Allá donde termina el mar, entre el cielo y la línea del horizonte, se encuentra el país de Neriyakanaya (fuente de abundancia): destino mítico, donde van las almas de los muertos a disfrutar de una nueva y feliz existencia.

Para los habitantes de la isla japonesa de Amami, la línea entre la vida y la muerte es extremadamente difusa. Vida y muerte están conectados a través de los dioses de la naturaleza: el mar, las montañas, los árboles, las plantas, el agua…

La muerte de un ser querido es la separación temporal en el flujo global de tiempo. Por eso no hay duelos ni lutos, sino exaltaciones de alegría. Los más allegados se reúnen en torno al moribundo mientras cantan y bailan danzas rituales tan antiguas como el propio tiempo.

La directora japonesa Naomi Kawase, continúa la exploración de unos temas que han estado presentes en sus películas anteriores: la vida y la muerte , la simbiosis entre el hombre y la naturaleza , los recuerdos de un lugar, el ciclo de la vida que va y viene.

En una entrevista realizada durante el festival de Cannes, la directora japonesa analizaba las razones que la llevan a insistir sobre los temas argumentales de sus películas: “Durante un largo tiempo sufrí la desaparición de personas muy amadas. Afortunadamente tuve la suerte de encontrar un medio de expresión y de reflexión a través del cine, y creo que he encontrado mi lugar. Esta película es un punto de inflexión en mi vida y mi carrera como cineasta. Estoy segura de que sólo podría haber hecho esta película en este preciso momento”.

A pesar de lo que se podría suponer por su argumento, “Still the water” no es una película ni triste, ni melodramática. Naomi Kawase huye de la sensiblería y la lágrima fácil, para contextualizar el drama en la más elemental filosofía de la vida: si todos vamos a morir, por que no aprender a aceptar la muerte como algo tan inexcusable como la propia vida. La secuencia de la muerte de la madre de Kioko, está tan prodigiosamente rodada, con tanta sensibilidad, que es difícil no sentirse embriagado por la emoción de las imágenes. Yo, firmaría sin dudarlo, una muerte tan hermosa.

CRITICA

Por muy difícil y ambicioso que parezca el propósito, Naomi Kawase consigue realizar una película tan esplendorosa, que de seguro no tardará en ocupar un lugar de honor en las cinematecas de todo el mundo. Durante su pase en el festival de Cannes (2014) la prensa acreditada que asistió a su proyección, le dedicó una de las mayores ovaciones que se recuerdan.

El virtuosismo con el que la directora rueda los planos de la naturaleza es asombroso, convierte las secuencias en auténticos haikus visuales: el mar, las rocas, la vegetación, el viento que mece las higueras… La belleza y el lirismo de las imágenes , sumado al tempo justo del montaje, consigue recrear una atmósfera envolvente. Todo fluye con equilibrada armonía, como ese mar hipnótico en el que bucean, desnudos y de la mano, Kioko y Kaito: ¡una escena antológica!

Si los resultados técnicos de “Still the water” son extraordinarios, no lo es menos en el apartado interpretativo: todos los actores están inmensos. No hay poses extrañas, ni miradas dubitativas, ni asomo de impostación o histrionismo. Los personajes están llenos de vida interna, y lo expresan a través de las miradas, de los silencios, de la contención del gesto. Los jóvenes Nijiro Murakami (Kaito) y la deliciosa Jun Yoshinaga (Kioko), nos regalan una interpretación que ya quisieran para si, muchos de los insignes licenciados de la academia neoyorquina Actor’s Studio.

Desgraciadamente, muchos de los que leéis estas líneas no tendréis la oportunidad de ver “Still the water” en una pantalla de cine. El estreno en España aun esta pendiente de fecha y con seguridad, su lanzamiento se limitará a Madrid, Barcelona y vete tu a saber si a alguna ciudad más. Los que vivís en alguna ciudad con festivales o muestras de cine, a lo mejor tenéis suerte y cae en alguna programación. Para los que no tenéis esa suerte, esperemos que alguna plataforma de cine online la incorpore en su catálogo.

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Meritxell Colell Aparicio retrata con tanto respeto y admiración a la naturaleza, que esta le devuelve agradecida sus excelencias. “Con el viento” es un soplo de aire puro, un oasis necesario entre tanta polución visual. Cocinada a fuego lento, al calor de esa leña que Pilar, la madre de Mónica, corta a la puerta de la casa: la cotidianidad de la vida rural está presente en cada plano: la naturaleza, los trabajos del campo, las casas centenarias con sus muros de piedra, la partida de brisca al atardecer. La utilización de elementos propios del documental resultan del todo convincentes y están tan bien integrados en la ficción, que en todo momentos nos creemos como real, lo que la joven directora catalana nos cuenta.

