Contiene escenas memorables mezcladas con otras un tanto tediosas que hacen que durante las tres largas horas de duración, estemos haciendo “la goma”, conectando y desconectando con la historia constantemente.

La primera hora consiste en una interminable presentación de los personajes tomando como escenario la boda de uno de ellos. Es cierto que el hacer un minucioso retrato de los protagonistas permite después detallar con precisión la evolución de cada uno de ellos tras su paso por el Vietnam, pero aunque algunos de estos momentos iniciales resultan divertidos, otros aportan muy poco y resultan demasiado pesados llegando incluso a aburrir, algo que a muchos no les molestará demasiado, pero que otros no podrán perdonar. Sin duda, el gran defecto de la película es que algunas escenas se alargan de manera innecesaria y otras resultan prescindibles.

La segunda parte comienza con un giro espectacular, tanto de ritmo como de intensidad. Sin previa introducción nos muestran las barbaridades de la guerra con toda su crudeza. El impacto en el espectador es brutal, y para ser justos hay que decir que ese efecto se debe en parte al hecho de que tras el largo inicio de la película hemos simpatizado con los protagonistas, lo cual produce que sintamos su dolor de una manera mucho más directa. El resultado es que el drama traspasa la pantalla haciendo que lo vivamos intensamente. Esa es sin duda una de sus virtudes más apreciables.

El resto transcurre de manera irregular, de nuevo alternando momentos un tanto anodinos por la inclusión de escenas innecesariamente alargadas, con otras muy emotivas en las que se intenta hacer balance del demoledor efecto que produce en el hombre el haber vivido una experiencia tan amarga. Difícil recuperar esa magia que sólo existe cuando uno vive con la inocencia de desconocer el lado más oscuro y enfermizo del ser humano.

8 Oscar. Casi nada. “Testigo de cargo”, “Cadena perpetua”, “En el nombre del padre”, “Erase una vez en América”, “Blade Runner”, “La naranja mecánica” o “Senderos de gloria” no se llevaron ni medio. “Trainspotting”, la obra mayor de Boyle no los vio ni de lejos, aunque tampoco tenía el perfil adecuado. Plantearlo así es hacer un análisis demasiado simple e injusto, pero no deja de ser significativo lo caro que estaba un Oscar en 1995 (Cadena Perpetua, Pulp Fiction, Forrest Gump…) con lo que lo estaba en 2009.

“Slumdog Millionaire” es una buena película, rodada con un estilo muy peculiar como suele ser habitual en los trabajos de Boyle, al que siempre hay que agradecer el intento de ofrecernos algo diferente. Con un ritmo endiablado narra la vida de unos jóvenes en los barrios marginales de Bombay, mientras que paralelamente nos cuenta la intervención de uno de ellos en el concurso “¿Quieres ser millonario?”, que sirve de metáfora para mostrar como la suerte puede marcar nuestras vidas, más aún cuando lo que toca es nadar en la miseria.

A pesar de mostrarnos imágenes realmente sobrecogedoras, la película no intenta transmitir un mensaje pesimista. Parece como si los protagonistas acostumbrados a vivir toda clase de desgracias y de ver de cerca el lado más cruel y enfermizo del ser humano, se adaptasen a vivir en mitad de la tragedia con naturalidad, sin perder la ocasión de sacarle el sentido positivo a la vida y de saborear los buenos momentos. Quizá “lo bueno” se aprecia mejor después de haber vivido “lo malo”.

De impecable factura técnica, con un sonido espectacular y una fotografía soberbia se muestra perfectamente los contrastes de la India. Su colorido, su exotismo, su belleza, su encanto y también su miseria. Danny Boyle siempre consigue para sus películas una correcta atmósfera y una estética atractiva, algo común en todos sus trabajos, incluso en aquellos que corrieron la suerte de ser vapuleados por la crítica como Sunshine o La Playa.

