Probablemente uno de los trabajos más serios y maduros que había dirigido Charles Chaplin hasta la fecha, Charlot en el Balneario (“La Cura”, en su título original), narra otra de las andadas del personaje creado por Charles Chaplin, Charlot, que en esta ocasión (y respetando el formato de mediometraje de 30 minutos al que se había acomodado el británico), nos traslada a un Balneario con conocidas propiedades curativas, al que asisten viajantes adinerados y diversas personalidades de la alta sociedad americana. Charlot irrumpe en este nuevo escenario como acostumbra a hacerlo siempre, como aquél trotamundos dispuesto a poner patas arriba todo terreno nuevo que pisa.

No obstante, la particularidad de esta propuesta se encuentra en el tipo de Charlot que visita este balneario; ya no hablamos del desgraciado y pobre vagabundo de la mayoría de sus anteriores trabajos, sino de un Charlot de buen ver, con un traje impecable y sin aparentes problemas económicos. Una actitud ciertamente inteligente por parte de Chaplin, que es consciente de la delicadísima situación que atraviesan los Estados Unidos en ese momento (1917) en lo que respecta al problema del alcoholismo y los estragos que estaba provocando en la sociedad, especialmente en las capas más desfavorecidas. Así, Chaplin banaliza el tema del alcohol y le aporta una ligereza y sencillez al conjunto que hace que nos olvidemos del contexto por el que estaba pasando EEUU en esos momentos y disfrutemos de gags a cual más ingenioso.

A través del tono slapstick que tan bien se le daba al londinense, Chaplin apenas da descanso al espectador ofreciendo una larga colección de gags visuales basados en la repetición y en la comicidad con el espectador. Entre los más destacados, tenemos la brillante secuencia de la puerta giratoria del hotel (quién habría de imaginar que en tan sólo 2 metros cuadrados de espacio se pudiera llegar a filmar una persecución entre 3 personajes tan dinámica, divertida e ingeniosa), o el instante en que el ya muy ebrio Charlot decide tirar las botellas de alcohol por la ventana y estas se mezclan con el agua del balneario (por no mencionar el ridículo inicial al presentarnos Chaplin un Balneario que consta de un ridículo charco de metro de anchura y de otro de profundidad). Momentos brillantes que se combinan con algún que otro gag no tan afortunado que estorba el ritmo del conjunto (Charlot sentado entre un señor forzudo y la dama del perrito de peluche) confirman un conjunto con una gran solidez en el que no faltan ni los momentos más desternillantes, ni la habitual búsqueda de la dama más bella por parte del romántico Charlot, ni, por último, la sugerente ironía con la que Chaplin muestra la América en la que vive. Unos de los mejores mediometrajes de Charlot hasta la fecha, junto a “Charlot, Campeón de Boxeo” (1915), “Charlot el Noctámbulo” (1916) o “Charlot Prestamista” (1916).

Después de descubrir recientemente los documentales del norteamericano Robert J. Flaherty, creo que es un acto de justicia recuperar la obra del 1er gran autor de documentales, tal y como los conocemos actualmente.

Flaherty se pasó 2 años en la región de Ungava, en el norte de Canadá, filmando con su reducido equipo a Nanuk el esquimal (alias el Oso) y su lucha por la supervivencia habiendo de cargar siempre con su familia en busca de alimento y refugio. El director de Michigan ya conocía a Nanuk de sus viajes anteriores (donde había rodado una primera versión amateur que acabaría siendo pasto de las llamas) y, además, en esta ocasión se había llevado todo el material necesario para revelar las filmaciones diarias y proyectárselas a los esquimales en medio de los glaciares, hecho que provocó una implicación total por parte de los nativos, que nunca habían visto un artefacto de este tipo.

