"En nombre de la tierra" tiene el precedente de "Loving Vincent" —obra de la misma directora y realizada también con una técnica similar a la rotoscopia. Ambas son auténticas "películas pintadas" ya que primero se filma y después se pinta, al óleo en este caso, fotograma a fotograma. Así es como entro en la sala con las expectativas muy altas. Entrar de esta forma es algo peligroso porque puede suponer un bloqueo a la hora de valorar su mérito. Sin embargo, la experiencia personal ha sido de lo más enriquecedora tanto por la propia narrativa como por la delicia estética que emana de todos y cada uno de sus "cuadros".

La trama se fundamenta en la novela "Los campesinos" del escritor polaco W.S. Reymont, premio nobel de literatura en 1924. La trama está centrada en la figura de Jagna, una joven del campo polaco durante el siglo XIX que está obligada a casarse con un campesino ya mayor, rico y viudo mientras ella está profundamente enamorada de su hijo casado con Hanka. A este triángulo narrativo se añade la envidia y el rechazo del vecindario por la soltura y la inocente libertad de Jagna. Todo se desarrolla durante las cuatro estaciones de un año dejando muy clara la importancia de esta secuencia con todos los eventos tanto de trabajo como de celebraciones festivas y rituales.

El maridaje entre una rabiosa narrativa y una minuciosa estética pictórica propia de la tradición pictórica naturalista del siglo XIX queda perfectamente ligado a partir de un trabajo titánico de los diferentes grupos de realización hasta el punto que de vez en cuando te gustaría que se detuviera la imagen para poder contemplar con más pausa ese "cuadro de museo" que tienes delante.

Mención especial merece la música de cariz tradicional que acompaña todo el metraje y muy especialmente la escena de la boda donde queda bien patente la tripleta de poder rural -alcalde, cura y cacique- mientras la chica lucha por deshacerse de ella.

No se deje escapar esta sugestiva experiencia sensorial y vaya a la sala de cine. Hacerlo en otro medio sería casi un sacrilegio. (7,5)

Supongo que se habrá hecho mil veces la pregunta tópica y repetitiva de para qué sirve la ficción y la fantasía expresadas a través de diferentes formas (literatura, cine, cómic o arte en general...). En este sentido, y para responder a la pregunta de por qué me gustaba el cine dije que "así podía vivir vidas paralelas", respuesta que escondía la necesidad sanadora y evasiva de una realidad gris, repetitiva y muchas veces insoportable que la mayoría de mortales tenemos con un "ir tirando" suficientemente expresivo. Lucía es como todos nosotros: lleva una vida monótona, cuida de su padre y charla de vez en cuando con "la amiga de toda la vida". La quiebra de la empresa donde trabaja a causa de un desfalco por parte del propietario la deja en la calle sin indemnización. El bache le sirve para replantear su futuro en el mundo del taxi que tanto había idealizado su madre ya muerta hace mucho tiempo a la vez que conoce a su vecino, se enamoran para desaparecer después misteriosamente. Con su nuevo trabajo comienza un viaje entre la quimera para reencontrarse con su deseado vecino, la oportunidad por la venganza y la construcción de un relato de auténtica "mantis religiosa" mientras la muerte de su padre la deja tambaleándose.

El director Antonio Méndez Esparza con la ayuda inestimable y necesaria de la guionista Clara Roquet —directora de la aclamada "Libertad" (2021)— nos van sumergiendo poco a poco en una abstracción que la propia Lucia construye, elipsis y unas escenas perfectamente construidas —con un juegos de espejos y reflejos ingeniosos y elocuentes— las cuales nos inundan continuamente de una sensación de peligro inminente reforzado con una banda sonora que, salvando las distancias, tiene cierto parecido con el de "Psicosis" (1960). Todo ello nos aboca a un vértigo final donde la realidad y la ficción juegan continuamente con nosotros, aprovechando la experiencia camaleónica de una inspiradísima Melena Alterio y al hilo de un guión ajustadísimo para completar un remate final que nos descoloca .

"Que nadie duerma" acaba convirtiéndose, en mi opinión, en una divertida bofetada a la grisura de la rutina mundana a la vez que nos regala un bello y contundente enaltecimiento del placer de imaginar para superar el dolor de la traición o la pérdida y para echar los fantasmas del vacío existencial

Ariadna (una Laia Costa que no acaba de exprimir sus esencias) ayuda a su abuelo en la búsqueda del cadáver del padre de éste en una fosa común que están exhumando en Burgos. Durante su estancia por la comarca se topa con la historia entrañable de Antoni Benaiges (un Enric Auquer que cautiva), maestro de su abuelo y protagonista, antes de ser ejecutado en julio del 36', de una tarea pedagógica innovadora, cercana y recordada en una pequeña localidad de la zona.

La directora Patricia Font compone dos líneas narrativas que se mueven entre un gris de un presente que se esfuerza por recuperar una memoria quizá ya excesivamente lejana y un tiempo pasado iluminado por el entusiasmo radiante de un maestro que se convierte en el paradigma de una república que modernizó el país justo antes de ser víctima de la barbarie de un golpe de estado salvaje seguido de una represión excesiva y cruel.

