La vida es esa cosa que pasa mientras haces otros planes... decía Lennon. También podría sustituirse la palabra "cosa" por "tiempo".
No nos pondremos existencialistas, simplemente piensa en la vida como la suma del tiempo recorrido más el tiempo que te queda por recorrer.

"El primer día del resto de tu vida" habla de este tema, en concreto relata 5 días de la familia Duval a lo largo de 12 años, elegidos astutamente para repretensar y a la vez crear un sencillo pero sentido homenaje a este paso del tiempo que forma nuestra vida.
Por ello no es de extrañar que comienze con una muerte y finalice con un nacimiento, pero esto es sólo un pequeño detalle de la sutileza y el buen hacer de Bezançon en el papel y tras la cámara.
Rémi no es partidario de crear un mundo utópico ameliano donde se ensalcen las bondades humanas y se obvien sus penurias, prefiere mostrar la belleza de la rosa sin ocultar sus espinas, pues al fin y al cabo la vida lo engloba todo, y para hacer un sincero homenaje no debes dejarte ninguna de sus facetas.

Siguiendo el crecimiento de Fleur, Albert y Raphaël asistimos a la evolución desde la adolescencia hacia la madurez. Hay una excelente metáfora visual sobre la muerte de la adolescencia que particulamente me encantó, y la secuencia del sueño/recuerdo de Moïra también es otro de sus puntos fuertes.

El cartel reza "Esta familia es tu familia" y es verdad que te involucras en sus vivencias, peleas, obsesiones, emociones y risas durante las dos horas de metraje, y por primera vez el famoso eslogan de "más de 1 millón espectadores..." no nos deja pensando en la inteligencia de su público. Es una suerte encontrar este tipo de cine en plena invasión de remakes y precules/secuelas, demostrando que lo que faltan no son ideas, sino huevos para apostar por ellas.
Particularmente yo me quito el sombrero ante producciones de tal calado emocional, que además de tener una gran presencia filmica, incluye una banda sonora de calidad y nos deja apuntando el nombre de Bezançon en la mini chuleta de "directores a seguir".

Bueno, empezaré diciendo que he descubierto que mi niño interior no está muerto, (para saber de qué hablo mirar mis críticas a "Transformers" y "Harry Potter y la Orden del Fénix", por ese orden) es más, vive muy intensamente, simplemente que es algo exigente y no le gusta que le traten como a un "niño". Y paradojicamente ha sido en una película de animación donde lo ha descubierto, aunque en mi opinión es más para adultos que para niños, pues su mensaje, detalles y su duración no creo que sea apreciada por estos. Su factura técnica es inigualable, lo mejor que recuerdo a día de hoy en animación. Personajes entrañables, tanto el protagonista Remy como Gusteau, Linguini, Anton Ego, Skinner o Collete. Desde luego una auténtica ovación para Brad Bird por coger un argumento aparentemente simplón y convertirlo en una historia emotiva, entretenida, profunda, llena tanto de risas como de lágrimas y sobretodo por hacer que caigamos rendidos ante Remy y su arte en la cocina.

Tiene varias frases para el recuerdo como "si te concentras en lo que dejas atrás, nunca podrás ver lo que tienes delante" o "cualquiera puede cocinar", esta última muy buena y complementada por Anton Ego y su maravilloso monólogo final, del cual voy a poner todo lo que recuerdo (si aún no la has visto, deja de leer hasta el siguiente SPOILER)

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* “La vida de un crítico es sencilla en muchos aspectos. Arriesgamos poco y tenemos poder sobre aquellos que ofrecen su trabajo y su servicio a nuestro juicio.
Prosperamos con las críticas negativas divertidas de escribir y leer.
Pero la triste verdad que debemos afrontar es que en el gran orden de las cosas cualquier basura tiene más significado que lo que deja ver nuestra crítica. Pero hay veces que un crítico realmente arriesga algo, y está en el descubrimiento y la defensa de lo nuevo. Cuando Gusteau dijo lo de cualquiera puede cocinar, al principio no entendí lo que decía, ahora comprendo que no todos pueden ser chefs, pero si puede surgir un talento en cualquier sitio" *SPOILER
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Una maravillosa crítica a la crítica misma, para saber apreciar las cosas y no juzgar a la ligera.
Y aparte de sus enseñanzas, entretenimiento y gran factura técnica, deslumbra su banda sonora... recogiendo el toque parisino y trasladando a nuestros oidos la emoción necesaria en cada momento.
Ya la he visto dos veces... de hecho he disfrutado casi más la segunda vez que la primera y en cada visionado me entran y aumentan unas ganas locas de ir a París, contemplar su maravilloso paisaje, bailar sus canciones junto a mi Julie Delpy particular, comer Ratatouille, acoger en mis brazos a Remy y descubrir una vez más que la magia del cine la puede (y debe) apreciar cualquiera.

Cualquier tiempo pasado fue mejor.
Una cita que no es invención de nuestros tiempos, si no que ya se recogía incluso en la Biblia (Eclesiastés, 10,7) o el mismo Jorge Manrique en su obra "Coplas a la muerte de su padre".

