

Si el cine mudo pone su acento en los gestos, en las miradas, en los planos cortos, incluso en los silencios, eso en la filmografía de Erich Von Stroheim alcanza su sublimación y en muchas ocasiones no necesitamos leer los textos para saber lo que un gesto o una mirada nos anuncia. En sus películas cada detalle, hasta los más nímios, dicen algo. Todo tiene su valor. La película es la suma de unas partes trabajadas primorosamente.

Los músicos con los ojos vendados sobre la cama del apartamento son absolutamente expresivos. Solo con verlos podemos sentir su música, imaginarla sin oirla. Y podemos decir lo mismo de otras escenas geniales, el vals de las sirenas, el duelo, etc.

Resumiendo, lo que ya sabíamos, Von Stroheim es un absoluto emperador del cine y sus películas emperatrices del séptimo arte.

Lo de buscar los orígenes de Drácula me parece una tarea al menos tan ardua como la incansable búsqueda del "doctor Livingstone supongo" así que nos ceñiremos a los orígenes literarios donde las cosas están algo más claras y se acepta universalmente a Brian Stoker como el padre de la criatura, circunstancia avalada por las continuas reclamaciones de derechos solicitadas por su viuda Florence con motivo del Nosferatu de Murnau, un Drácula expresionista tan genial como camuflado.

A partir de ese momento la viuda Stoker empezó a hacer concesiones, evidentemente con compensaciones monetarias, lo que permitió su traslado a Broadway donde Hamilton Deane y John L. Balderston toquetearon el guión para adaptarlo a los gustos del público. Estamos hablando de Nueva York, octubre del 27, con Bela Lugosi (desconocido por aquel entonces) como protagonista. Se ruega no confundir con musicales más modernos. El toqueteo estuvo bien. Tanto que la Universal también entró en tratos con la viuda de Drácula para hacerse con sus derechos cinematográficos, circunstancia harto difícil y que se resolvió muy favorablemente gracias a la capacidad de seducción del tal Bela o al menos eso dicen las lenguas de doble filo.

El caso es que Lugosi estaba obsesionado con el papel. Un papel que Tod Browning y Carl Laemmle Jr., dueño e hijo del fundador de los Estudios Universal, tenían preparadísimo para Lon Chaney y que al fallecer este, fue ofrecido también a Conrad Veidt. Sin embargo el papel acabó siendo para Lugosi quien aceptó cobrar un salario bastante bajo, incluso por debajo del de David Manners en su rol de un letrado del conde Drácula mucho más vampiro de lo habitual.

Esta versión de Tod Browning (La parada de los monstruos, Garras Humanas) es todo un clásico. Uno de esos clásicos de terror imprescindibles, aunque sepamos que de terror " rien de rien". Una de esas películas que crea escuela y a la que el paso del tiempo y sobre todo la evolución del cine y de sus técnicas van dejando envuelta en las telarañas del olvido. Claro que las telarañas le sientan muy bien a una película de vampiros y si encima les damos un baño musical en El lago de los cisnes de Tchaikovsky pues la cosa pinta bien y es asignatura obligada para aprendices de esto del cine como yo.

Morbo añadido: El tal Bela Lugosi acabo sus días creyéndose Drácula. Tanto es así que se dice, se comenta que dormía en un ataúd y que una vez muerto fue envuelto en la capa de forro rojo. Lo que ya no se ha dicho es si se levanta por las noches...

Furia, de Fritz Lang es, por encima de todo una historia real. No busquen el cartel de "todo parecido con personas vivas o muertas es puramente accidental" porque haberlo no háilo. Este es el supremo valor de la película y el que obliga a una reflexión sobre la ira, la venganza, el tomarse la justicia por su mano, la rebelión de las masas, la voluntad del pueblo soberano y esas cosas.

Y no creo que haya nadie que se aventure a decir que son temas pasados de moda ni que el racismo, la xenofobia y los linchamientos son temas exclusivos de "burning" Missisipi o de Matar a un ruiseñor. Probablemente, si eso sucediese, sería debido a tener las ventanas excesivamente bajadas, el televisor perpetuamente en el canal Disney y roto el mando a distancia. La actualidad se llama Marta y es evidente para todo aquel que le quede alguno de los cinco sentidos en estado de alerta.

El secuestro y posterior asesinato con solo 19 meses del bebe de Lindbergh en 1932 convirtió a su autor (Bruno Hauptmann) en el hombre más odiado de América y en 1933 el secuestro en San José (California) de Brooke Hart con linchamiento de dos de sus autores por la multitud (hechos en los que se inspira el film) eran acontecimientos recientes que estaban en la memoria colectiva y que un Fritz Lang recién llegado a América tuvo el valor y la osadía de recoger y plasmar en imágenes donde se olvida un tanto de aquellas Metropolis que se había traído en la maleta para ofrecernos crudas realidades, tan crudas como era posible en el 36 donde muchos temas eran tabú o eran altamente desaconsejables y perniciosos para la protegida salud mental de la ciudadanía.

La venganza es uno de los temas insignia de Lang. Recordemos Los verdugos también mueren o la misma Perversidad. Sin embargo aquí la venganza se sirve de la manera desaconsejada, es decir con una plebe al punto de ebullición desbordada bajo los estímulos de estruendosas arengas en las que la verdad se esconde debajo de los gritos. En las películas que he citado, nosotros los espectadores nos convertimos en cómplices apoyando las furias personales incontenidas. Aquí somos críticos, aunque a decir verdad lo tenemos muy fácil sabedores de la absoluta inocencia del linchado.

Es una gran película de Lang, sin duda, en el fondo y en la forma, donde el gran director alemán expone al mundo libre sus valores cinematográficos arrancados al opresor alemán. Sin embargo ni el expresionismo ni sus claroscuros ni sus travelings de cámara pueden con la fuerza de una historia, por la que estuvo nominado a los premios de la Academia, que confirmó la buena trayectoria de Tracy con la MGM despues de sus años “grises” con la Fox y que hizo al público fijarse en una Sylvia Sidney cuya participación fue una apuesta total del propio Lang con quien - buena prueba del trabajo bien hecho- volvería a participar en Solo se vive una vez y en Tu y yo.

Absolutamente imprescindible.