El grandioso Luis Buñuel nos brinda en esta cinta, posiblemente, uno de sus mejores trabajos. Con su característica visión surrealista realiza una crítica despiadada a la clase social burguesa de la época desnudándola y sacándoles a la luz sus más bajos y primitivos instintos humanos, o mejor dicho animales.

Buñuel nos presenta un mito o maldición extraña e indefinida llamada “El Ángel Exterminador” que cuando aparece impide que por extraños e inexplicables motivos los asistentes que se encuentran dentro de ese espacio permanezcan encerrados en él hasta que no consigan colaborar y ponerse de acuerdo para salir todos juntos. El motivo por el que se encuentran dentro y no pueden salir es ilógico y surrealista, es más una lucha moral entre todos ellos que no un problema físico el que les impide liberarse. Todos se encuentran recluidos, artos de estar en esa situación y desesperados al ver que los alimentos se han acabado pero a la vez nadie es capaz de poder salir de ese lugar tomando la iniciativa. Buñuel consigue trasladarnos magistralmente la decadencia total de una clase social cuando se ve expuesta a la prueba de superación de distintas penurias. Buñuel consigue hipnotizar con un simbolismo portentoso a la vez que interesar al espectador con un misticismo ininteligible que te mantiene pegado al asiento inquieto por comprender que está ocurriendo allí. El carácter y comportamiento de los personajes se va transformando y degradando a medida que las necesidades se van apoderando de los distinguidos burgueses y ese insufrible hedor a recticismo que emiten los protagonistas al principio de la cinta se va transformando paulatinamente faltando “a los más distinguidos honores de la etiqueta”. Ese elitismo inicial acaba desnudando las bajezas más impropias de una clase social adinerada pero a la vez las más propias de todo ser humano que libera su instinto animal. Los excelentes diálogos acompañan y nutren perfectamente la buena labor de los actores, un reparto escogido fabulosamente aunque, algún niño repulsivo al estilo “La vida en un hilo” hubiera sido la guinda mágica al retrato vomitivo de la clase adinerada.

El film una vez acabado nos plantea muchas incógnitas que no se explican claramente, aunque esa es la esencia del surrealismo de Buñuel. ¿Los anfitriones de la casa conocen la presencia del Ángel Exterminador y saben lo que les ocurrirá a sus invitados? ¿La reacción de los camareros y resto de servicio al marcharse aquella noche de la casa está directamente relacionada con la aparición del fenómeno? Que cada uno piense lo que quiera pensaría Buñuel posiblemente. En definitiva, film indispensable. Disfrute visual y enriquecedor de principio a fin, no se hace nada pesada y el ritmo narrativo es fluido y bastante conciso para ser de carácter surrealista. Un clásico inolvidable que todo el mundo debería ver.

Clint Eastwood pone su firma a esta joya, para mí su mejor trabajo como director. Hipnótico drama que te atrapa de principio a fin repleto de interpretaciones sensacionales y un reparto total. El perfecto ritmo narrativo que inyecta Eastwood nos atrapa, emociona e inquieta en un drama con distintas líneas argumentales que poco a poco van descubriéndose. El guión elaborado y complejo cuenta con multitud de detalles que nutren de una riqueza argumental que consigue atrapar al espectador de principio a fin. El director consigue mantenernos en todo momento a la expectativa sin que nos atrevamos a plantearnos claramente un final o resolución claramente visible. Atrapa, emociona, inquieta y deslumbra a partes iguales. No contento con mostrarnos a un Sean Penn (Jimmy Markum) rozando la perfección interpretativa y regalando al espectador una profundidad dramática espectacular en donde parece que vomite toda su alma, Eastwood es capaz de empujarnos sin contemplaciones dentro del alma del resto de personajes consiguiendo una profundidad psicológica de cada uno de los 3 protagonistas realmente digna de aplauso. La banda sonora, con hermosas piezas de piano, acompañan dignamente en todo momento a la acción. “Para siempre” como dice Dave, Mystic River te quedara en la memoria.

