Interesante perspectiva sobre todo un período de creación artística fuera de serie. Poniendo el foco en las características específicas del lugar, Laurel Canyon, descubrimos así como la vecindad de aquellos acomodados diletantes influyó en sus genialidades y en sus fantásticos hallazgos sonoros, plasmados en vinilos que no pueden, como aquella era, volver a repetirse.

Interesante también poner en paralelo a las dos generaciones, la de los mitos y la de los herederos que nunca llegarán a ser mitos, por el mismo hecho de que aquellos tiempos, aquellos potajes y aquellos viajes, son irrepetibles. Claro que es un "quiero y (sé que) no puedo" por parte del hijo de Dylan. Pero en todo momento prevalece el respeto por los originales, incluso cuando los 'jóvenes' suspiran reponiendo sobre las tablas algunas de aquellas canciones.

Un documento muy válido para conocer la geografía, física y social, de aquellos mágicos 'daydreams' californianos. El hecho de hacernos sobrevolar las vaguadas y montañitas de Laurel Canyon consigue que nos quitemos de encima el tópico de que todo aquello era en las playas. Ni todo eran bikinis y tablas de surf ni todo era tomando el sol.

También es recomendable para entender cómo se imbricaron lo folk y lo rock y cómo los psicotrópicos fueron tan esenciales como la electricidad en los estudios de grabación.

Lo mejor, el mapa con las caricaturas que salpican el poster del film. situando sus mansiones y sus casualidades.

Lo peor, la adaptación del título. Como en tantísimas ocasiones, cambia el sentido pretendiendo encontrarlo. Se trata de los ecos del lugar. La era era muchísimo más compleja y ocurrió en muchos otros escenarios, no solo californianos.

Y bien, entre todos las críticas no hay ninguna de momento con puntuación de cuatro. Por eso y porque hasta ahora solamente he hecho críticas a cintas que me gustaron mucho, introduzco esta como primera con nota de suspenso entre las mías.

Obviamente las expectativas pesan. Considerado como film fundamental, como imprescindible, teniendo en cuenta que hay paralelismos con 'À bout de souffle'... partiendo de que 'Bande aparte' y 'La mujer casada' me resultaron muy interesantes y, en fin, tras haber visto también 'Le mépris', que aunque no me fascinara tanto me pareció al menos curiosa... pues pensaba yo que Pierrot me tenía que resultar 'positiva'.

No ha sido así. Al (ya comentado en otras críticas) empacho de pedantería se unen unas "interpretaciones" de fiesta de maniquíes. La señora de Godard no me emociona en ningún momento, ni por asomo. El señor Belmondo me resulta exasperante. La fotografía chirría, las 'boutades' me cansan. Las salpicaduras de ketchup son ridículas, como la puesta en escena del coche que hacen arder. Intento ver arte y si aparece es en forma de diapositivas de cuadros o fotos incrustados sin sentido, como si aparecieran en una revista que uno ojea por aburrimiento. Y el final (loco no, pero tontaina bastante) solamente me confirma que el conjunto no llega a provocarme ni siquiera el aprobado. Un cuatro y por no dejarlo en un tres.

Entiendo que en su momento supusiera una chispa de vanguardismo, pero verla hoy, y peor aun verla esperando ver algo distinto, me ha llevado a una sensación de 'bidet de Duchamp'... quiero decir que, conociendo el impacto de la pieza histórica, no hay sorpresa ninguna en este más de lo mismo.

Empeñado como estoy en ir terminando la lista de las 1001 de Schneider, aun he de ver Vivre sa vie, Masculin/femenin y Weekend. Esas tres las enfrentaré con las expectativas bien reducidas. Quizás así me acabe sorprendiendo algo. Pero de momento lo que veo en Pierrot es que el color le sienta muy mal a algunos dibujos. El único fotograma que lo necesita es el retrato de Rimbaud y sus vocales. En el resto solamente hace más empalagoso el ninguneo al observador que va de rabo a cabo de la película.

Totalmente fútil. Con verse el trailer puede obviarse el resto. Muy pero muy sobrevalorada. Entre las consideradas míticas del cine francés, solo me han decepcionado tanto como esta varias obras 'maaestras' del pesadísimo Bresson o el (otro) tontaina samurai de Melville.

El film se mantiene entre los 1001 en la más reciente reedición de las 1001 de Schneider. Sin duda es una película clave. En distintos sitios leo que se la considera fundadora de la Nueva Ola del cine persa. La vaca, viva, muerta o enterrada, de Dariush Mehrjui, tiene el mismo rango que los salones de Marienbad, los balazos 'à bout de souffle' o las travesuras primarias de Antoine Doinel. No me cabe duda. Es sencilla, modesta, pero notable.

