Ya desde el primer plano, Rebeca no puede evitar rememorar, en un flashback, un viaje junto a su madre, en la que Becky la ninguneaba. Más adelante cuando Becky regrese de su retiro mexicano, la dominación de tantos años se verá claramente en el rostro de una Rebeca, que continuamente parece luchar por contentar a su madre y recoger algunas palabras halagüeñas por su parte (que no llegan casi nunca). Más que madre e hija, hay veces que Rebeca parece su asistenta. Y otras, por la forma de comportarse, pareciera que la madre es Rebeca y Becky la hija. Por todo esto, Rebeca vive en un estado pasivo-agresivo en el que apenas puede llevar una vida “normal”. Su relación matrimonial está acabada, su posición laboral en entredicho (después de su confesión en antena) y sus filtreos con Letal, una drag-queen (Miguel Bosé) tienen un carácter fundacional muy problemático. Es por ello que al final pareciera que Rebeca hasta que no consiga “matar a la madre”, no podrá recomponer su vida y empezar de nuevo. Aún así, el final resulta un tanto forzado y muy magnánimo con el personaje de Becky. Ya que ante la desconocida enfermedad de la madre y posterior fallecimiento, encima Rebeca puede sentir una culpa posterior que no le corresponde y que de todos modos la película deja sin solventar, al tratarse de un final abierto.
Igualmente importante resulta para la trama la aparición del azar y la suspensión de toda verosimilitud. En primer lugar, todo el guión de Almodóvar está repleto de situaciones azarosas que van a ir hilvanando las piezas de la trama. Más azaroso no puede ser que Rebeca coincida con Paula (Cristina Marcos) en el local de revelado y que más tarde, con las dos entre rejas, Paula le confiese la identidad de su novio, que casualmente es Letal. Azar es también que madre e hija hayan tenido relación con el mismo hombre y que el juez (que se desdobla en Letal y en otros personajes) tenga también una relación problemática y represora con su madre. Y derivado del azar surge la necesidad, como espectadores, de no intentar dotar de verosimilitud a lo que estamos viendo. Tacones lejanos no pretende ser una película realista, ni naturalista, sino que pretende crear un mundo paralelo, a través de una iconografía muy española y muy castiza. Comprender que se está viendo algo distinto es fundamental para no desconectar de la ilusión cinematográfica.
Para terminar otro aspecto interesante de Tacones lejanos es su mezcla de géneros. En sus casi dos horas de duración, la cinta transcurre entre el cine negro, el melodrama costumbrista, la comedia e incluso el cine musical. Y junto a esta mezcla, destaca una puesta en escena excesiva y muy colorida en la que sobresalen los tonos cálidos, como el rojo que llevan muy a menudo tanto Rebeca como Letal. Pero no solo es el rojo, los teléfonos son rosas y verdes, las paredes azules y los sofás del color del arcoíris. Además los personajes llevan bolsos de Chanel y largos pendientes. Aunque sin la abundancia de primeros planos que pueblan la película, todo esto se hubiera quedado en una anécdota. Son los primeros planos los que sirven para acentuar el carácter dramático y desmesurado de la trama, sin olvidar su importancia para resaltar las fabulosas interpretaciones de sus dos actrices. Por un lado, Marisa Paredes que está muy regia en su papel de diva ególatra y ambiciosa y por el otro, una Victoria Abril que sufre muy bien en ese papel de hija desubicada que está siempre al borde del ataque de nervios, pero que al final vuelve en sí y toma conciencia de que ella no ha hecho nada malo como para merecer la vida gris que lleva.
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En ese sentido resulta clarificante la secuencia en la que Travis lleva a Betsy, de la que se ha enamorado, a un cine porno y se extraña por la marcha enfadada de ella. Travis es un hombre que no ha llevado a cabo la fase de sociabilización, por la que pasamos todos, y no sabe como tratar a sus iguales. De hecho al final descubrimos que ni siquiera tiene relación con sus padres.

Y siguiendo con esta anhedonia, Travis llega un momento que fruto del despecho, tras la negativa de Betsy a volver a verle, decide darle algún sentido a su vida. Visto es incapaz de afianzar ningún tipo de relación social, Travis decide marcarse el objetivo de acabar con la vida del senador Charles Palantine (para el que trabaja Betsy). Un objetivo que, según sus ideas, le puede convertir en un héroe. Pero no solo se contenta con ese objetivo y también se erige como salvador de Iris (Jodie Foster), una prostituta de trece años que se topa, accidentalmente, con el taxi de Travis. Como espectadores, no somos conscientes de este apego desmedido e irracional que desarrolla Travis por Iris, ya que no conocemos prácticamente nada del pasado de Travis (la película se inicia con Travis en su imponente taxi) e Iris no se muestra solícita con él. Pero la relación surgida con Iris va a ser fundamental para el devenir de los planes del insomne taxista.
Sin duda, Taxi Driver es una película que resulta totalmente actual, especialmente hoy en día, en un mundo repleto de líderes de pacotilla que se piensan salvadores y que utilizan a su antojo todo tipo de artimañas para perpetuarse en el poder, más allá de leyes y de principios. Es recomendable ver películas como esta, para no bajar la guardia frente a los mediocres con aires de grandeza que acechan en cada esquina en busca de su cuota de poder.