Después de ver la interpretación del desconocido elenco de actores incluyendo a los niños, y después de haber visto otras actuaciones como las de “Ciudad de Dios” o “Gomorra” en la que muchos actores ni siquiera eran profesionales, uno se pregunta si a veces no exageramos el mérito en el trabajo de algunas de las vacas sagradas hollywoodienses. Me pregunto a que academia habrán ido estos niños que logran bordar de esa manera sus personajes.

-Sigue en "spoiler" por falta de espacio. No se desvela nada-

There's no time for us.
There's no place for us.
What is this thing that builds our dreams,
Yet slips away from us

Who wants to live forever?
Who wants to live forever?

There's no chance for us.
It's all decided for us.
This world has only one sweet moment set aside for us.

Who wants to live forever?
Who dares to love forever?
When love must die


Imposible leerlo sin que te venga la melodía de la canción… Para algunos, uno de los más bellos momentos del cine de los ochenta.

Película en la que coinciden una fotografía preciosa y una de las mejores bandas sonoras de la historia. Todavía hoy resulta un magnífico espectáculo audiovisual las escenas en la que Ramírez enseña a McCloud el uso de la espada en las highlands escocesas.

Una historia emotiva, mágica, que siendo sinceros resulta algo infantil y superficial, y que hay que ver con filtro pues al argumento en ocasiones le falta rigor, al fin y al cabo las pretensiones estaban mucho más cerca de lo comercial que de lo artístico. Pero una generación entera de ahora treintañeros la vimos siendo niños y nos maravilló. Los mismos que ahora la vemos con una nostalgia especial, que quizá nos hace puntuarla con dos puntos más de lo que realmente se merece viéndola de forma objetiva veinte años después. Imposible ser coherente cuando uno sigue bajo el hechizo del sonido de las espadas y de la música de Queen. Poco importa que las posteriores secuelas hayan sido realmente patéticas, y que Russell Mulcahy haya sido incapaz de dirigir después algo decente. Ésta le salió mágica, y eso es lo que importa.

Entiendo perfectamente a los frikis de “La guerra de las galaxias”. Y a los frikis de otras cosas. En realidad, todos somos frikis de algo. Yo lo soy de “Los Inmortales”, me gusta y todavía me emociona.

¡Sólo puede quedar uno!

Honesta y sincera con el relato y con los personajes. Como siempre Aronosfky busca algo muy personal, diferente, alejándose de los estándares del cine comercial que trata de agradar a la máxima audiencia posible. Un tipo valiente que no parece haberse amedrentado con la posibilidad de que parte de la crítica y del público tache su trabajo de ridículo, tal y como ocurrió con “The Fountain”. En esta ocasión presenta una película bastante más digerible, pero sigue manteniendo un estilo que será apreciado principalmente por una minoría hastiada de ver cientos de películas cortadas por el mismo patrón. No parece que vaya a ser capaz de llegar al público en general, pero está claro que tampoco lo pretende.

¿Cómo logra Aronofsky desmarcarse de los convencionalismos del cine de masas? Siendo fiel a la historia, tratando de mostrarla con el mayor realismo posible, sin usar la típica retahíla de situaciones forzadas que buscan impresionar al público a cualquier precio. Además muestra escenas poco comunes en el cine convencional. Si Rourke tarda un minuto en llegar caminando del vestuario al ring, el plano dura ese mismo tiempo, filmando la espalda del protagonista y moviéndose al ritmo de sus zancadas. Si Rourke sale a correr, la cámara sale tras él dando saltos para dotar la escena de un mayor realismo. ¿Funciona este tipo de cine? A medias. Esos movimientos marean y a veces resultan incomodos. Terminas deseando que el objetivo se aleje un poco y se utilice un trípode. A mucha gente este estilo de filmar le parecerá irritante.

La historia es estremecedora. No sólo por su crudeza, sino por lo convincente que resulta. Tanto es así que parece un documental rodado con la cámara al hombro. La situación del personaje de “Randy” no es la más lamentable que hayamos visto, pero impresiona por parecer real y precisamente ahí radica el mérito de la película.

