Vamos a desempolvar un encuentro tan improbable a primera vista como el que protagonizaron el rudo John Ford y la prodigio Shirley Temple. John Ford, a la sazón flamante ganador del Oscar por “El delator”, se quedó de piedra cuando Darryl Zanuck le anunció que la siguiente sería con esa niña superdotada y sobre todo supertaquillera, toda una veterana que a sus ocho añitos iba por las catorce películas ya, lo que no sabía John Ford era que Shirley Temple era una apasionada de los uniformes, hasta el punto de que más tarde tuvo dos maridos militares, el primero sargento y el segundo comandante. Bueno, pues Zanuck convenció a Ford con dos argumentos de peso, primero un presupuesto de un millón de dólares y segundo podía seguir trabajando con su amigo Victor McLaglen, el rudo sargento MacDuff, el que era una preciosidad cuando era pequeño. Ford aceptó a pesar de que no le gustaban los niños y menos aún los famosos, de que le ponía del hígado las salidas de la pequeña Shirley, que hacía todo lo posible para gustarle al maestro, no se dejaba doblar y aguantaba con estoicismo el rodaje en exteriores a 40 kilómetros de Hollywood. A los problemas sindicales siguieron los exámenes de la niña o la hospitalización de la madre, todo un martirio para Ford que a sus 42 años seguramente se parecía mucho en el rodaje al cascarrabias de C. Aubrey Smith en la película, el septuagenario coronel de un fuerte de escoceses en el norte de la India, en la frontera con Afganistán, que tiene por misión el capturar a un ancestro de Bin Laden, un rebelde muy guapo que encarna César Romero.

“La mascota del regimiento” tuvo una acogida triunfal y también críticas por colonialista. La película tiene momentos memorables como la muerte del sargento McLaglen, la mejor ilustración de la síntesis entre el cine de Ford y el estrellato de Shirley Temple, más allá de alguna mirada a la cámara, en “La mascota del regimiento” la pequeña está perfecta.

Una cumbre en la obra de Corman en una estupenda adaptación del relato de Poe. El film contiene un prólogo bastante lento en el que se describen las fechorías de Price, dueño y señor de su propio mundo. Luego sigue la configuración ascendente de la tensión.

Nos situamos en plena Edad Media, en una pequeña población italiana ha estallado una epidemia de peste, mientras la plaga, conocida como la Muerte Roja, diezma la población, el sádico príncipe Próspero (Vincent Price) se encierra con sus amigos en su aislado castillo para evitar el contagio, pero la Muerte Roja terminará por hacerse omnipresente.

Gracias a su magistral estilo de narración, la intensa fotografía en color de Nicolás Roeg, el eficaz montaje, y la magnífica interpretación por parte de sus protagonistas (es de resaltar sobre todo la actuación de Vincent Price, lo retorcido, cruel e imprevisible de su personaje hace de él el centro absoluto de la película), este film se ha convertido con el paso del tiempo en una pequeña obra maestra de Corman.

En un parque de Roma se descubre el cuerpo de una prostituta asesinada, a partir de este suceso Bertolucci nos presenta una serie de interrogatorios policiales con sus respectivos flashbacks, en los cuales cada uno de los sospechosos y testigos, relatan cada uno de los movimientos que realizaron el día del crimen, y que terminaron llevándolos al lugar donde se cometió el asesinato. Los sospechosos son ladrones, prostitutas, vagos, o proxenetas, todos los cuales relatan historias de pobreza, las que poco y nada tienen que ver con el crimen que se está investigando.

Bertolucci liga temporalmente cada una de las historias mediante una intensa lluvia que se repite en todas las ocasiones. Cada vez que comienza a llover, el director aprovecha para mostrarnos el último día de vida de la prostituta. Cuando la lluvia cesa, Bertolucci retoma el relato de los respectivos sospechosos.

Película interesante, con algunas imperfecciones propias del trabajo de un director primerizo. De todas formas, este es un film de cine negro italiano más que recomendable y constituye un buen punto de partida para comenzar a conocer la obra de este director italiano, obra que supuso su debut cinematográfico y que le valió el reconocimiento de buena parte de la crítica.

