A lo largo del año 2014 hemos podido ver el nombre de Shinichirô Watanabe en dos producciones, "Terror in Tokyo" y "Space Dandy", en la primera como director y en la segunda como director general de la serie, pues los diferentes capítulos de la serie han contado con una buena variedad de directores. Space Dandy, a fecha de hoy, es una serie de 26 episodios distribuídos en dos temporadas.

Si bien en "Terror in Tokyo", por primera vez en el caso de Watahabe, su historia que no me resulta nada llamativa, una mezcla entre un poco de "Death Note" (2006) de Tetsuro Araki y mucho de "Monster" (2004) de Masayuki Kojima, la enlazo aquí por la música de la serie a cargo de Yoko Kanno. Habitual en casi todas las series de Watanabe, la devoción que profeso por el trabajo de esta compositora no debe ser un obstáculo para decir que la música de la serie es lo mejor de la misma y certifica que Shinichirô Watanabe siempre ha tenido un cuidado especial por la música en sus animes. En el caso de Space Dandy, Yoko Kanno interviene en algun tema en concreto porque la música corre a cargo de la "Space Dandy Band" que, sospecho, es una banda formada ex profeso por varios artistas que han contribuído a la buenísima música de esta serie.

Space Dandy es una serie más que notable, un seinen políticamente incorrecto con un argumento en consonancia con el tono de la serie, a saber: Dandy, un cazador de aliens es el tipo más “dandy” de todo el espacio. Se situa en un futuro en el que la humanidad ha llegado a los confines del universo, un mundo en el que Dandy busca aliens que nadie ha encontrado antes sirviéndose de su robot acompañante QT y un gato alienígena llamado Meow. Añadir que en cada capítulo Dandy es perseguido por el Dr. Gel, un archienemigo con menos suerte que el Coyote y que vuela en una nave que parece salida de una versión neoclásica de Ulises-31.

La realidad es que Space Dandy es una space opera desmadrada que bebe mucho de "Cowboy Bebop" (1998) en cuanto la trama general y sus personales, tripulantes de la nave caza-alienígenas, sus relaciones, y el universo en el que se prodigan. Aunque cada capítulo es autoconclusivo, poco a poco vas cogiendo cariño a todos los tripulantes ya que capítulo a capítulo vamos viendo las penurias que van pasando para poder ganar algo de dinero y poder comer, vamos como ocurría en Cowboy Bebop.

Esta serie es notable por muchos aspectos: es desenfadada, con un alto grado de comicidad, la música es excelente y la animación es buenísima, arriesgada, es un comic en movimiento. Desde luego es un soplo de aire fresco dentro de la animación en general y dentro del anime en particular. Muy recomendable.

Hay películas buenas, películas pasables y películas malas, pero siempre desde un punto de vista individual. Siempre es así. De entre las buenas películas, muchas de ellas, la gran mayoría, consiguen entretener o captar el interés a través de una buena historia y de una buena dirección que ha sabido llevar la película por el buen camino. Pero son películas buenas para el momento presente, durante el mismo instante en que las estás disfrutando porque dos días después casi las tienes olvidadas. Sin embargo también hay películas, solo unas pocas, que te dejan poso, que perduran durante bastante tiempo en tu recuerdo. Son esas películas que incluso cuando ha pasado bastante tiempo después de haberlas visto, recuerdas su motivo principal.

En mi caso, estas pocas películas son en general muy minimalistas en cuanto a la historia, aunque lo cierto es que esa sencillez es solo aparente. Podría citar a bote pronto películas tan dispares en su temática como “Okuribito” (2008) de Yojiro Takita o “Dersu Uzala” (1975) de Akira Kurosawa, pasando por “El camino a casa” (1999) de Zhang Yimou o “Nadie sabe” (2004) de Hirokazu Koreeda. Son películas que pese a la sencillez aparente que muestran, se hacen inolvidables porque consiguen captar y hacerte llegar la importancia de lo sencillo y lo cotidiano, de aquello que todos los días miras de reojo, que es la vida que está pasando por delante de ti pero que no tienes tiempo de contemplar hoy. Eres consciente de que lo estás dejando para mañana.

“An”, aquí titulada “Una pastelería en Tokio” es una de estas películas. La responsable es la directora japonesa Naomi Kawase, de la que solo había podido ver hasta ahora su anterior film, “Aguas tranquilas” (2014), una película bastante pareja a esta última. “Aguas tranquilas” tiene varias escenas, sobre todo una, impresionante. La filmación de la agonía y la muerte impactan como no recuerdo haber visto en ninguna en otra película, admirable y asombrosa.

