Una vida en tres días (Labor Day), de Jason Reitman, 2014.

Por desgracia, finalmente fallida, y es una pena porque está bien filmada y la idea no es mala, pero Jason Reitman se equivoca por completo, en mi modesta opinión, y es que la narración desde el punto de vista del chavalote (y lo que acontece a éste), no interesa lo más mínimo (desconozco el original literario, pero qué poco funcional la voz en off en el cine cuando no es necesaria). Cuando el chaval sale de casa nos vamos con él, cuando el interés está en la interacción minuciosa entre el fugitivo y Adele y en sus reflexiones sobre su pasado, su presente y su futuro. En cómo evoluciona esa relación y cómo concluyen que se pueden salvar la vida el uno al otro (y de paso, se nos hubieran contado de forma más inteligente todos los flashbacks claramente prescindibles). Se me ocurre que el punto de partida y la propuesta puede ser muy parecida a la de Los puentes de Madison, pero mientras un gran maestro como Eastwood pone exactamente el dedo en la llaga, Jason Reitman naufraga por completo yéndose por las ramas. También puede haber influido la "sugerencia" de un gran estudio para convertir el resultado final en una película familiar y bien intencionada, porque la frescura y el cinismo de "Juno", e incluso de "Up in the Air", no se atisba por ninguna parte.

Hay una escena en Viaje al cuarto de una madre, película escrita y dirigida por Celia Rico y que la propia directora sevillana presentó el pasado jueves en el Cine Madrigal de Granada ante un público que casi llenó el histórico recinto, en la que Estrella (Lola Dueñas) y Leonor (Anna Castillo), madre e hija, están trasteando en la parte alta del armario en el que el marido/padre ausente (sabemos que ha fallecido recientemente, pero se nos obvian los detalles) guardaba su ropa y efectos personales. En un momento, cae desde arriba una caja, que al abrirse muestra unos zapatos de hombre. De pronto se genera un momento de tensión, a las dos mujeres se les presenta delante de sí la evidencia de un tema del que no quieren hablar y que evitan constantemente durante su relación cotidiana, pero que es el acontecimiento que ha perturbado definitivamente sus vidas y ha precipitado la crisis por la que están pasando. Sin mediar palabra, Estrella cierra la caja y la vuelve a colocar cuidadosamente donde estaba.

Y es que Viaje al cuarto de una madre narra de forma aparentemente sencilla una historia sumamente compleja, la de una madre y una hija que han de separarse por la necesidad de Leonor de huir del asfixiante ambiente del pueblo en el que viven y donde el afecto y el cariño conviven con una dificultad para comunicarse cada vez más latente. Celia recrea el costumbrismo de la convivencia mediante gestos sutiles, miradas y detalles por los que el espectador participa como cómplice de los que se dicen y lo que no se dicen. En un momento, ellas están doblando ropa y Leonor, al comprobar que un calcetín está agujereado, hace ver que "está roto, hay que tirarlo". Lola la mira y no contesta, pero a continuación Leonor al ir a guardar esa ropa, comprueba que allí está el calcetín, y que la madre ha cosido el agujero.

Celia Rico utiliza un estilo narrativo muy sobrio, preciso y clásico, la cámara fija se ubica con naturalidad en el interior de la casa, pero con la intención de entrometerse lo menos posible en la intimidad de los personajes, aprovechando las puertas abiertas, el fondo del pasillo y hasta las rendijas para mostrar lo mínimo necesario para conocer la historia, con planos medios nada invasivos en los que, salvo alguna excepción, se opta por dejar a una de las dos mujeres fuera del plano antes que forzar movimientos de cámara innecesarios. Cuestionada la directora en el coloquio posterior a la película sobre sus mayores influencias a la hora de hacer cine, Celia Rico, dejando claro que intenta que su estilo sea todo lo personal posible, citó a uno de los grandes estandartes del cine español, como es el gran Víctor Erice.

El muy atinado título de la película, hace finalmente referencia al espacio en el que transcurren las escenas más trascendentes de la película, además de ser los momentos en los que más cerca vemos a las actrices, con la cámara, ahora sí, dentro de la habitación (desde la habitación de la madre se observa en muchas ocasiones lo que ocurre en la de la hija, nunca al revés). Donde ambas mujeres lloran en solitario por la persona ausente, en sendas excelentes escenas y donde Leonor acaba entrando en la fantástica escena del acordeón, en la que Leoner consigue estar más cerca de su madre y aceptar la muerte del padre. En la que Estrella hace su vida cuando Leonor ya está en Londres (una parte central de la película se desarrolla prácticamente sin diálogos, con el recurso de whatssapp y con una extraordinaria exhibición de Lola Dueñas). En un momento, Estrella se acuesta en su cama, y en pocos segundos se cambia de sitio para ocupar el espacio que ocupaba su marido, en uno de los muchos gestos sutiles y elegantes con los que está resuelta la narración.