“La vida por delante” es una fantástica película de uno de los más grandes directores que ha tenido, y tendrá, el cine español: Fernando Fernán-Gómez. Muchos años antes de que Woody Allen nos ofreciese su magistral “Annie Hall” (1977), narrando los sinsabores de la vida en pareja, Fernando Fernán-Gómez, con un guion propio y de Manuel Pilarés, lo hacía a finales de los cincuenta en esta poderosa comedia, una película sobre el amor entre un hombre y una mujer, pero también una película sobre las pequeñas cosas, sobre las miserias y las grandezas de la vida cotidiana. En un tono cómico, Fernán-Gómez no deja títere con cabeza reflejando a la perfección la vida del español medio de entonces, deleitándonos con este film lleno de inventos y de ideas que va a toda velocidad y no pierde fuelle en ningún momento.

Lo que sí parece evidente es que Fernán-Gómez conocía bien la comedia americana de los años 30 y 40 cuando rodó "La vida por delante". Tiene algo del humor surrealista y mordaz de Preston Sturges, algo de la elegancia de Lubitsch y hasta un cierto romanticismo a lo Capra. Y mucho neorrealismo italiano, sobre todo a la hora de retratar la ciudad y sus personajes, logrando un verdadero fresco de la clase media española que habitaba ese Madrid de grandes avenidas y descampados. El uso del flash-back, la multiplicación de los puntos de vista, el diálogo con el espectador, el diálogo (fructífero) entre realidad y ficción, la brillantez de los diálogos o la estructura de la película, evidencian el talento de Fernán Gómez y su dominio de los códigos del género.

Una película redonda, de narración extraordinariamente fluida, injustamente olvidada y poco conocida. Sinceramente os digo que vale la pena verla, ese humor tan mordaz es malévolo para la época y totalmente aplicable a la actualidad. Un film para entender mejor ese extraño país en el que vivimos.

El austriaco Otto Preminger se presentó en Hollywood cuando se acercaba ya a los 30 años, allá por 1935, y enseguida empezó a descollar, entre otras cosas por sus maneras poco maniqueas de abordar los personajes en sus historias, en particular las del género negro. Otto Preminger tenía una personalidad, digamos que bastante fuerte, le iba la discusión, y no tenía ningún reparo en decir lo que pensaba a los grandes de los estudios. Gracias a los éxitos que fue cosechando y a su condición de productor de las películas que dirigía, el director de “Laura” o “Anatomía de un asesinato” pudo preservar bastante su independencia a la hora de elegir temas a veces polémicos y trabajar con quien le parecía oportuno, aunque el momento no fuera el más aconsejable, por ejemplo con Dalton Trumbo cuando el guionista y futuro director de “Johnny cogió su fusil” figuraba en las listas negras del senador McCarthy.

En el caso de “Al borde del peligro” Preminger contó con el guión del escritor Ben Hecht, a partir de la novela “Night Cry” que su autor William L. Stuart resumía así: “Cuando un hombre honrado mata, es evidente que no dispone de escondites, ni de complicidades como un truhán, pero sí tiene una cobertura de primera, su propia reputación”. Es el caso del policía que mata accidentalmente a un mafioso y luego hace todo lo que puede para endilgarle el muerto a otro, la línea divisoria entre buenos y malos, policías y ladrones, es muy relativa.

Preminger reúne de nuevo a Dana Andrews y a Gene Tierney, él con su eterna cara de tristeza y de preocupación estreñida, ella tratada con dosis masivas de muselina en los primeros planos, bellísima, maravillosa como siempre, ¡qué mujer!, es la cuarta vez que la pareja coincide en una película, ronda por allí también Karl Malden en un papel poco relevante.

Si os fijáis bien podréis captar varios gazapos de continuidad en materia de guantes en la escena de la paliza y muerte del héroe de guerra que da pié a todo el lío que se le vienen encima a Dana Andrews, un modesto precursor de “Harry el sucio”.