Esto puede que nos ayude a entender un poco la añoranza de Woody Allen hacia el París de los años veinte. Y es que... ¿Quién no ha soñado alguna vez con vivir en otra época, soñar un cambio de la situación actual o simplemente eso de 'ojalá fuese otro'? Y es que el ser humano suele ser, por naturaleza, bastante inconformista, caprichoso o envidioso, y lo del vecino nos parece más tentador que lo de uno propio.
Pero innatamente, el ser humano también suele ser impetuoso, vehemente, impulsivo... Y me da la sensación que eso es lo que añora Woody Allen.

Los Fitzgerald, Hemingway, Picasso, Dalí, Bunuel, Cole Porter... Si algo tienen en común, aparte de su indudable talento, es que su arte nace de impulsos, sensaciones y motivaciones interiores que brotan al exterior en arrebatos de genialidad. Y de un impulsivo deseo de pasear de noche por las calles de París, el protagonista de la película, Gil Pender, 'viaja' a su anhelado París de los años veinte, junto a los eruditos literarios, pintores y demás artistas que admira. Y se crea una especia de lucha interior entre el pasado y el presente, lo sensitivo y lo práctico (que bien reflejaría su prometida Inez en la película).

Yo creo que la película no es sólo un alegato del 'carpe diem' sino de algo más vital y necesario, de darlo todo, de seguir el impulso que nace del corazón más allá de la cabeza y del pragmatismo (Gil renuncia a su vida de guionista exitoso que no le llena para escribir novelas, que es lo que verdaderamente desea) y apostar por tus sueños de tal forma que en el futuro las venideras generaciones tengan nostalgia de la nuestra y sirvamos de estimulante a sus mente creativas, así como Gil Pender echaba de menos y se inspira en su París de los años veinte.

Y si de algo estoy seguro, es de que a Woody Allen le echarán de menos.

Es una pregunta retórica, pero creo que define bastante bien la esencia del film de Lanthimos.
Imaginaros un lugar donde los adultos siguieran comportándose como niños, donde todo estuviera rodeado de una burbuja invisible que detuviera a los habitantes de su interior en el tiempo y espacio, en un mundo solamente para ellos, alejado de codicias, marcas, tristezas o perversiones diversas. Pero a su vez, con nula libertad, con unas normas rígidas y una educación adulterada para manipular a su antojo.

Se abre así ante el espectador una especie de fábula grotesca, tan caricaturesca como espeluznante si se reflexiona posteriormente. Se la ha catalogado rápidamente de comedia negra, pues ver a adultos sobrepasando la treintena comportarse como niños siempre es cómico, pero yo veo más un drama psicológico, todo es cuestión de percepciones.
En cualquier caso, lo indudable es que estamos ante una película atípica, transgresora y que no deja indiferente. Difícil de recomendar pero que si se entra en su juego, se puede degustar el amargo plato que ofrece. Tiene muchos matices, lo que le hace ganar enteros, ya que cada espectador le dará su propia explicación a los hechos ocurridos, no hay una narración férrea que justifique los mismos.
Si conectas con la propuesta, mientras pasan unos austeros títulos de crédito finales, disfrutarás reflexionando y repasando activamente en tu cabeza todos los detalles, mientras sigues mirando fijamente atónito y sin habla la pantalla.

El siete de mi nota se corresponde a la media entre los dos últimos cortometrajes, ya que los dos primeros son tan nefastos que he decidido no valorarlos, porque sino la media sería de 5 y quería recomendar la película, aunque sea sólo por el corto de Rodríguez, como ya comentaré más adelante.

Las notas de cada corto serían:

"The Missing Ingredient" de Allison Anders: 2 (malo de rabiar)
"The Wrong Man" de Alexandre Rockwell: 4 (no llega al aprobado, bastante irregular, y siendo un corto...)
"The Misbehavers" de Robert Rodríguez: 8 (el mejor sin duda)
"The Man From Hollywood" de Quentin Tarantino: 6 (está curioso, se puede ver)

No os desaniméis por tan flojo comienzo con los cortos de Anders y Rockwell, lo que viene después merece la pena. Los suyos más que nada sirven para aumentar intensidad al día de perros que le ha tocado al pobre de Ted, el botones.

En "The Misbehavers", un desatado Antonio Banderas haciendo de un mafioso mexicano, deja como encargado de sus hijos a Ted, el botones (que curiosamente deja de ser un personaje estúpido para ser carismático, lo que hace la dirección de actores...) y pronto verá que cuidar de esos pequeños diablos será lo peor que le ha podido pasar.
Realmente divertida, con tensión creciente sobretodo cuando vemos que regresa Banderas, con un final genial que deja un cuadro para enmarcar.
Es por culpa de este genial corto que he decidido no valorar los dos anteriores y así darle un 7, para recomendarlo a todo el que lea esta crítica, merece la pena.

El corto de Tarantino es una buena forma de terminar la película, baja un poco comparándolo con el de Rodríguez, pero mantiene el tipo, y desde luego termina cojonudamente, como Tarantino sabe hacerlo.
Una curiosa película para verla un día para desconectar, o para admirar esa primera vez que Rodríguez consiguió superar a su colega Tarantino (la segunda vez vendría en el proyecto "Grindhouse")