Emociona —y muy especialmente a todas las personas vinculadas a la docencia— ver dentro de unas escenas bien construidas como el joven maestro empatiza y motiva a un grupo de niños, todos ellos bien interpretados, que tenían la escuela como un lugar de palos y castigos . A partir de un trabajo personal, colaborativo y libre, el grupo empieza a descubrir el placer de aprender, escribir, bailar o leer. Todo se representa con una sencilla veracidad que acaba llenando la pantalla de momentos entrañables dentro de un proyecto pedagógico que traspasa —como no podría ser de otra forma— las paredes del recinto escolar para implicar al entorno aunque algunos sectores, que no hacer falta ni nombrarlos, se lo miren de reojo, acaben cambiando el viaje para ver el mar por un maldito mar de lágrimas.

La cinta no es perfecta —la segunda línea narrativa no puede competir en ningún momento con la fuerza emotiva de la primera y acaba perdiéndose dentro de laberintos no resueltos— pero logra conmover en un ejercicio de memoria bien planteado desde los hechos reales. En este sentido se recomienda ver el documental en el que se ha basado la película, que podemos encontrar en Filmin y que lleva por título "El retratista" (2013). (6,5)

El nombre de un antiguo y popular pub regentado por TJ es el título de una nueva película del veterano Ken Loach —¡qué 86 años mejor llevados!— con una trama de lo más sencilla: a una pequeña localidad del nordeste de Inglaterra, empobrecida y sin demasiada esperanza tras el cierre de las minas de carbón, llegan un grupo de familias refugiadas sirias. Las actitudes de rechazo y comentarios populistas propios de barra de bar —¡nunca mejor dicho!— alimentarán un racismo en una parte de la población. Sólo el trabajo solidario y voluntarioso de otro grupo básicamente formado por mujeres conseguirá hacer el necesario contrapunto a una incipiente agresividad.

Podemos afirmar que se trata de una película de cine social, que está bien realizada y, aunque sea un tópico, es más necesaria que nunca si pensamos en los evidentes peligros de degradación de unos servicios sociales redistributivos y compensatorios —que se acercan más a una medida caritativa y patriarcal que a una justa necesidad de una parte de la población— y financiados por un estado que no llega a todas partes debido a unos recortes siempre activados por una agenda neoliberal desbocada.

El director, acompañado por su guionista de cabecera — un Poul Laverty acertado y preciso— recrea una amplia panorámica de todo un ecosistema social a partir de los clientes y amistades de un T.J. que está atrapado en una "equidistancia" aparentemente imprescindible para mantener la escasa clientela del establecimiento. Las conversaciones y comportamientos de los habituales son de un realismo tan cercano que a menudo te inunda una inevitable vergüenza ajena.

La denuncia de la injusticia, el racismo y el individualismo perverso es evidente y creíble y no llega, en ningún caso, a ser repetitivo ni demagógico. Ken Loach deja patente su experiencia al plantear toda la trama como un cuento que acaba convirtiéndose de forma natural en un clamor a una empatía comunitaria, fructífera y emotiva en un camino lleno de obstáculos y trampas diversas. Resulta inevitable emocionarse al comprobar esta comunión entre una buena realización y un mensaje de sabiduría indiscutible.

No sé si ésta será su última película y sería una pena no poder disfrutarlo más tiempo. Sin embargo, su huella resulta innegable y "El viejo roble" —con algunos premios en festivales ya en su zurrón— sería un excelente colofón de un realizador impecable, experto y que siempre ha estado listo por la denuncia acertada y la promoción de valores solidarios. (7,5)

Tenía mucha curiosidad para ver cómo podría adaptar Isabel Coixet una buena novela de Sara Mesa que se desarrolla dentro de un entorno rural mostrando una crudeza y una amargura muy alejadas de idealizaciones edulcoradas. La historia de Nat comienza cuando se instala en una casa destartalada en una pequeña población llamada "La Escapa" huyendo de una época de estrés urbanita en busca de esa paz y consuelo que le permita seguir escribiendo y traduciendo. La hostilidad directa o escondida detrás de unas inocentes apariencias de la mayoría de los vecinos contrastará con la franqueza de Andreas que está dispuesto a ayudarla para tapar unas peligrosas goteras del tejado. A partir de ahí se iniciará una singular relación llena de pasión y una sinceridad extrema.

Lo primero que cabe destacar es la valentía y el acierto de la directora para darle al relato de la novela una mirada más personal, quizás más gélida y desnuda en perfecta concordancia con la fotografía para acabar con un final de piel de gallina en la que la actriz Laia Costa demuestra una faceta inusual de su magnífica interpretación. Un final bien traído y al cual le han caído algunas críticas que no acabo de comprender.

La travesía personal de Nat en un momento de evidente debilidad nos va mostrando de forma intensa y profunda las caras más diversas de su personalidad así como de su deseo que toma forma dentro de la relación con otro animal herido. Ambas eran interpretaciones difíciles y complejas que corrían el peligro de caer en unos poco creíbles fuegos artificiales y que acaban conformando una de las más destacadas parejas de la temporada.

Muy interesantes resultan también los retratos del resto de vecinos que forman un ecosistema bien perfilado y perfectamente identificable aunque en algunos momentos se abuse del estereotipo. Todo ello no supone en ningún momento un obstáculo para que el resultado final sea un buen y perturbador melodrama romántico que con el sello personal de la directora y con el apoyo inestimable de dos interpretaciones de altura se convierte en una cinta destacada y estimulante. (7)