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Desgraciadamente no estamos ante una cinta política de ficción distópica, tipo “1984”, “Metrópolis” o “Gatacca”. Tampoco es una nueva serie de espionaje, nacida de las plumas prolíficas de John Le Carre o de Frederick Forsyth. Lo que la directora norteamericana Laura Poitras nos desvela en su documental “Citizenfour”, es el atentado a los derechos fundamentales más abyecto que un gobierno democrático ha cometido contra sus ciudadanos. Y no, no hablamos de estados totalitarios liderados por despóticos dictadores, no. Estamos hablando de del país que más presume de libertad, los EEUU de América.

Durante más de cuatro meses Laura Poitras estuvo recibiendo mensajes encriptados de “Citizenfour”. En ellos, el anónimo informante iba añadiendo datos y aportando pruebas sobre el espionaje masivo de la NSA (Agencia de Seguridad Nacional) norteamericana. En un correo electrónico de febrero de 2013, "Citizenfour" dice conocer cuales son las empresas de telecomunicaciones más grandes de los EEUU que suministran los datos a la NSA, traicionando la intimidad de sus clientes. Tiene pruebas: –“Estamos construyendo la mayor arma de opresión en la historia del hombre. Sin embargo, sus directores se eximen de responsabilidad. El director de la NSA, Keith Alexander mintió al Congreso, puedo probarlo. Miles de millones de comunicaciones de Estados Unidos están siendo interceptadas. En la recopilación de pruebas de irregularidades, me he centrado en el maltratado pueblo estadounidense, pero créeme cuando te digo que la vigilancia bajo la que vivimos es un privilegio en comparación a como tratamos al resto del mundo”-.
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No se si será por que todavía tengo muy vivos los genes rurales de mi familia, pero “Rams –El valle de los carneros” se me hace muy próxima. A pesar de la distancia geográfica que nos separa y de la diferencia de carácter que tenemos los latinos con los escandinavos, me siento cercano a esos dos seres tan enraizados a la tierra donde nacieron y a las costumbres ancestrales de sus antepasados. Es muy de agradecer que una película como ésta llegue a las salas de los cines con programaciones en versión original, y de rondón se cuele en algún centro comercial de pestilentes palomitas: un Valium contra los cromas, un tila sedante y reparadora de histrionismos de superhéroes y helicópteros en llamas, un balido sereno de una oveja que olvida por un momento que vive en un mundo de lobos.

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Hoy 29 de septiembre de 2015, se cumplen 15 años del estreno comercial de una de las mejores películas del siglo 21. Este es mi homenaje.

Un hombre se detiene ante un pequeño agujero abierto en una de las colosales paredes del templo de Angkor Wat (Camboya). Un viento ligero agita débilmente las telarañas adheridas a la piedra milenaria. El hombre pasa su dedo con devoción por la superficie del agujero: en realidad es un gesto vehemente, un ruego al dios Vishnú, una súplica de liberación de un dolor lacerante, por un amor que el destino no tuvo a bien conceder. El hombre aproxima su rostro circunspecto al agujero y humildemente exhala su imploración al corazón de la piedra. Un tapón de tierra y hierba sellará el secreto. En ese mismo instante, todo queda sometido al designio benevolente de Vishnú.

Para aquellos que no habéis visto esta maravillosa película del director chino Wong Kar-wai, he de deciros que la descripción de la acción con la que comienzo esta reseña, no es parte de la sinopsis de “Deseando amar”. Tampoco corresponde a un acto del principio de la cinta. Es el final: así termina una de las mejores películas que ha dado la historia del séptimo arte.

No temáis, no se puede destripar su final, porque el final nos lleva implícitamente al principio; porque “Deseando amar” llega a nuestro subconsciente para quedarse, para deshacerse y reinventarse una y mil veces, para ser degustada como la música más sublime o la poesía más excelsa. Olvidaros del convencionalismo de las estructuras del guión clásico: desarrollo, nudo y desenlace. Olvidaros incluso del guión, porque Wong Kar-wai rompe las páginas de todo lo escrito. No hay historia, porque no hay amor: hay deseo de amar y eso no es visualmente explícito, eso es un sentimiento que transciende y que llega muy adentro.

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