Flaherty fue lo suficientemente inteligente como para aportarle un hilo narrativo al material que iba filmando, hasta el punto de construir un principio (con prólogo incluido), un nudo y un desenlace de la historia, y para conseguirlo jugó brillantemente con el montaje (grabando acciones únicas e irrepetibles de caza, y añadiéndoles otros insertos de acciones coreografiadas con el fin de conseguir una historia con la que se lograse la inmersión emocional del espectador). Y no es casual, pues, que acabemos encariñándonos con esta simpática familia de esquimales. Las imágenes que captó la cámara de Flaherty son un auténtico canto a la belleza, destacando el maravilloso contraste entre la blanquísima nieve y los esquimales, que en ocasiones parecen sombras flotantes sobre una inmensa sábana natural. A destacar, por un lado, las imágenes de Nanuk y sus compañeros de tribu cazando un tigre de mar de hasta 2 toneladas de peso, animal que no podían arrastrar ni entre 4 hombres o, por otro lado, la construcción del iglú y la consiguiente tormenta. E incluso hasta los brutales enfrentamientos entre los perros que tiran del trineo de Nanuk y su familia, cuando el hambre hace estragos. O tiempo también para la distensión y las bromas (Nanuk mordiendo un disco de vinilo que ve y escucha por primera vez). Me resulta difícil quedarme con una sola secuencia, nos encontramos ante toda una vida plasmada en el cine sin atisbo de sobra alguna.

(continúa en el spoiler)

Después de ver una película tan extraña, visceral y fascinante como “El Hombre de Londres”, creo necesario dejar por estos lares un breve resumen de lo que se discutió el día que se pasó en nuestro Cineclub Koniec, en Calafell, para poder acercarnos un poquito más al cine de este húngaro. También me he permitido la libertad de realizar un video-homenaje en Youtube (titulado “La Mirada de Béla Tarr”) con todas las películas del húngaro (9 en total), incluyendo films tan difíciles de encontrar como su adaptación de Macbeth para TV (1982), rodada en 2 planos secuencia de 67 y 5 minutos de duración (20 años antes de que Sokurov hiciera su Arca Rusa).

“El Hombre de Londres”, última película de Tarr, está basada en la novela policíaca de George Simenón “L’Homme de Londres”, pero el texto es tan sólo una excusa, un punto de partida para que el húngaro desarrolle su estilo hacia aquello que nos quiere contar (que no es una historia criminal).

Tal y como decía Tarr en una entrevista, lo que más le interesa en sus películas es aportar una mirada cósmica de la vida a través de sus personajes, almas andantes que no dejan una sola huella en su cine. En todos sus films, los hombres recorren todo el espacio (un espacio normalmente hermético, sin salida) y desaparecen sin rumbo fijo, continuando con su deprimente existencia. Para Tarr, que se manifiesta públicamente ateo, el hombre está condenado por su mera existencia y, por si fuera poco, los condicionantes externos refuerzan esta condena y lo hunden todavía más (no en vano, una de sus películas importantes lleva por título “La Condena”). Es por este motivo que Tarr acostumbra a crear un vínculo fuertísimo entre el espacio que retrata y los personajes que quedan atrapados en él. Son sublimes los planos que siguen al personaje de Maloin en El Hombre de Londres y mantienen en todo momento un edificio en el encuadre, tras el perfil de su rostro, de manera que el espacio se está integrando indisolublemente en la mente del protagonista, condicionando su manera de percibir y de actuar. La influencia de Franz Kafka (también reconocida por Tarr) se hace patente y su cine adquiere dimensiones muy oscuras de búsqueda de un lenguaje metafísico que a la par resulta muy atractivo. La imagen, que mezcla naturalismo, realismo y artificio, adquiere connotaciones pictóricas y Tarr se transforma en uno de los pocos magos de la imagen, entrando en el selecto grupo de Welles, Tarkovski, Malick y compañía.

Brutal es lo que podría haber sido esta película. Es precisamente el adjetivo que mejor definía este proyecto sobre el papel, tremendamente original como idea pero muy desaprovechado. Danny Boyle será a buen seguro el ganador del Balón de Oro que será entregado por la FIFA mañana y no Messi, ya que nos está empezando a meter muchos más goles gracias a:

1.-Un magnífico departamento de publiciting (encargado de enviar notas de prensa que empiecen a promover el boca-oreja antes del estreno del film).

2.-Un estilo videoclipero exacerbado con reminiscencias del videoclip proveniente del mundo del skateboarding. El estilo empalma sobretodo a un público joven, menor de 29 años.

3.-Un uso de la música abusivo a la par que aleatorio por parte del sr. Apu.

4.-Un muy buen manejo en la sala de montaje.
Etc.

