Sin duda la peor película de mi admirado Peckinpah, con un ritmo muy lento y un final sencillamente lamentable. Parece mentira que estemos hablando del mismo tipo que firmó obras maestras como Grupo Salvaje o Perros de paja.

Para realizar la película que para muchos pone punto y final al cine negro americano, el gran Orson Welles cogió una novela sin pretensiones y la convirtió en una obra maestra.
Ya desde el principio vemos claramente que se trata de una joya irrepetible: el célebre plano-secuencia (con la cámara situada en grúas que van siguiendo el coche con la bomba) orquestado por la música de Henry Manzini, da comienzo a un film en el que Welles da rienda suelta a toda su técnica. Abundan en la cinta los grandes angulares y los planos picados y contrapicados especialmente para contemplar a la oronda figura de Quinland desde abajo, acentuando su prepotencia (destaca sobre todos el plano contrapicado en el burdel, con Welles en primer término y una cabeza de toro en la pared). Encontramos reminiscencias del expresionismo alemán en la cuidada fotografía de Russel Metty, a través del juego constante de luces y sombras que acentúa el clima de tensión.
Mención aparte merece la fulgurante aparición en uno de sus últimos papeles de Marlene Dietrich, cuya penetrante mirada, llena de una belleza decadente, parece capaz incluso de atravesar la cámara

Notable adaptación de la vida del cantaor en la linea de otras biografías de músicos como "Ray" o la aún no estrenada sobre Johnny Cash. No soy devoto del flamenco pero reconozco que hay que ser de piedra para no emocionarse con algunos de los temas que aparecen en la película (especialmente durante la actuación en París). Jaenada está de diez, metiendose por completo en la piel del Camarón, con el que además guarda un parecido físico espectacular. Lo más flojito seguramente sea la parte de la infancia y primera juventud, que no aporta nada y roba unos metraje que podía haber sido utilizado para profundizar más en el último periodo (para mí el film debería comenzar con su llegada a Madrid).
En la sala donde la ví había varios gitanos que acabaron completamente emocionados aplaudiendo a rabiar lo que nos da una idea de lo que significa el personaje para ellos.

Aunque “Luz que agoniza” fue dirigida por George Cukor, bien podría haberla filmado Alfred Hitchcok puesto que el ambiente de tensión y suspense continuos, nos recuerdan bastante al cineasta británico.
Cukor demuestra en su manera de filmar una clara influencia del expresionismo alemán con reminiscencias de Fritz Lang o Murnau, sobre todo en el genial tratamiento de luces y sombras. Como ocurría en ese cine alemán de los años 20, los decorados son parte fundamental de la película: en este caso la sombría mansión victoriana en la que se desarrollan la gran mayoría de las escenas, se convierte casi en un personaje más sin el que es imposible entender el film. Dentro de esa lúgubre casa, las sombras se multiplican por doquier, creando una sensación sumamente claustrofóbica que acentúa la locura de Paula.
Por otro, lado, todos los actores están inspiradísimos en sus papeles destacando el duelo interpretativo entre el malvado Gregory (Charles Boyer) y el sagaz inspector (Joseph Cotten). Boyer logra darle a su personaje un aire tan inquietante que desde el principio sabemos quien es el malo de la película. Por contra, Ingrid Bergman está genial en su papel de mujer frágil y desvalida, apareciendo ante el espectador casi como un animalillo asustado. Entre el resto del reparto, hay que señalar el debut cinematográfico de la excelente Angela Landsbury en su papel de sirvienta descarada.

Impecable en la recreación histórica y bastante acertada en el planteamiento general aunque algo lenta por momentos. El guión flaquea aunque lo salva la magnífica ambientación. Orlando Bloom flojito, en su papel de héroe. Le falta aún peso específico para emular al genial Russell Crowe de Gladiator