En la actualidad las productoras de cine, se han decantado hacia películas comerciales, en su gran mayoría de súper-héroes, basados en cómics de los años cincuenta y anteriores. El motivo es bien claro: las salas de proyección se llenan, y el negocio es rentable.
Para invertir en producciones de autores clásicos, como William Somerset Maugham, Pearl S. Buck, James Joyce, Irving Wallace,...etc, no es rentable. La lectura de novelas de dichos autores, es prácticamente nula, sus versiones no se actualizan, y asimismo las librerías van cerrando, y la cultura va descendiendo, salvo en honrosas excepciones.

Todo lo dicho anteriormente, viene a colación, para valorar la visión de Naomi Watts, y muy particularmente la del magnífico actor Edward Norton, productores ambos de la película "El velo pintado", es de suponer que Norton en especial viera en el argumento de W. Somerset Maugham, la base para poder realizar una película, de calidad. Asimismo intuyera, que aunque no fuera un film para multitudes, sí que podría ser una película donde poder desarrollar (cosa ya demostrada) sus dotes interpretativas, al igual que la del resto de actores que intervienen en la misma. Dando como resultado la hermosa película que estamos comentando.

A mí modo de ver, una película resulta interesante y de calidad, cuando llega a reunir los siguientes valores:

1.- Un argumento sólido (siempre existirá algún fallo), como el Somerset maugham.

2.- Unos protagonistas principales estupendos (Edward Norton y Naomi Watts), que voy a decir
de ellos, que ya no se haya comentado. Unos actores secundarios soberbios como Diana Rigg y Toby Jones, e incluso dentro de su frialdad Liev Schreiber, llega cumplir con su papel. Los actores nativos no desentonan ni un ápice.

3.- Unos parajes impresionantes y exóticos.

4.- La fotografía ejecutada con tal maestría, que los paisajes resultan, tal como han comentado en anteriores críticas, acuarelas realizadas con el mejor pincel.

5.- Una música preciosista, excelente, que dice todas aquellas palabras, que los protagonistas callan.

¿Cual puede ser el resultado, de todo ello?, una película para disfrutar de casi todos los sentidos, llena de matices, que cuando sales de la sala de proyección, sales con un sabor inconfundible de satisfacción.

El 20 de junio de 1.964, Michael Schwerner, Andrew Goodman y James Chaney, llegaron a un Filadelfia, pequeño pueblecito del estado de Mississippi, como parte de un grupo de voluntarios del “Verano de la Libertad” que educaban y registraban a los afroamericanos. Jamás regresaron a sus domicilios.

Alan Parker, estupendo director aunque para muchos no es considerado de los grandes, logra plasmar en la pantalla, quizás su mejor película “Arde Mississippi” juntamente con “Midnight Express” y “El corazón de ángel. La mencionada película esta basada en un magnífico guión de Chris Gerolmo, que relata a la perfección todos los hechos ocurridos. Parker nos regala todo un documento de auténtica denuncia, como ya es costumbre en él cuándo se trata de denunciar hechos de la más baja vileza humana, realizando una escalofriante radiografía de ese racismo siempre presente en los Estados Unidos, cuenta además con una magnífica fotografía a cargo de Peter Bijou (con la que consiguió el Oscar), una muy buena banda sonora de Trevor Jones, y sobre todo unas soberbias interpretaciones de Gene Hackman y Willem Dafoe, en un duelo interpretativo que hace saltar chispas por su contraste de caracteres. El primero más rudo, impulsivo y con métodos mucho más expeditivos por ser sureño y conocer como actúa la gente del sur (Hackman está que se sale), y el segundo mucho más cerebral y queriendo actuar siempre dentro de la legalidad, y ambos metidos en la piel de Anderson y Ward, dos agentes del FBI., dispuestos a descifrar el misterio de una población totalmente dominada por el pánico y apunto de estallar. Sería inperdonable silenciar el gran trabajo de todos los actores de la película, pero hemos de destacar a Brad Dourif (ayudante del Sheriff), Gailard Sartain (Sheriff Stuckey), Michael Rooker (Frank Bailey) y sobretodo Frances McDormand, con una actuación que roza la perfección. En definitiva, una estupenda y escalofriante película, que refleja ese ambiente miserable de aquella América de los sesenta, y dudo que en la actualidad todo se haya resuelto.

Una película digna de ver, y de analizar las diferentes reacciones de todos sus personajes.

