Hablar de Manhattan, es hablar de otro film con un guión supra meditado y escrito por Woody, para la presencia arrolladora de su propia actuación, centrado absoluta y completamente en él, cual denotativa autobiografía en diversos elementos, como su incansable alusión psicoanalítica de la vida, de las relaciones sentimentales, la inestabilidad emocional, sus alardes de sex-appeal, muestras de temores, amor a la literatura, al cine y por supuesto su eterna obsesión con la Gran Manzana y las grandes ciudades europeas.
En el caso de Manhattan, la fotografía es melancólica, no tan cálida y luminosa como sus futuras películas, independientemente de que sea de sus películas en blanco y negro. Alto porcentaje es en interiores donde resaltan los claroscuros que se adosan genialmente a la emocionalidad de los personajes creando los ambientes requeridos de aire melancólico perfectamente. Eventuales ambientes que muestran la supuesta iluminación con velas o pequeñas lámparas, o el aire romántico del museo en el ambiente lunar.
Todo este aire melancólico, es perfectamente marcado por un ritmo más bien lento que acelera en pocas oportunidades junto a las emociones, como la rápida caminata por la calle hacia la habitación de la ex novia de Isaac, logrado con una edición muy natural, que juega con diversos planos sin grandes saltos y pura y perfecta continuidad secuencial plano tras plano.
En el arte como siempre hay las permanentes alusiones a la literatura con libros por todas partes incluso en los baños, resaltando incluso algunos títulos y autores, como Papillón en la desordenada biblioteca de la protagonista. También se quiere denotar el amor de Woody al arte, al cine, al psicoanálisis.
En este film Woody apostó a una banda sonora muy orquestal y deliciosa que no satura toda la cinta sí, sino que es más bien puntual pero clave en la denotación de los sentimientos y emocionalidad de los personajes en momentos claves de la película.

Sin llegar a ser una obra maestra de Allen ni mucho menos, es mas bien una algo pobre en un guión que conjuga sobre un mismo escenario como la ciudad eterna, cuatro relatos a modo de una seudo antología de historias cortas con corte romántico, mucho de realismo poético y mágico sesentoso, que relata situaciones cotidianas algo prosaicas y bastante triviales, con presencias ocasionales de narradores omniconocedores que se diluyen a lo largo del film.
Las actuaciones en general son muy sencillas, no hay ni muy buenas ni tampoco fatales, resaltando tal vez un poco Baldwin por su peso y fuerza actoral, y el mismo Allen con su ritmo arrollador y atestado, por lo demás es bastante plano.
Particularmente la fotografía guarda la excelencia de todos los films de Allen, con mucho brillo, amarillos y dorados, que resaltan la nitidez de cada escena, donde se muestra una ciudad evocadora como todas las que Allen muestra con no poca nostalgia, como si en plan de promoción estuviera de las tales ciudades.
La dirección de arte es perfecta, tratándose de una ciudad como Roma tan europea, turística y cosmopolita, tanto en locaciones interiores y exteriores. No hay rastro que denote discordancia a la contemporánea Roma que se dibuja.
Un montaje algo complicado, casi arrítmico en toda la cinta, bastante lineal en el desarrollo de las situaciones paralelas que presenta.
Una película que como todas las de Allen, están cargadas de su ritmo y estilo personal, con alusiones y citas literarias, su toque psicoanalítico y moralejistico acostumbrado.

Un film que si bien no tiene interpretaciones excepcionales, y donde resalta una secundaria, tiene la fuerza de las grandes figuras de Bardem y Penélope, quien además se endosa un Oscar por su papel, además claro de la belleza y sutil ingenuidad de La Johansson, apoyados por una recreación que hace justicia majestuosamente de la ciudad de Barcelona al mejor estilo de Allen.
La ciudad Catalana es maravillosamente dibujada por una fotografía que la engalana con mucho brillo y fuerza de dorados y amarillos, que la hacen tan evocadora como un comercial turístico catalán de promoción de la ciudad, además la banda sonora no pudo ser mas acertada con esos toques de guitarra y voz algo ligeros europa-tropicalizados que acompañan muchas secuencias mientras los protagonistas pasean, viajan o disfrutan de la ciudad…
En la dirección de arte no hay desatino con las edificaciones, locaciones, colorido, decoración y detalles de las casas y lugares interiores donde se desarrollan los hechos, que denotan lo español, lo catalán, así como el vestuario claramente libre, distendido, bohemio, turístico de todos los personajes.
Una película que lleva un montaje muy simple y secuencial, sin grandes pretensiones, marcando un ritmo muy natural pero engranado a la perfección.
Todo lo anterior acoplado bajo las líneas de un guión excelente, que si bien es bastante irreal y creíble en las vivencias que desarrollan los personajes liberal y onerosamente hablando, por ejemplo, es plenamente aceptable al tratarse de una magnífica comedia romántica Woodiana. Un guión en que tal vez, la narración en off que acompaña a casi todo el film, mas que agregarle le resta valor, pues es como llover sobre mojado, o al punto de un chiste explicado, hablando en criollo venezolano. Las acciones de cada cuadro del film hablan por sí solas, sin necesidad de agregarles tal ingrediente explicativo…
En fin, un film que, superadas la primera vista garantiza una siguiente muy disfrutada, pues tiene muchos ingredientes emocionales, sentimentales, morales que no todo espectador entienda y acepte de entrada de buenas a primeras. Un gran film.