En definitiva, el debut de Celia Rico con este su primer largometraje, recrea una biografía de dos personas en las que, en mayor o menor medida, todos nos podemos ver reflejados (la mesa-camilla, la bombona de butano, el bocadillo de la madre, son elementos con los que todos hemos convivido), si bien Celia aclaró que no es una película exactamente autobiográfica. Es una historia tierna y nostálgica, sin caer en ningún momento en un excesivo tono sentimental que pueda incomodar e incluso con diversas concesiones al humor (muy brillantes, como la escena en la que estrella adquiere el teléfono, o cuando Leonor engulle un sobre de jamón "sin pan" cuando regresa de Londres, o toda la parte del concurso de boleros), que acaban por distender una historia que en algún momento amenaza con plantearse de forma más trágica y acaba mostrándosenos amable, entrañable y con cierto optimismo. Se agradece.

Viaje al cuarto de una madre ha tenido una gran recibimiento en el Festival de Cine de San Sebastian, donde consiguió el Premio de la Juventud, el Premio Fedeora a la mejor película y una mención del Premio Nuevos Realizadores, y ha sido seleccionada para competir en el Festival Internacional de Cine de Londres dentro de la sección First Feature Competion, que otorga el Premio Sutherland al debut más original e imaginativo.

https://elultimogrito.es/viaje-al-cuarto-de-una-madre

Me dijiste que me amabas y dejaste de amarme. Y entonces empecé a amarte yo.
Decision To Leave, de Park Chan-wook (2022).

Pues aquí lo tenemos, poco más hay que añadir. Elegante thriller de corte clásico y con elementos narrativos muy originales, amores tóxicos y perpetuos y una narración serena, elegante y meticulosa. Una de esas películas que se disfrutan más aún por la inmensa cantidad de pequeños detalles; momentos, miradas, expresiones. Donde el tacto es un sentido fundamental, las manos de los dos protagonistas parecieran acariciar cada objeto que tocan.
Recomendable película del siempre interesante director coreano.

Ayer vi este "Looking For Mr. Goodbar", de Richard Brooks, una película que debió suponer una gran desafío para un director de 65 años, perteneciente a generaciones anteriores a la de Paul Schrader, Cimino o Martin Scorsese, por lo que de riesgo y provocación supone grabar un film nada complaciente y, desde luego, lejos de los cánones de la industria; chapeau para él.

Paso al spoiler porque me resulta imposible no referirme al argumento para el análisis de la película.

Si se tratara simplemente de redactar una sinopsis de "Licorice Pizza", no estaríamos ante una cuestión especialmente sencilla dado el delgado hilo argumental que une los diversos sketches que se suceden formando una estructura dramática nada convencional, si bien definitivamente inteligente, fuera de tópicos y formalmente exuberante. Bueno, estamos ante una película de Paul Thomas Anderson, uno de los grandes talentos del cine actual.

Sin la intensidad dolorosa de "The Master", "Pozos de ambición" o "El hilo invisible" (y tampoco su hondura, reconozcámoslo), PTA propone de forma más ligera una historia abiertamente sincera donde la avalancha de sentimientos de una adolescencia emprendedora y con ganas de estímulo constante, chocan con el conformismo nostálgico de una juventud aburrida y de la que se ha apoderado el hastío para conducirnos a un necesario final a través de aventuras en algunos casos realmente hilarantes y con una brillante gama de personajes que se van sucediendo.
Con una vibrante y luminosa puesta en escena en la que hay mucho de Altman y, por tanto, también mucho del Paul Thomas Anderson de "Boogie Nights" o "Magnolia" (el propio autor ha citado también a Tarantino entre sus referentes fascinado por "Once Upon a Time in... Hollywood"), el talento de este señor con los diálogos y la exclusividad de sus propuestas lo convierten en un director casi infalible.

Volviendo a lo que comentaba antes, imponente resulta la presentación de los personajes en esa escena inicial con "July Tree" de Nina Simone de fondo (muy de fondo, pero muy presente) en la que se acercan en sentido opuesto y se cruzan por primera vez, y que conecta directamente en ese final en el que ambos se vuelven a encontrar.

Ah, y la música (Anderson ha declarado que estaba obsesionado por incluir un fascinante set musical de los setenta al estilo Tarantino ensalzando momentos elevados). Y lo cierto es que "Walk Away" de James Gang, "Let Me Roll It" de Paul McCartney o "Still Away" de Clarence Carter suenan de escándalo, ya lo creo.