El film está repleto de escenas memorables. Eastwood sabe cómo hacernos llegar mediante su escenografía las diferentes sensaciones que quieren transmitir sus personajes. Recoge con movimientos de cámara interesantes una atmósfera de tensión e intriga perturbadoras y que centran desde el principio el interés del espectador. Sabe cómo rodar la tensión, sabe cómo presentarnos ese plato tan suculento sin dejarnos ver cómo serán los postres. Jimmy Markum (Sean Penn) representa todo lo que no ha podido conseguir Dave Boyle, tiene una familia estupenda, un negocio, un par de matones que le cubren las espaldas y que están en deuda con él (los hermanos Savage), una mujer hermosa y unas hijas encantadoras. Dave Boyle, dejo de ser el mismo cuando 25 años atrás fue secuestrado por un pedófilo antes los ojos de sus amigos Jimmy y Sean Devine (Kevin Bacon). La persona que consiguió escapar de las manos de ese secuestrador ya no volvería a ser nunca más Dave Boyle, sino una bomba de relojería que en cualquier momento, tarde o temprano estallaría violando, matando, vengándose o volcando toda su rabia contra quien cree culpable de su desgracia, su amigo Jimmy. La mirada hacía la Katie (la hija de Jimmy) cuando está en el bar bailando en la barra no parece para nada inocente. El director consigue que entendamos y podamos llegar a comprender el estado psicológico de los personajes y como público podamos justificar sus acciones y sentirlas como nuestras. Dave es interpretado de forma magistral por Tim Robbins que nos transmite la inestabilidad psíquica del personaje, y nos perturba y conmueve al mismo tiempo.

(Continúa en SPOILER)

Precioso cuento de hadas que es capaz de enamorar a todos los públicos, te guste o no te guste el género de las comedias románticas Vacaciones en Roma es un título que todo el mundo debe de ver. William Wyler, el director, tiene el talento para ofrecernos mediante su correcto punto de vista del papel de los actores como del ambiente en el que se desarrolla la acción, casi 120 minutos de entretenimiento y belleza escenográfica. No es fácil conseguir atraer la atención del espectador pero Wyler nos encandila exprimiendo al máximo el encanto de mi diva preferida, la superlativa e icónica Audrey Hepburn. Como en toda comedia romántica, no puede faltar el “galán de turno” y este papel lo hace notablemente el gran actor americano Gregory Peck que complementa perfectamente a nuestra protagonista. Añadimos a esta pareja la ciudad de Roma como escenario de la acción y lo completamos con un guión atractivo (inspirado en el relato del escritor Dalton Trumbo) y el resultado de este “cocktail” es una de las mejores comedias románticas que he visto jamás. Sin duda, si queréis enseñar alguna vez a alguien como se puede hacer una comedia romántica fuera de los argumentos mediocres que invaden el mercado actual…este film es el ejemplo ideal para presentar el genero sin quedar retratado. Es un film que te gustara más o menos, pero gusta.

El argumento es simple pero no por ello deja de ser atractivo para el espectador, su simplicidad deja vía libre al público para relajarse y reservar sus 5 sentidos a la actuación de Audrey Hepburn. Nuestra protagonista encarna a la princesa de un pequeño país centroeuropeo llamada Ana. Durante su estancia en Roma vive encerrada en un mundo de compromisos institucionales y distintas obligaciones que le hacen sentir como si fuera una esclava. Poco a poco va sintiendo unas necesidades imperiosas de volar y sentirse libre como cualquier mortal sentiría en su lugar. La princesa envidia al ciudadano de a pié y envidia su libertad pero a la vez siempre es consciente de su papel, de su cargo, y de las responsabilidades que ello conlleva. Aún así, la princesa Ana decide escaparse para vivir unas jornadas fuera de aquella esclavitud y poder mostrarse como persona y como mujer libremente. Los días que pasa y las diferentes aventuras que vive junto con Joe (Gregory Peck) serán inolvidables para los dos y acercan el papel de la princesa al del pueblo. El director consigue mostrarnos que la princesa necesita reír, llorar y sentir como todo ciudadano del pueblo lo hace y que en el fondo las necesidades del alma de un ser humano no son tan diferentes por el hecho de pertenecer a una u otra clase social.

(Continúa en SPOILER)

Interesante y divertida comedia dramática con toques significativos de comedia negra que nos sumerge dentro del universo que crean los hermanos Coen en todos sus films. La peculiar habilidad para la elección del reparto vuelve a estar patente en este film y nos encontramos con multitud de personajes pintorescos que consiguen transformar lo cotidiano en excéntrico a través de diálogos y de notables interpretaciones.

