No estamos solos en el universo, y lo desconocido es mucho más temible que curioso.
Scott Stewart consigue tensionar sorprendentemente. Se toma su tiempo, es cierto, pero cuando su escalinata aborda la cima del cerro, el suspenso se mete en la piel del espectador. También es real que se expone durante pocos minutos, no obstante se hace visible de manera efectiva y sin demasiados enredos ni determinaciones rebuscadas.
Los elegidos emplea casi la misma fórmula que la mayoría de las historias que involucran a una familia acosada por constantes sucesos sobrenaturales, aunque aquí la invocación a espíritus pesados parece tomarse unas vacaciones, reemplazándola por la presencia de alienígenas.
La lentitud con la que todo transcurre, extrañamente no le juega para nada en contra a la proyección, por lo que se aprecia un buen recurso en cuanto al modo de narrarnos los acontecimientos mediante la apelación a una suerte de “mini” subtramas que van desde la rebeldía y la fase exploratoria adolescente hasta la rutinaria vida de pareja en donde la retroalimentación parece pender de un hilo. Pero lo destacable y atrayente de Dark Skies se centra en la amenaza extraterrestre: sin ser escabrosa, obra con un tono tan oscuro como tenaz.
¿Cuál es el motivo perseverante del acecho de estos seres espaciales? Miedo, escepticismo y un sinfín de dudas se entremezclan hasta sobrepasar la mitad del film. Entonces Stewart despierta y se da cuenta que no le queda mucha más soga para terminar de abrazar al producto y con un acertado lanzamiento culmina anudando al público.
Aunque no trascienda y probablemente sea más olvidable que memorable, cuando se arriba al clímax con sonidos chirriantes e iluminaciones sugestivas, el nerviosismo toma gran forma y acaba convenciendo al observador.

LO MEJOR: actuaciones convincentes. Simple pero efectiva. El suspenso llegando al final.
LO PEOR: el desenlace. Tarda en llegar al apogeo.

PUNTAJE: 6

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Divertida comedia que expone en pantalla, a puro estilo argento, el reencuentro, los desamores y una fresca bocanada de liberados y geniales diálogos de un grupo de treintañeros bastante bloqueados, inconscientemente, en cuanto a madurar y darse cuenta de la edad que poseen.
El protagonista es Juan (Walter Cornás), quien tras separarse recientemente parece emanciparse de todo compromiso retornando a las reuniones amigueras, trasladándose en skate de un lado a otro, portando este elemento un valor simbólico de despojo y albedrío juvenil. Entre anécdotas, ironías y pláticas amenas entre los participantes, cada uno de ellos parece almacenar más de un infortunio amoroso en su historial, abordando la temática en una sintonía tan verosímil que permite que muchos se sientan identificados con los personajes.
Juan trabaja con Luciana (Carla Quevedo en destacable y sorprendente encarnación) una joven difícil de descifrar, de apariencia naif, inocentona y conductas zonzas, que para nada van con el carácter y el modo de ser de nuestra figura principal. Pero hay algo que lo cautiva y lo compenetra con ella, quizás por oposición o percepción, sin embargo Juan comienza a enamorarse.
Por momentos parece distinguirse, entre la niebla que separa la cámara de la puesta en escena, a un De Caro inmerso en la piel de quienes llevan a cabo las interpretaciones, con ese peculiar e inteligente humor, incluso cuando alguno cita la palabra “maestro” como fiel a su vocabulario.
Angustias, alegrías, chasquidos como código para indicar la intensidad de un beso, juegos para conquistar mujeres, menciones cuasi nerds a los videojuegos, retratos satíricos y muy bien cimentados del loser argentino, algunos elegantes recursos técnicos y una banda sonora disfrutable sonando con Cosmo de fondo (vale mencionar el tema El dueño del sueño) fundan los motivos particulares para que 20000 Besos cumpla, sin llegar a trascender.

LO MEJOR: el reparto en general, principalmente Quevedo y Alan Sabbagh. Los momentos graciosos, con ese peculiar sentido del humor impreso por su director.
LO PEOR: parece faltarle algo al remate del film.
PUNTAJE: 7

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Lucía Puenzo logra ambientar notablemente la narración, valiéndose de su capacidad técnica y correctos recursos estéticos para darle un tono dramático y fino a la fotografía del film. Pero a veces, lo que resulta apreciable para la óptica humana, no se condice con la línea argumental.
Wakolda nos remite a la historia de Lilith (Florencia Bado en destacable actuación), una niña de 12 años con problemas de crecimiento. Sus padres (Diego Peretti y Natalia Oreiro) hospedan en su hostería a un misterioso médico alemán (Álex Brendemühl). Éste, en la piel del acérrimo y perverso nazi Josef Mengele, parece obsesionarse con la pequeña a fin de someterla a tenaces experimentos que la ayuden a ganar unos centímetros más de longitud.
Difícil de descifrar, el alemán intenta seducir y subir escalones en confianza desembolsando efectivo sin tapujos, ya sea por adelantado para su alojamiento o bien invirtiendo en negocios asociados a la familia. Pero hay algo que nunca cierra, y el flanco siniestro del doctor se va descubriendo poco a poco.
Con una dinámica lenta, mansa pero sin aburrir, Wakolda se toma su tiempo para enlazar y enganchar plenamente al espectador. El relato encuentra su punto de equilibrio llegando a la mitad del metraje, pero luego empieza a decaer mientras se ahoga en su dificultad para cambiar de marcha, quizás en su afán por abarcar varios subtramas como el paso hacia la adolescencia y la mirada despectiva hacia el otro, elementos que más allá de estar bien contados, enfrían el eje central de la cinta.
Un drama que goza de interpretaciones creíbles y afable pulso, con rasgos de buen cine y un trabajo de fotografía virtuoso. Un producto que de tan cuidadoso falla a la hora de cosechar suspenso, dejando una sensación de desaprovechamiento, sobre todo en lo que respecta a la tensión que se podría haber suscitado si se hubiesen pulido mejor las escenas en donde el personaje encarnado por Brendemühl debería invocar al horror y a la monstruosidad tan aberrante que formaron parte de su ser.

