Las comedias de los hermanos Marx forman parte importante de la historia del cine y es por ello que quien sea, con una mínima curiosidad cinéfila, debería hacer una parada para conocer un tipo de comedia único. Mi nota en estos casos suele ser un cinco neutral, (en este caso he querido aumentarla un poco más) y es que nunca podría considerar ejemplos como esta "Sopa de ganso" como obra maestra porque pertenece a una época demasiado lejana. Es difícil valorarla igual que todo lo que vino después, hay que ser realista y saber que su mérito es enorme, el cine sonoro apenas llevaba unos años de vida y estos hermanitos montaron una comedia con unas coreografías tremendas, como musical no hay duda que es pionera. Es por ello que pese a sus defectos, que los tiene, "Sopa ganso" merece todo mi respeto, desde ese año 1933 ha cambiado todo en el mundo del cine y sin embargo he disfrutado con gags que bien podrían montarse en la actualidad sin problemas. Yo con la escena del espejo sencillamente me he descojonado.

Hay quien decía que le recomendaron ver "Sopa de ganso" en unos momentos de seria depresión y resultó más eficaz que cualquier otro tipo de terapia. También hay quien dice que como comedia ofreció las maneras con las que poco más tarde se basaron los primeros cortos de animación, a base de montar un gag detrás de otro sin sentido, porque de lo que se trata es de hacer reír a toda costa... Y de las cosas malas, pues no pienso mencionar nada, porque sí, defectos los tiene, pero más vale recordar lo positivo que es mucho: el bigotazo del sinvergüenza Groucho, las tijeras del mudo, los bofetones por aquí y por allá, la guerra hecha parodia... Un ejemplo de comedia sana de la que es difícil hablar mal.

Fue su última gran película y con ella ofreció su última gran exhibición. Al cine de Kurosawa es necesario meterle mano sabiendo que lo que uno va a degustar es una pieza única hecha por un artesano, hay que tener paciencia y saber que cada escena, cada minuto de sus películas, supone un ejercicio de coherencia que tiene relación con el engranaje global del mensaje que pretende transmitir. Con esta historia épica ambientada, como en otras ocasiones, en el Japón feudal Kurosawa se va a buscar en las miserias eternas del ser humano la esencia con la que construye "Ran". No es amor, ni amistad, ni las cosas buenas de la vida de lo que se nutre Kurosawa, con "Ran" se nos enseña el lado cruel y vengativo del ser humano, sus ansias de poder, la insensibilidad, el egoísmo, en fin, el lado malo y oscuro del humano.

Tengo que destacar necesariamente que ese lado oscuro es el mismo en el Japón que se ambienta en "Ran" que el de Shakespeare o el de mi vecino del quinto, son cosas de las que estamos hechos, es nuestra condición de humanos. A mí Kurosawa a veces me ha decepcionado, en otras películas me ha parecido un tostón y siempre he ido con cuidado, creo que con el tiempo acabaré entendiéndolo y deberé revisitar su obra. Con este drama familiar se metió un homenaje maravilloso, llena de colorido, de escenas para no olvidar, con actores algo histriónicos pero con un estilismo que ya no se ve. Es fácil hablar de colorido majestuoso, desde la primera escena de la caza del jabalí no vemos otra cosa que guerreros vestidos de rojo, amarillo o azul que contrastan con el verde de la vegetación y el cielo azul imperioso. Kurosawa quiso que fuera así, es su ofrenda a la estética, porque el cine es imagen y bien lo sabía, de esta manera es imposible olvidar la triste figura del jefe del clan, con su pelo blanco, cayendo de la cúpula suprema al subsuelo más lamentable.

Hay muchas cosas a destacar, y es por ello que en mi opinión es muy fácil defender una película así, el que no le presta la atención necesaria se aburrirá y se dormirá, normal, esto no es un videoclip, es una película como una casa y es justo pedirle una atención mayor. Merece muchísimo la pena. Yo a menudo entre nombres propios ajenos a mi cultura y esos peinados imposibles, me he he perdido en otras muestras de cine nipón, por eso afirmo, y más en este caso particular, que vale muchísimo la pena prestarle mayor atención, de esta manera es fácil disfrutar.

Ya sabemos que en esto de los Óscars siempre habrán discusiones y que lo que se impone no es siempre una única objetividad. Como muestra de que siempre ha habido debate quiero dejar anotado que para este año 1956 el que se llevó el premio a la mejor interpretación fue Yul Brynner por "El rey y yo", quien haya visto ambas películas con las interpretaciones de sus protagonistas que juzgue como quiera el resultado. Anthony Quinn sobresale en su papel de Paul Gauguin, me ha parecido un personaje, seguramente tal como fuera en vida, de una gran fortaleza, rebosante en carácter y personalidad, inquebrantable, pura energía. Que le dieran el Óscar al mejor actor de reparto me parece lógico y normal. Pero, ¿y Douglas? A mi manera de ver las cosas pocos papeles suyos pueden estar por encima, no diré que haya visto toda su filmografía, ni siquiera una pequeña parte, pero me cuesta creer que llevara a cabo una interpretación mejor que la que hizo al personificar al pintor holandés Van Gogh.