Una película obligada para cinéfilos y aficionados, que si bien se ha considerado lo mejor de Allen pues lo catapultó y cotizó con una sartada de premios a nivel mundial incluidos nada mas y nada menos que cuatro oscar, incluso nominado entre ellos a mejor actor, y que representó además su propia recreación como creador (mas que como actor), creo que esta muy sobrevalorada tal vez por lo que significó en su estreno; hay creaciones que con el tiempo son mas grandes y perdurables, tal vez Annie Hall perdure, pero cada vez la veo menos grande.
Annie Hall esta presente un excelente guión, quizá diría, demasiado guión, y es un guión basado profundamente en el diálogo, y más aun en un dialogo en el que Allen no deja de hablar, y es una retahíla de palabras y palabras, chistes, frases, como decir, una carreta suelta donde no hay oportunidad de captar todo lo que sale de la boca de aquel hombre, sin quitarle con esto profundidad a lo que dice con tales palabras, pero es demasiado arrollador, y esto es algo que aturde en cierto modo, sin ofender a los Woody Allianos.
La película es todo un tratado psicoanalítico de las relaciones de pareja y de la vida misma tratado de una forma exquisita con el aderezo de la comedia Woodiana, pero, pero, tal vez se peca algo o mucho en la dosis, la cual llega a ser sobredosis, y todos los excesos son dañinos. En fin pudiéramos utilizar la cinta para estudiar y hacer tesis de la relación de pareja vista de diversos aspectos, pero para algunos gustos está sobre saturada.
Diane Keaton desarrolla una interpretación tan exquisita como su belleza y lo que transmite su personalidad, sin reducir a Allen, gracias a dios Keaton reduce lo arrollador del casi monólogo del personaje de Allen.
Es una película en la que Woody quiere decir muchas cosas, hablar de muchas cosas, mencionar mucha gente, personajes, autores, citas que solo hubiese necesitado un poco de sobriedad para perdurar en el tiempo como obra maestra, tal vez mejor logrado con Owen Wilson en Midnight in Paris, solo para decir que no la considero su mejor creación, pero si una en la que se vale de recursos irreverentes como hablar con la cámara, o toques surrealistas como el de el desdoblamiento del cuerpo de Annie mientras hace el amor con Alvyn, o la escena de la cola en el cine, o el recurso de los dibujos animados y los flash back originales y creativos a todo lo largo de la película.

El gabinete del doctor Caligari, se dice, es una de las películas pioneras del cine de terror iniciado en los años 20, y que de hecho abre la época del caligarismo, enmarcado profundamente en el expresionismo alemán que se materializa en este film en el trabajo de escenarios claroscuros y lúgubres, luces; las formas un tanto psicodélicas de las puertas y las ventanas, las figuras pintadas en paredes y pisos, con seguridad queriendo reflejar la angustia, las emociones y sentimientos encontrados, confusiones y conflictos internos del ser humano según lo hace el expresionismo en la pintura, lo que le da a la película ese tono siniestro y macabro, enfatizado plenamente con la música utilizada, que induce a la ansiedad a lo largo del film.

La película rompe doblemente con el plano del tiempo, haciendo flash back para denotar lo ocurrido en el pasado, y dar sentido a los hechos, que tiende a confundir al espectador, para mostrar al final, la locura oculta inicialmente, de quien narra la historia que se desarrolla en la pantalla. Este elemento pudiera denotar en la época alemana de entonces, la insanidad de quien cuenta la historia de la guerra, recordando que quien gana es el que escribe la historia no precisamente como fue sino como se quiso que fuera guardado en la memoria de los perdedores como nación.

Como cine expresionista, muestra de forma cruda sentimientos, emociones, pasiones, desenfrenos del hombre a veces degradantes, reflejada en las patologías psicológicas profundas de los protagonistas, en esto igualmente parte de la situación alemana de postguerra que terminará encumbrando a Hitler en el poder.

Otro elemento clave es la notoria manipulación del sonámbulo por parte del doctor Caligari y que viene a ser la premisa de la película; la manipulación de los débiles de conciencia, por parte de los poderosos o poseedores del poder o el saber, en este caso el dominio de la información sobre los sonámbulos por los profundos estudios enfermizos del doctor Caligari, y su obsesión por comprobar que es posible inducir a los individuos en estado sonámbulo a cometer actos que en plena conciencia no realizaría. Caligari es mostrado en el transcurso de la película como un tipo normal, demente, macabro y criminal en sus varias facetas, pues la película se cierra con un doctor Caligari como director del psiquiátrico, como claro reflejo de la época que vive el creador.