Al igual que un manga de Jiro Taniguchi, “Una pastelería de Tokio” es en muchos momentos una película contemplativa. No es la película que pretende mostrar el tráiler. En ese sentido puede ser que mucha gente se sienta estafada pues no es una simple película con un tono de comedia bonita sobre una pastelería de dorayakis. Esa es la excusa.
Con el ritmo pausado, necesario para meditar propiamente qué es lo que está o puede estar ocurriendo, es una película sobre la desazón, el desasosiego, la intranquilidad y la tristeza en que se encuentran tres personas y en la lección de vida y la influencia que va ejercer una de ellas. Tenemos aquí de nuevo algo muy presente en todas las culturas y especialmente enraizado en muchas películas japonesas como es la veneración por la sabiduría y las tradiciones, que aquí se nos muestra a través de la persona más vitalista de las tres, que es precisamente la que más sufre y la que más próxima está al final natural de su propia existencia. Y lo más difícil de todo esto es saber mostrarlo sin caer en el sentimentalismo extremo o en la necesidad de explicar todo y en todo momento, para que la mente del espectador trabaje poco. Y éste es el gran mérito de esta directora. El único pero que se le puede poner es que lo que se consigue plenamente con Tokue (extraordinaria Kirin Kiki en su papel de anciana), sólo se consigue a medias con Sentaro y muy poco con la chica, Wakana. Principalmente por falta de desarrollo de su historia, que se queda muy coja. Pero claro, esto habría alargado más la película que ya de por sí, seguro, muchos tacharán de larga y lenta.

¿Sabe, jefe?
Hemos nacido en este mundo para verlo,.., y para escucharlo.
No importa en qué nos convirtamos, no hace falta ser alguien en la vida.
Cada uno de nosotros le da sentido a la vida de los demás.

Arigatou gozaimasu, Naomi Kawase

http://laseccionnueve.blogspot.com.es/2016/05/An-2015.html

"Avalon es un juego de guerra de realidad virtual, jugado en red por múltiples usuarios simultáneamente. El juego es ilegal, pero muy popular, e incluso existen jugadores profesionales que cambian parte de los puntos obtenidos por dinero en efectivo. Sin embargo, el juego entraña sus riesgos; existe la posibilidad de quedarse enganchado, la mente de algunos usuarios se queda sumida en el juego y no regresa a la realidad. Para ellos existen hospitales donde atienden sus cuerpos catatónicos. Paralelamente, la realidad al margen del juego nos presenta una sociedad deteriorada, con escasas comodidades, calles oscuras, sucias, empedradas, tranvías eléctricos, apartamentos cochambrosos y pobreza. Las grandes tecnologías no existen o han desaparecido, con la salvedad de los terminales de realidad virtual que permiten engancharse a Avalon. Cuando el joven Ash, uno de los mejores jugadores, descubre la existencia de un nivel más avanzado del juego en algún lugar, decide abandonar su camino para unirse a un grupo de exploradores. Juntos intentarán encontrar la puerta de entrada a tan macabra realidad virtual. Sin embargo, una vez dentro, no podrán volver atrás…"

Esta es una sinopsis de la película Avalon (2001) de Mamoru Oshii. No hay que cambiar mucho para que tengamos la sinopsis de “Ready Player One” de Steven Spielberg. Una idea nada original aunque las películas son muy diferentes. La película de Mamoru Oshii es una ida de olla bastante importante, lenta, filosófica, que o te gusta mucho o la odias. A mí me pareció mala. La película de Spielberg usa la misma idea pero es otra cosa, puro entretenimiento de masas para una película tipo “yincana” de guion plano, profundidad nula y personajes (otra vez la ONU) que parecen salidos de una serie del Disney Channel. Bastante decepcionante, la verdad.

No se puede decir que sea una película mala porque la inversión ha sido importante y la calidad del producto es innegable. Pero es una es una película saturada de referencias, el 90% de menos de dos segundos de duración que no tienen más función que distraer mientras que la insulsa historia y los insulsos personajes avanzan. O a sabiendas de ello. Supongo que el sentido que tiene llenar cada fotograma de cientos de elementos es el de pasar la película veces y varias veces para reconocer todo lo que se ve y se escucha, pero esa es una tarea que, en mi caso, no va a ocurrir. Está bien reconocer el Batmóvil de la serie sesentera, o ver la moto de Akira, o escuchar las notas musicales del Godzilla original mientras aparece el MegaGodzilla a dar yesca, etc., etc., etc., pero si todo lo bueno de la película se reduce a esto, pues como que el resultado es bastante vacío.

Repasando la filmografía de Spielberg, director con cuyas películas uno ha crecido y vivido, Ready Player One es una de las peores. En mi opinión, claro.

De un tiempo a esta parte, desde hace años, mi problema con las películas nominadas a mejor film en los Óscar, sobre todo con las que tienen, además, muchas nominaciones, es que se crea tal expectativa sobre ellas que la decepción que después acarrean te lleva, cuando menos, al “no es para tanto” y, cuando más, a pensar que vives en otro planeta. El caso de “Tres anuncios en las afueras” es el de cuando menos. Siquiera, y aunque no gane, la película sí que se podrá recordar en el futuro. No ocurre así con la mediocridad de olvidables películas premiadas en el último lustro, ya casi ni me acuerdo de la que ganó el año pasado y menos aún la de hace dos años.