Las escenas, la fotografía, los contraluces, los primeros planos, los episodios corales, el contraste entre el loco tonto-del-pueblo titular y el protagonista que muta en pobre loco... Los diálogos, los mugidos, de bestias o de humanos; los siempre acechantes bandidos, los vecinos, la alberca, las alegorías...

La vaca es (y deja de ser) la madre y la hija. Es la respuesta y la pregunta cuando no hay respuesta.

Es realmente asombrosa esta película. Viéndola se pueden recolocar incluso otras imágenes históricas de otras obras cinematográficas atemporales de todos los rincones del mundo. Cine en estado puro, sin ser del país de los Lumière, ni de las majors gringas, ni de la aventura soviética. Cine de altísimo nivel. Cine de calibre planetario, pensado, interpretado y filmado a finales de los sesenta, cuando se inventó todo lo importante que aun no se había inventado.

Es este un documental sobre los gatos de Estambul, o sobre Estambul con la excusa de los gatos, o sobre cómo en un lugar clave en el mundo, la clave también la tienen los gatos.

Si bien lo determinante en la evolución fue el pulgar oponible entre quienes caminaron de pie (recuerdo que también hablé aquí en FA del cortometraje "Isla de las flores"), entre quienes caminaron a gatas o a cuatro patas es obvio que la precisión quedó en la familia de lo felino. En un mundo en que lo canino y lo gregario marcan la historia del éxito de los imperios y sus rapiñas, poder contemplar y aprender de los felinos nos compensa, nos naturaliza. Como bien se dice en el documental, los perros creen que los hombres son sus dioses. Y por tanto sus amos. Los gatos saben que no es así.

De los lobos, chacales y demás caninos silvestres se han podido extraer alambicados resultados extremos: del caniche al doberman. Cualquier exceso humano tiene su raza de perro ad hoc. Cosa que nunca se podrá hacer con gatos. El gato es la adaptación de lo felino a lo civilizado, pero sin más transacciones que el menor tamaño y la menor fiereza. En cambio las degeneraciones de lo canino van en paralelo a las degeneraciones de nuestros caprichos. Lo dicho antes, del caniche al doberman. Por eso no hay gatos policía ni gatos falderos. Por eso muchos simpatizamos de esa esencia. Civilizada esencia, por otro lado.

El documental maravilla con su banda sonora, con su fotografía, con su combinación de situaciones de cámara, desde las más subterráneas a las del dron. Las siete historias, las siete vidas, que hacen de columna argumental, también tienen un equilibrio fenomenal. Obviamente es una cinta pensada para los amantes de lo gatuno. Pero no solo es eso: es un alegato de lo que puede darse en una ciudad clave, en una ciudad puente, en una ciudad ideal para los gatos pues todo transita por su historia de forma mucho más filosofal que instrumental.

Un buen rato, un muy buen rato, se puede pasar con este alegato en favor de lo que más alegatos merece: la razón última de la perfección no tuneable.ni tergiversable, la razón de la mirada profunda y sabia de cualquier gato del mundo. Cuando más si además vive en una ciudad que los arrulla desde tiempo inmemorial.

Este es un documento impresionante. Antropología en estado puro. Quizá por ello también es una especie de anticipo de lo que hoy en día son los llamados 'reality shows'. Salvando la distancia abismal de cinco o seis décadas, la función social del rito viene a tener algunos paralelismos. Entonces, los 'boys' del famoseo cotidiano, sometidos ciudadanos en la ciudad de Accra, se sacudían todas sus angustias ritualizando, que es gerundio. Hoy en cambio, los 'boys' del famoseo catódico y artificial sacan espuma por la boca de otra manera.

Volviendo a 1955, lo esencial: Jean Rouch es verbo, pura acción y traslación de esa misma acción a un código inteligible. Las imágenes si las viéramos solas nos dirían quizás lo contrario a lo que nos dicen, al estar contextualizadas, ordenadas y justificadas por la cadenciosa voz del narrador, que sabe situarse en la exacta posición intermedia entre el espectador y los agitados agentes del fiestón catártico. Catarsis que, al día siguiente, se queda en eso, en un turbulento exceso del día anterior que poder comentar, de nuevo en el trabajo cotidiano, como a balón pasado.

El poder reirse del poder es una de las válvulas de cualquier sistema social. De hecho si no se dieran estas representaciones la explotación difícilmente podría seguir funcionando. Y es esencial cómo funciona, y por ello los primeros minutos del documental son para hacer un repaso de ese funcionamiento.

Las sonrisas de los hauka, un día más tarde de su teatralización de la locura de sus amos, demuestran que han exorcizado así sus propias locuras y sus pesares bajo el yugo de sus locos amos.