Ya en las primeras escenas adivinamos la amarga existencia del pintor, el lastre que arrastra de ser como era, y todo ello es por culpa de Douglas, culpa o mérito. Lo cierto es que gracias a Kirk Douglas podemos apreciar la vida atormentada que padeció, con otro actor se me hace difícil pensar que hubiera sido igual. Estoy de acuerdo en que la película decae en su última parte, la elevada densidad hasta ese momento no concuerda con un final resuelto tan aparatosamente. Minnelli debe es el señalado como culpable de ese punto y final disonante. Mientras que para mí, sublime toda la película, sobrevuela un Kirk Douglas que se merecía más que un premio, eso hubiera sido poco, con el desarrollo que lleva a cabo de la vida de un hombre tan angustiado tocó techo y un Óscar hubiera sido poca cosa. Insisto: esta película no hubiera sido la misma sin él.

No hay que ser demasiado listo para darse cuenta de la división clara y tajante que existe en la película de Berlanga en dos partes tan diferentes, y si digo que no hay que ser muy listo para percatarse de ello es porque hasta yo me he dado cuenta. Especular con lo que sucedió realmente es perder el tiempo, pero creo que poco alejados estaremos de la realidad si tomamos por cierto el hecho que se topó con la iglesia, o con la censura, aunque bien podríamos estar hablando de lo mismo al acusar con el mismo dedo a ambas cosas. El caso es que en la primera parte todos percibimos al mejor Berlanga, todos apreciamos sus rasgos, sus maneras, su humor, la acidez de su presentación... Y una segunda parte poco sugestiva, sombra de la primera, un hachazo lamentable al discurso de la primera parte, un paso para atrás, más que eso, un parón absoluto en el desarrollo de lo que venía siendo una comedia excelente. Ay!!! el Opus Dei metió mano y todo se fue al carajo, por lo que dicen Berlanga perdió una batalla que empezó ganando y nos tenemos que quedar con una película mutilada.

Pues no. Yo no me quedo con una parte de la película, yo me quedo con un pedazo de actor que con sólo verlo una sonrisa ya aparece en mi careto, hablo de Pepe Isbert, a veces pienso que su grandeza consistía en ser como actor lo mismo que era como persona. Puede que me equivoque, puede que fuera un cabroncete, a saber, pero a mí me da la impresión que era un tío grande. No sé cómo decir de otra manera que al verlo con la barba postiza, con el faldón y su aureola postiza en su primera aparición, sencillamente me he descojonado vivo. Berlanga tiene mucho que ver, sobre todo en esa primera parte, que es para quitarse el sombrero, para mí sólo con ver a Isbert de esa guisa con los fuegos artificiales, al otro moverse con las ramas y la parafernalia completa y absurda, ha valido mucho la pena ponerme "Los jueves, milagro".

Para Isbert no hay suficientes palabras, brillante, excepcional, inmenso... se aceptan todo tipo de adjetivos de este estilo y nunca serían suficientes...

La última historia que Frank Capra ofreció al cine es una muestra que explica mucho de su filmografía entera. En su postrero título le puso todo el corazón, inmenso como el que más, para explicarnos que en la vida no se pueden perder las ilusiones, que los sueños pueden hacerse realidad y que más vale la pena ser buena gente, por encima de todas las cosas. Capra nos alienta con un mensaje imperecedero de bondad, aquí en "Un gángster para un milagro" y en muchas otras ocasiones atrás, se trata de un mensaje en el que caben los sueños, pero no porque sí, caben porque tiene sentido en la vida como él la plantea, porque vale la pena vivir siempre y cuando sucedan cosas buenas, que de las malas se encarguen otros.

De la mano en esta ocasión de un Glenn Ford enorme Capra nos da de nuevo un paseo por la cara buena del ser humano, el humano amable y generoso, bien es cierto que movido por la superstición y con fines de discutible moralidad, pero ese es un tema que hay que pasarlo por alto necesariamente. También hay que tener en cuenta que las maneras que usa el director de origen siciliano sólo es apto para espectadores que asimilen sin reparos dosis muy elevadas de azúcar. Aquí sólo hay sitio para el buen rollo, con Capra sólo hay sitio para finales felices y la verdad, de dramas ya estamos bien servidos a diario, así que películas de este estilo deberían ser obligadas para muchos a menudo. De Bette Davis y los secundarios simplemente no diré otra cosa que brillan, como resplandeciente es el contenido y la idea que transmite.