¿Cuál es la aportación de Rourke en todo esto? La interpretación es correcta, pero el éxito de transferir al espectador esa pretendida sensación de desolación, se debe en gran medida al paralelismo que existe entre el Mickey Rourke de la vida real y el personaje que interpreta. Resulta inevitable hacer comparaciones con aquel sex symbol que hace 20 años estuviera en la cresta de la ola del cine internacional. Ese “efecto desolación” está conseguido sin que haya sido imprescindible realizar una actuación perfecta. Por eso tengo mis dudas de si realmente la interpretación ha sido tan redonda, o simplemente lo redondo ha sido el trabajo de casting y la elección de Rourke para este papel. También parece acertada la elección de Marisa Tomei para el papel de streaper, que además de haber recibido excelentes críticas por su trabajo está bellísima.

Una de las películas más influyentes de los últimos años:

- La música sigue sonando en los bares y en la radio. Las tiendas de discos todavía venden la B.S.O.
- La gente sigue repitiendo “Soy el Sr. Lobo, soluciono problemas”, “No empecemos a chuparnos las pollas todavía”, “Tu sabrás que mi nombre es Yavé, cuando mi venganza caiga sobre ti”, "¿No odias esos silencios incómodos? ¿Por qué necesitamos decir algo para rellenarlos?”, “Con tu permiso, me voy a casa a tener un ataque al corazón”.…
- ¿Cuantos fragmentos de la película se siguen reproduciendo en Youtube?
- Todavía se ve a gente “de marcha” bailando el Twist de Thurman y Travolta.
- Todo el mundo recuerda el chute de adrenalina; la violación de Marsellus Wallace; a Butch eligiendo arma en la tienda …
- Aún nos reímos con sus frases: "Tocarle los pies a su mujer o darle lengüetazos en su sagrado agujero, no es el mismo juego ¿comprendes?. No es la misma liga, ni si quiera es el mismo deporte"; "Estoy a veinte minutos de allí. Llegaré en diez"; "Mira, tú has sido el que ha traído una zorra moribunda a mí casa, así que tú le pones la inyección. El día que yo traiga una zorra moribunda a tu casa, se la pondré yo"; Vincent Vega diciéndose: “Ahora sales ahí fuera, te tomas tu copa, dices "buenas noches, he pasado una velada muy agradable”, te vas a casa, te haces una paja y eso es todo"; "Que seas una personalidad no significa que tengas personalidad"; "Tal vez la rata de cloaca sepa a caviar pero no lo sabré nunca porque no como animales asquerosos. Los cerdos duermen y buscan su comida entre la mierda. Si no saben distinguir sus excrementos como voy a comerlos."

Marcando estilo:

- Montando desordenadamente la historia. Un recurso utilizado después en decenas de películas.
- El protagonismo otorgado a escenas sobre temas triviales hubiese sido impensable años atrás. Por ejemplo, las conversaciones antes de las matanzas. Hablan sobre masajes en los pies, sobre el tipo que rayó el coche a Vincent, sobre la comida basura...
- Demuestra que unos diálogos brillantes marcan la diferencia incluso en las películas de acción y violencia. Unos buenos efectos especiales se consiguen con dinero, pero para conseguir unos diálogos de tanta calidad, además de dinero necesitas a un crack que esté atravesando el momento más inspirado de su vida.

No es una película cargada de momentos geniales. Es una genialidad en su totalidad, sin apenas altibajos. Cuando se estrenó rompió con todo. Por aquél entonces, no se conocían moldes capaces de dar forma a un producto similar. Nadie salió del cine con indiferencia, hasta los que ya habían probado la receta con “Reservoir Dogs” se vieron sorprendidos por el talento mostrado en “Pulp Fiction”. Incluso ahora que se ha perdido el efecto novedad sigue siendo una película grande.

Te puede gustar o no, pero nadie duda de que Tarantino ha creado un estilo digno de ser estudiado en un capítulo aparte. Y “Pulp Fiction” es su obra cumbre.