Destacamos al protagonista, el actor Michael Stuhlbarg y su innegable habilidad en la comedia aunque en este caso más que reírnos con su actuación lo hacemos con el personaje que interpreta, es imposible no hacerlo con la multitud de desgracias que le van sucediendo a medida que avanza el metraje, no obstante caemos en una rutina de reiteración. La tranquila, fría y rígida personalidad del protagonista va quebrándose poco a poco a medida que las desgracias van apareciendo en su vida y le llevan a que finalmente acabe rozando la desesperación al ver como su vida va cayéndose en pedazos de forma irremediable. El ritmo narrativo es demasiado lento y eso no ayuda a que la historia coja toda la fuerza necesaria para atraer todo lo que podría al espectador. La narración llega a ser tan lenta y desesperante como el propio la propia personalidad del protagonista el cual no es capaz de reaccionar y superar su miedo a enfrentarse con los problemas que le van surgiendo en la vida y parece un mero espectador de cómo el resto de personas consiguen derrumbar su existencia. El buen hacer del reparto y unas escenas divertidas y bien logradas maquillan esa carencia del ritmo narrativo. El film entretiene y resulta interesante, pero no engancha ni maravilla en exceso. El prologo que se nos presenta es original y divertido, pero tampoco entiendo demasiado que pinta o que mensaje quiere transmitirnos, supongo que una moraleja relacionada con un cuento judío pero el cual desconozco. La combinación de comedia negra y drama es interesante y el tono critico a la religión esta patente en todo el film. El humor, o mas bien los toques sutiles de él en algunos momentos del film son casi siempre a costa del judaísmo, no digo que sea criticable pero si remarcable. Es precisamente en la religión donde el protagonista encuentra un poco de paz en el descalabro de su vida, una vez se realiza el “bar mitzvah” del hijo y por fin se ve con fuerzas para tomar alguna decisión, por fin parece que le corra sangre por las venas...

Aunque no me resulte un film para guardar en el recuerdo si que hay toques innovadores para recordar y eso es de agradecer a los Coen. La fotografía es bastante buena y proporciona una belleza visual notable a toda la cinta. La banda sonora comandada por la canción de los Jefferson Airplane ameniza notablemente toda la película. El final es abierto y de libre interpretación para el espectador que llegue a verlo.

Insípido melodrama de época con un reparto más que notable pero con un director que no sabe sacar todo el potencial existente en sus actores, la centralidad del guión posiblemente tampoco ayude. La puesta en escena nos ofrece unas expectativas emocionales alejadas del frío resultado final obtenido. El film cuenta con actrices/ actores de la talla de Susan Sarandon, la jovencísima Kirsten Dunst, Christian Bale y Winona Rider. Sin duda, por encima de todos, tenemos que destacar la estupenda interpretación de Ryder, nominada al Oscar en 1994 como mejor actriz por su actuación en esta película, sus discursos y su expresividad transmiten mucho al espectador. El desparpajo y vivacidad de la joven Kirsten Dunst no debo pasarse por alto, una pena que no podamos disfrutarla durante toda la cinta pero en lo poco que podemos nos deja momentos de notable expresividad, sensibilidad y una cálida interpretación. Debemos ser justos y destacar el espectacular despliegue y resultados en la elección del vestuario, nos presenta de forma formidable la escenografía de la época en que se ubica la trama, en plena guerra de Secesión a mitad del siglo XIX. A falta de ver el film original de Mujercitas del año 1949 (guión adaptado de la novela de Louisa May Alcott) este remake me ha resultado, a grandes trazos, poco más que interesante.

Una familia marcada por la guerra se queda a causa de esta sin la presencia y figura del padre. A raíz de la ausencia del mismo se va desmoronando la estabilidad social que poseían anteriormente. La madre tiene la difícil misión de educar y orientar las vidas de sus 4 hijas, las cuales tienen diferentes edades, visiones y objetivos del mundo y de la vida. Winona Ryder interpreta a Jo, que desea alcanzar el éxito y la independencia en la vida sin que ello vaya ligado a la dependencia del hombre, interpreta a la mujer libre e independiente que desea luchar para cumplir sus sueños. Genial Winona Ryder la mejor interpretación del film sin lugar a dudas, su forma de interpretar es ideal para el personaje que caracteriza e inyecta unas dosis de realismo y credibilidad enormes al mismo. Dinamismo, ímpetu, personalidad marcada, independencia… son solo algunas de sus características. En contraposición a su personalidad tenemos a su hermana pequeña, interpretada por Kirsten Dunst, el objetivo de la cual es encontrar un hombre adinerado que la mantenga y la sitúe dentro de la alta sociedad de la época para que no tengo nunca que pasar las necesidades que de pequeña a sufrido a causa de la ausencia de su padre. ¿El resto de personajes? Tan innecesarios como insustanciales, el director no les ofrece ninguna relevancia dentro de la historia y el público por tanto tampoco. Christian Bale tampoco se salva de la quema, algún momento puntual con algún diálogo interesante pero poco más.

(Continua en SPOILER)