“Tres anuncios en las afueras” es una buena película fundamentalmente por culpa de Frances McDormand, que se merece el Óscar curiosamente por una película que tiene muchas reminiscencias a “Fargo”, película donde también recibió el premio. También tiene bastante culpa de que la película sea buena la actuación Woody Harrelson. Pero llega un momento en el que su personaje, llamémosle así, deja de tener relevancia en la historia y entonces la película, en mi opinión, tiene un bajón considerable. Es una película que va de más, mucho más, a menos. A Sam Rockwell lo veo algo sobreactuado al principio.

La primera hora es espléndida, la segunda parte no tanto. A pesar de ello la película se deja llevar hasta el final por la inercia de la primera parte. Y ello a pesar de que pasan cosas que, pese al tono de comedia negra que tiene, parecen metidas con calzador, un oportuno flashback que se podría haber resuelto mucho mejor, un exmarido con una relación que no te crees de ninguna manera o una evolución de un personaje que ocurre como de la noche a la mañana.

Una muy buena película de actores, especialmente dos buenos actores y un buen medio guion. Comparada con “Lady Bird”, que es otra película nominada que he podido ver, es un peliculón.

“El caso de Hana y Alice” (Hana to Alice Satsujin Jike), precuela de una película del mismo director (Hana to Arisu, 2004), es la primera incursión de Shunji Iwai como director en el terreno del largometraje de animación. Siendo Iwai un director centrado en realización de películas con actores reales, aunque ya había realizado una serie de cortos animados, su incursión en la animación está justificada por su deseo de que en la película participaran las mismas protagonistas que en su exitosa película del 2004 y no solo utilizando sus voces. Siendo evidente que las protagonistas tienen once años más y que no es posible hacer una precuela con personas ya adultas vestidas como estudiantes de secundaria, el director decide utilizar la técnica de la rotoscopia para dibujar sus personajes animados sobre actores reales. También pinta los fondos y escenarios utilizando un acabado de acuarela que queda genial. Cuando experimenta y hace encuadres complicados, con sus consiguientes movimientos de cámara, utiliza el ordenador y hay varios momentos en que se nota. El resultado de la rotoscopia con los personajes humanos y objetos que se mueven no es del todo satisfactorio (siempre en mi opinión) en algunos aspectos. Sí es verdad que consigue que los movimientos humanos (andar, correr, saltar,…) resulten como muy naturales, pero la gestualidad de los rostros pierde mucho. No obstante esta película tiene una cierta peculiaridad en las caras y los gestos que, una vez aceptada, resulta incluso agradable. (No es muy habitual la utilización de esta técnica de la rostoscopia para absolutamente toda la animación de un producto, últimamente recuerdo la interesante serie del año 2013 de Hiroshi Nagahama, “Aku no Hana” (Flowers of evil) que sí que conseguía una mejor animación de los rostros en primeros planos).

Dejando a un lado el asunto de la animación, lo que hace buena esta película es ver cómo consigue Iwai captar la idea del nacimiento de la amistad entre dos adolescentes. No suelo acercarme mucho a productos que, aparentemente y desde lejos, parecen claramente encaminados a una demografía tan concreta como la adolescencia femenina (Shōjo). Es muy habitual la separación del anime en multitud de géneros y es muy útil para poder elegir más fácilmente entre una multitud de productos. Ciertamente es un criterio por el cual habría cometido un gran error con esta película. En el film de 2004 el punto de partida es que Hana y Alice ya son amigas inseparables; en esta precuela, “El caso de Hana y Alice” nos cuenta el nacimiento de esta amistad a través de, una vez más, una historia del género “vida escolar” tan prolífico en películas y anime. Iwai, que también firma el guion, tiene muy claro qué es lo que quiere contar y cómo lo va a contar. Son adolescentes que se comportan como tales y la película da una sensación de verosimilitud para estos personajes inmersos en una historia que mezcla con acierto la intriga, la comedia, la vida urbana y la cotidianeidad. Claro que toda esta mezcla no es más que el marco en el que finalmente se va a gestar una aventura de la que florecerá una amistad de la forma más natural del mundo. El punto a favor de esta película es que Shunji Iwai consigue hacer llegar esta naturalidad con una sutileza admirable, no fuerza las situaciones, no se decanta por la sensiblería, el secreto está en saber mostrar los detalles, saber llegar al corazón del espectador sin que sepa realmente cómo lo ha conseguido. Saber mostrar la naturalidad de la vida como lo hace Iwai en esta película no debe ser nada fácil y está al alcance de pocos. Y la prueba está en que el mundo del cine está lleno de direcciones pretenciosas, que es todo lo contrario a lo que ocurre con esta película.