LO MEJOR: dirección, ambientación, actuaciones. Gran calibre técnico.
LO PEOR: decae con el correr de los minutos. Falla cuando debe generar tirantez.
PUNTAJE: 5,6

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Giuseppe Tornatore (Cinema Paradiso) vuelve a concebir una película inteligentemente escrita, combinando drama, romance, algunas pizcas de thriller y un siempre bien recibido aspecto intrigante.
En La Mejor Oferta nos encontramos con un Geoffrey Rush encarnando excelentemente a un experto en el mundo de las subastas, restauración y obras de arte llamado Virgil Oldman. Un sujeto antisocial, supersticioso y con un carácter que sólo sus más allegados parecen saber tratar. El punto de descolocación del protagonista se da cuando una joven (Sylvia Hoeks) le encarga tasar y vender una colección de productos de gran valor artístico que ha heredado de sus padres. Ella, al padecer una extravagante enfermedad psicológica que no le permite salir del encierro de su cuarto ante la presencia de personas en su hogar, comienza a despertar la curiosidad y el interés de nuestro intérprete principal.
Tornatore consigue que el personaje de Rush se parezca a su film: refinado, suntuoso, elegante, capaz de elucubrar grandes diálogos y de mostrarse presentable ante cualquier puesta en escena. También logra enlazar al espectador a partir de la inclusión del componente enigmático, a cargo de Hoeks y su constante ocultación de figura y rostro. Esa expectación lo lleva a Oldman a la maquinación y la obsesión casi enfermiza por la solitaria muchacha, al punto tal de ir sufriendo una transformación a lo largo de la historia en su manera de ser y de actuar, una mutación que solo puede ser entendida bajo los efectos del enamoramiento.
Lo interesante concierne, también, al doble juego al que nos somete su conductor ante las posibles similitudes entre la falsificación de una pintura y la que tiene que ver con los sentimientos. Todo ello volcado a través de imágenes y conversaciones de alto calibre interpretativo.
Movimientos de cámara excelsos y una ambientación distinguida tornan sutil a esta narración con ciertos aires “hitchcockianos”, en donde las actuaciones colaboran enormemente a concretar una cinta casi redondita de no ser por algunas determinaciones discutibles.

LO MEJOR: Geoffrey Rush, brillante papel. La filmación, el recurso a diferentes géneros para conectarnos con el relato.
LO PEOR: extensa en metraje. La vuelta de tuerca parece anunciarse con antelación.
PUNTAJE: 7,4

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Suele suceder, como en una suerte de regla o ecuación, que a mayor expectativa, más grande es la desilusión. Y es muy probable que sus seguidores sientan algo de eso, porque a pesar de no terminar de ser un mal producto, Dragon Ball Z: La batalla de los dioses falla notablemente en los puntos en donde el film debía arrasar o destacarse.
La narración se ubica unos años después de lo que significó la última etapa de Dragon Ball Z, tras el ferviente y vigoroso enfrentamiento con Majin Boo. Allí se hace presente un villano bastante peculiar, el Dios de la destrucción. Éste, llamado Bills, es un holgazán que ha despertado de una siesta de décadas con el afán de encontrar un guerrero poderoso que decida medirse con él, aferrándose a la eventual existencia de un Dios Saiyajin. Emprende viaje hacia la Tierra, donde Goku y compañía tratarán de no hacerlo enfadar para que no destruya el planeta.
Nada para reprochar hay en lo que respecta a la animación: como era de esperarse este aspecto es de lo mejorcito de la película. El problema elemental está dado en el excesivo e infantiloide recurso a las bromas y chistes repetitivos, con muecas y gestos que se van agotando y quemando cada vez más con el correr de los minutos. Si bien el modo de hacer humor siempre fue apreciable en la creación de Akira Toriyama, en esta entrega se apela tanto al intento de hacer reír al público, que parece olvidarse que Dragon Ball cautivó a las masas por, sobre todo, sus agudos y penetrantes momentos de lucha.
El personaje de Bills, más allá del enorme potencial que expone cuando le toca sacar a la luz su fuerza, carece de carisma y nunca genera lo que han sabido cosechar los terribles Freezer, Cell y Boo: temor, tensión, preocupación.
Más allá de pasearnos por secuencias muy entretenidas (primordialmente en la primera media hora) y de contar con unos buenos guiños que entusiasman a cualquier fan (a saber conversiones en distintas fases de súper saiyajines, alguna siempre atractiva fusión, etcétera), el relato nunca acaba de inquietarnos y angustiarnos (como sí lo conseguía la serie). Para colmo, las batallas se toman un descanso casi tan largo como el que se echa el Dios de la destrucción en el film y no se exhiben hasta llegar al último tramo.
Amena pero olvidable, Dragon Ball Z: La batalla de los dioses no trasciende y echa a perder la oportunidad de vincular nostálgicamente a los incondicionales del taquillero animé.

LO MEJOR: algunos (sólo algunos) ratos graciosos. La aparición de todos los personajes. La animación.
LO PEOR: se desperdicia una buena ocasión de satisfacer al público. Por instancias infantil. Bills, un villano bastante aburrido. Tensión nula. Las peleas ocupan poco espacio.
PUNTAJE: 5

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