Y aquello que lastra la interesantísima propuesta:

1.-El sr. Apu creó un muy buen repertorio musical (aunque sin unidad ni personalidad) en el anterior film y aquí decide cargarse todo aquello que podía hacer grande esta película: la tensión, la impotencia, la frustración, la locura... todo aquello que se esfuerza en transmitir el pobre Franco es silenciado por el estruendo del sr. Apu. Apenas hay sonido directo de gemidos/gritos a pélo en una propuesta que lo necesitaba urgentemente.

2.-Tan sólo tenemos 2 secuencias que consigan transmitir dichas emociones: el magnífico sueño de la tormenta y el clímax del brazo con el sr. Franco tocando la guitarra. El resto hacía que me sintiera triste; material desaprovechado con una elección de casting errónea a mi juicio; Franco aprueba pero no hace estallar la pantalla como podría haber hecho otro actor ayudado por un estilo diferente de dirección...

3.-La desastrosa fotografía de uno de los grandes, Anthony Dod Mantle. Aun me cuesta creer que sea él quien ha fotografiado este film y esas escenas nocturnas. Sin olvidar algunos fogonazos de luz hacia el rostro de Franco sin justificación alguna...

4.-La pedantería de Boyle, su discurso trascendental mediante la triple split screen del inicio/final; "Vive en sociedad: no te arrepentirás" o "el ser humano es sociable de por naturaleza" son algunas de las perlas discursivas que nos lanza con ese cutre-prólogo y cutre-pílogo de pseudo-documental en la línea de otros ejemplos como "Última Llamada" (2002).

Y como notas positivas, decir que, más allá de lo desaprovechado del material, la película se hace llevadera, es relativamente atractiva y tiene a un entregado James Franco, dentro de sus limitadas posibilidades para este papel (ojo, que me parece un buen actor). Y llegado a este punto me pregunto: ¿He visto la misma película que los demás? ¿Qué me está pasando? o ¿Qué les está pasando a los demás?

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Interesantísima película de uno de los directores coreanos que más han mantenido su condición de autor dentro de un mapa tan industrial como el surcoreano (salvo excepciones como Kim Ki-duk y Lee Chang Dong).

Sin desmerecer una de las 2 anteriores críticas que tildan esta propuesta de aburrida (a la otra no la podemos llamar crítica), está claro que Hong Sang So no es para todos los paladares, y en su cine hay que dejarse llevar por unos personajes que tienen su papel muy interiorizado y nos llegamos a creer absolutamente.

En esta una de sus primeras películas, se nos cuenta una especie de ménage à trois entre una jovencita no tan joven como para ser virgen (24 años) y la relación que mantiene con su jefe el productor maduro, y un joven amigo de éste, que entra en escena y queda absolutamente enamorado de ella.

Lo interesante de este film, a mi modo de ver, es la forma en que se narra para acabar hablando del destino (la ausencia del mismo, la capacidad de escoger) y de la genealogía de una relación sentimental. Da la impresión de que la película se nos narra desde el punto de vista de la no-tan-joven virgen, ya que se establece un punto de inflexión (magnífico por cierto) en pleno ecuador del film, en el cual la protagonista, en el momento en que ascendía una montaña en teleférico, reflexiona sobre el punto crítico donde había llegado su relación con el joven enamorado. Ello da lugar a una especie de flashback general que podríamos llamar "flashback de 2ª oportunidad". Sang So nos enseña cómo en ocasiones nos mostramos excesivamente interesados por la persona que nos atrae y esta nos hace la "cobra", cuando en la misma situación, midiendo nuestro temperamento sentimental y emocional, somos capaces de conseguir que ésta se sienta totalmente atraída por nosotros....

Destacar, por otra parte, los magníficos encuadres de Sang So, llenos de intención (con primeros y segundos términos) y al mismo tiempo cargados de belleza.

Y respecto al apartado negativo, lástima de una pobre banda sonora compuesta con organillo de gitano, rácana y monótona, que le resta algún que otro entero a la película, junto a ciertos errores técnicos, como el micro mencionado en otra crítica.

No me atrevería a recomendarla a todo el mundo, pero sí lanzo una baza a favor de este interesantísimo autor; aquellos que gusten de propuestas diferentes y personales hasta la médula, no pueden dejar de acercarse a este señor, y más aun cuando Intermedio acaba de editar un pack de lujo con 5 de sus últimas películas (entre las que se incluye la fantástica Turning Gate).

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