El Abuelo, Don Rodrigo de Arista Potestad, conde de Albrit, señor de Jerusa y de Polán, viejo y excéntrico personaje que pertenece a una clase aristocrática española (ya venida a menos), regresa de América completamente arruinado, pero mantiene todavía el orgullo de su nombre y el honor que los regios blasones de su escudo le confieren, honor que quiere dejar en herencia a los que por legítima descendencia les corresponda. Este es el comienzo de la magnífica obra “El Abuelo” de Benito Pérez Galdós, notablemente llevada a la pantalla por José Luis Garci.

Aparte del inmenso retrato, que de los personajes nos dejó Galdós y que son la base primordial de la adaptación cinematográfica, debemos destacar de la misma, los maravillosos exteriores, los decorados, la excelsa música que Manuel Balboa escogió para la película (que nos invita por una parte a la reflexión, pero por otra nos sumerge en ese mundo un tanto deprimente y sin sentido, en el que el abuelo intenta encontrar un último sentido a su vida), la fotografía, y lo más importante el enorme reparto de actores que merece un capítulo aparte y que a mí modo de ver, es un homenaje a la mayoría de ellos.

Fernando Fernán Gómez (memorable Don Rodrigo, faltan calificativos para poder honrar su trabajo), y es que todo le acompaña, su esbelta figura, su pobladísima barba, su lenguaje pulcro y preñado de tonalidades. Rafael Alonso (magnífico Pío Coronado, maestro y tutor de las niñas, de bondad excesiva, la expresión bondadosa de su rostro no la lograron borrar ni los años ni tampoco los pesares personales), Senén (soberbio Agustín González, siempre sobrio en su trabajo, en éste papel quizás lo está un poco más). A mí modo de ver en estos tres personajes se apoya parte de la obra, los tres tienen mucha fuerza aunque sin la figura de Fernán Gómez, quizás no existiría “El Abuelo”. El resto de actores todos cumplen a la perfección, evidentemente unos sobresalen por encima de los demás.

Todos ellos, arropados por una exquisita recreación de ambientes y un cadencioso montaje, dan como resultado una película cautivadora. Llena de matices, con unos diálogos superiores, con varias lecciones y lecturas que a muchos de nosotros nos iría muy bien aprender.

“El Club de los poetas muertos”, es una durísima crítica a toda esa sociedad, representada tanto por padres y profesores que solamente quieren hijos y alumnos modelo, que sean callados, sumisos y perfectos, que lleguen a triunfar en sus estudios, y que consigan las más altas cotas, sin pararse a pensar, que como seres humanos que son: tiene derecho a pensar por ellos mismos, libres de escoger su camino, vivir su propia vida, y lo que a ellos les corresponde es darles la mejor enseñanza, los mejores consejos, estar a su lado y ayudarles en conseguir su destino.

Si imponemos normas y conductas, sin dar opción a que sean comprendidas y contestadas, si no se escucha, ni se quiere entender sus razones y compartirlas, perderemos totalmente su confianza, y de seguro pasaremos a ser sus enemigos.

Adaptación cinematográfica, que Jon Avnet realizó de la novela de Fannie Flagg (tardó más de cuatro años en terminarla), si le añadimos la excelente fotografía de Simpson, la composición musical de Newman y un reparto de actores magnífico, “Tomates verdes fritos” resulta ser una de esas obras optimistas y esperanzadoras que te alegra el alma después de haberte metido un atracón de dramas en la antesala de los Oscar, la película de Jon Avnet asoma la cabeza como un canto a la amistad lleno de cariño y sensibilidad por medio de dos historias que se narran en paralelo.

“Tomates verdes fritos”, tiene mucho mérito pues consigue llevar algo de la magia que desgrana, dulcemente, como la sangre de una herida, la melancolía de las historias de una anciana de ochenta y pico de años en una residencia de ancianos al hablar de su infancia y juventud en un pequeño pueblecito del sur de la llamada “América profunda”, en el corazón de Estados Unidos. La película tiene que fundir varios personajes en uno, recortar las historias y acelerar los diálogos para poder incluir en un metraje adecuado la colección de recuerdos y anécdotas centrados, muy curiosamente, no en las vivencias de la anciana sino en la vida de dos amigas suyas que regentaban un café en el pueblecito de Whistle Stop.

La película se centra, al igual que la novela, en la relación entre dos mujeres, Idgie y Ruth, desde que se conocen a los trece o catorce años y a lo largo de sus vidas. En el libro se revela que Idgie estaba enamorada de Ruth, pero no se habla de los sentimientos de Ruth por ella, ni de sus relaciones en los años en que vivieron juntas, y la película respeta hábilmente la misma ambigüedad. Una historia de personajes, de pensamientos y sentimientos, llevada correctamente, sin sensiblerías innecesarias pero con mucha emotividad.