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En un primer momento, el plan se sale de lo acordado con la muerte del policía y los testigos, pero cuando Jerry quiere pararlo todo, contento porque su suegro ha aceptado estudiar su negocio, resulta que el viejo le ofrece solamente una participación. Y así ocurre sucesivamente con la negociación del pago de la recompensa, que acabará con sangre, y la captura de los secuestradores, que también deparará sorpresas.
Respecto a los personajes, como he dicho, a ninguno se le puede asignar el papel de víctima o verdugo. Todos son muy ambiguos y en todos, excepto en la policía Marge (Frances McDormand), se pueden ver signos de bajeza moral. Los secuestradores Carl (Steve Buscemi) y Gaear (Peter Stormare) tienen más a flor de piel esa malicia, aunque siempre condimentada con dosis de humor negro y cotidianidad, que hace que parezcan en ocasiones simples tíos desnortados y otras veces crueles matones. Pero el caso de Jerry es el más rico psicológicamente, ya que se nos presenta como un buen americano, con su flequillo, sus formas educadas, su vida aparentemente acomodada y su trabajo en un concesionario, aunque en el fondo esconde una mente manipuladora y maquiavélica, al punto de que parece no sufrir en exceso cuando pone en riesgo la vida de su mujer. Un personaje astuto, de actitud pasivo-agresiva, que se desvela como el más peligrosos de todos. Los Coen parecen querer decirnos que las apariencias engañan y que los más correctos y educados pueden ser a la larga los más peligrosos.  Y más aún, se podría equiparar a Jerry Lundegaard con el Walter White de Breaking Bad. Dos perdedores a los que todo el mundo ningunea (Jerry sufre a su suegro, al cerdo de su jefe que come hamburguesas compulsivamente o a un cliente descontento con el chapado de su coche) y que se van a "echar a perder", dejando su vida gris por la más "estimulante" vida criminal.
Los tres personajes protagonistas comparten una ambición desmedida por medrar, a cualquier precio, que al final Marge pondrá de relieve con la maternal charla que le dirige a Gaear.  Y es que es Marge la única que se salva en Fargo y la que se deja ver como un ser resolutivo y activo, por mucho que esté embarazada. Marge es una mujer independiente y autosuficiente que lidera a su policía local, desde la normalidad y la cercanía. Por muy buena policía que es y por muy delicado que es el crimen que investiga, Marge no se nos aparece como una sofisticada policía que estudia los casos hasta el extremo. Muy al contrario, Marge es una mujer común, que si nos la enseñaran sin uniforme podríamos tildar de ama de casa. Una mujer que almuerza una hamburguesa con su marido y que ve documentales en la cama, hasta quedar rendida. En definitiva, un buen ejemplo de profesional que sabe separar su vida personal de la laboral y que con su agudeza, consigue dejar en evidencia a todos los hombres que la rodean. Desde su marido, que no da signos de gran lucidez, hasta su compañero de patrulla que solamente acierta a decir "bien" o los secuestradores y Jerry, a los que consigue capturar, prácticamente ella solita.
Y por último es relevante mencionar el ambiente gélido y amenazador que preside todo el metraje. Unas localizaciones inhóspitas, con planos largos muy evocadores de los coches por la nieve, que ayudan a introducir al espectador en un ambiente inquietante, al que también contribuye, sin duda, la partitura de Carter Burwell.
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Porque Diane es una mujer fuerte, que aunque tiene importantes dificultades para llegar a fin de mes, no se viene abajo y encara la complicada encrucijada moral a la que se expone, tras el regreso al hogar familiar de Steve, con una gran entereza y dignidad. Desde luego Diane quiere a su hijo, como solamente una madre puede hacer, pero hay momentos en los que las crisis de Steve son insostenibles y Diane tiene que anteponer su integridad al amor de madre. En este sentido es muy significativa la secuencia en la que Steve llega a la casa con un carro de comida y un collar para su madre y ante la negativa de ésta a aceptarlo, ya que sabe que es robado, Steve pierde los nervios y Diane tiene que golpearlo para evitar que la asfixie. Una secuencia, de extrema tensión, clave para la película, ya que tras ella aparecerá, la ya mencionada vecina, Kyla, con su timidez y su falta de seguridad. Una mujer, en principio, totalmente opuesta a Diane, por su carácter más retraído y su profesión como profesora, pero que logrará recuperar la alegría de vivir gracias a los Despres (Diane y Steve) y a las clases que empezará a impartirle a Steve.
Pero por mucho que Dolan se esfuerce por destensar las situaciones y darles un barniz de cotidianidad, Steve está enfermo y finalmente Diane tendrá que actuar, ahondando más en el gran dilema planteado por la película: ¿Puede el amor a un hijo con todo?

Una película, en definitiva, muy recomendable tanto en el plano psicológico como en el puramente técnico, ya que Dolan despliega nítidamente su estilo inconfundible, desde el minuto cero, con multitud de incursiones de canciones pop (memorable la secuencia de Steve subido al carrito de la compra, mientras suena de fondo la canción Color blind), planos estéticamente muy cuidados, un uso expresivo del montaje y el llamativo formato cuadrado que solamente se expande en dos ocasiones, en toda la película. Dos momentos en los que el espectador coge aire para continuar con esta trágica y bella historia.
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