Hermosa y dura película de Bille August que nos muestra a través de los ojos de un niño lo dura que era la supervivencia y el precio que tenía la esperanza a finales del siglo XIX.
La trama nos sitúa en una isla Danesa donde llega un barco cargado de inmigrantes suecos que buscan una mejor vida, entre ellos está Lasse Karlsson, que es un hombre ya de edad avanzada que cuida de su hijo Pelle, un joven adolescente que aún necesita de los cuidados y atención de su padre, al no estar preparado para andar solo en ese mundo.
El guion, escrito por el mismo director y basado en la novela de Martin Andersen Naxo, expone las duras condiciones que tenían los trabajadores en Dinamarca a finales del siglo XIX, en una granja donde las diferencias de clases estaban muy marcadas y el trabajo duro era el pan nuestro de cada día. Esta trama se va mostrando poco a poco, sin prisa pero sin pausa, adentrándose lentamente en el corazón del joven Pelle, que sueña con conquistar el mundo junto con su compañero en la granja Erik. Estación tras estación, sus sueños parecen desvanecerse y va siendo testigo de la muerte, también de las burlas de los compañeros de clase hacia él y su padre, y también de otros episodios de no menos reseñable trascendencia. La madurez temprana es, por tanto, de obligado cumplimiento para el joven protagonista si quiere sobrevivir en la granja.
Técnicamente la película está muy bien lograda. Tantos los vestuarios y caracterizaciones de los personajes te transportan eficazmente junto con los decorados al momento y lugar en cuestión. Los planos y movimientos de cámara son usados inteligentemente con la cámara en mano para añadir zozobra a la trama cuando esto es requerido, y usa mucho los primeros planos para mostrar a los personajes tal cual son, con sus defectos y virtudes. También la música que acompaña la trama sutilmente es junto con la fotografía del film otro de los puntos fuertes, ayudando al espectador a ver y sentir las duras condiciones laborables y humanas de los trabajadores de la granja. Pero por encima de todo esto, luce notablemente las interpretaciones, sobre todo de los protagonistas Max Von Sydow en un enorme papel lleno de humanidad que trasmite en todo momento, y el joven Pelle Hvenegaard, que es quien verdaderamente se echa a sus jóvenes hombros toda la responsabilidad interpretativa del film, cumpliendo ampliamente con su cometido.
Por tanto, considero Pelle el conquistador un film hermoso y digno de ver no solo por todos aquellos cinéfilos que deseen descubrir cine del bueno, sino también para toda clase de espectadores a los que no les importe ver películas con más de 30 años, ya que sin lugar a dudas, las buenas obras son atemporales, y sobreviven perfectamente el paso del tiempo como si por ellas este no pasase en absoluto.

El famoso director italiano Matteo Garrone traslada a la gran pantalla una historia real basada en un sangriento asesinato que tuvo lugar en Roma, a finales de los años 80. El director de Gomorra vuelve al drama basado en los bajos fondos y en la violencia desmedida para sacudir al espectador con una trama que te atrapa sin contemplaciones, y que te sacude con su realismo verosímil, aunque no lo suficiente como para plasmar fielmente la fatídica historia que ocurrió en 1988, cuando un peluquero canino, decide vengarse de su amigo exboxeador por haber estado 1 año en la cárcel por su culpa.
El guion de la película, escrito por el propio director junto con Maurizio Braucci, Ugo Chiti y Massimo Gaudioso, es relativamente fiel a la historia real. Cualquier espectador italiano que conociera los hechos, muy famosos en ese país, quizás comenzó a ver la película pensando que el director plasmaría fielmente lo que en realidad ocurrió, pero por suerte para los que no disfrutamos con la violencia desmedida no es así. En cambio, ofrece una historia que es prácticamente fiel hasta cierto punto, y luego todo queda en silencio, con el espectador expectante, visualizando como por arte de magia el fatídico final pero sin asistir al morboso camino que recorrió el verdadero protagonista.
Técnicamente la película brilla con luz propia. Su fotografía, en la que predominan los grises y un aura de desesperanza e inquietud, ayudan a crear una atmósfera sombría. La música, que es usada solo en las escenas oportunas, acompaña sutilmente la acción cuando es requerido pero sin sobrecargar innecesariamente la trama. Los planos y movimientos de cámara logran un soberbio trabajo que exprime lo mejor de la historia con los primeros planos, cámara en mano y seguimiento que ayuda a incrementar la inquietud del espectador. Y por último, y lo más destacable del todo, remarcar las sobresalientes interpretaciones, sobre todo del protagonista Marcello Fonte, un desconocido para el gran público que clava su papel en una actuación que nadie podría haber hecho mejor que él.
En definitiva, considero Dogman un film magnífico y necesario de ver para cualquier cinéfilo que quiera disfrutar de obras que, aunque estén basadas en hechos reales, tengan el toque personal del director para añadir su propio ingrediente que deje al público estupefacto, sobre todo con un final lleno de silencios en los que, aunque no se haya visto prácticamente nada, el espectador es consciente de todo lo que ocurrió allí, porque fue una historia que en su momento conmocionó al país y es merecedora de haber sido llevada a la gran pantalla.

El director David Fincher se aleja de nuevo de sus habituales thrillers para volver a rodar un film biográfico tras La red social (2010). En esta ocasión, para hacer justicia al guionista Herman Mankiewicz, el cual “coescribió” junto con Orson Welles el guion de Ciudadano Kane, o eso es lo que creíamos hasta ahora. Esta es la propuesta del director, hacer justicia histórica y mostrar al mundo a través de una película de cine dentro del cine como eran las cosas en aquel Hollywood de los años 30 y 40, donde el cinismo y el dinero lo eran todo.
El guion, escrito por el padre de David Fincher (Jack Fincher), antes de morir en el año 2003, es como una deuda pendiente que tenía el director. Narra las vivencias profesionales del guionista Herman Mankiewicz antes y durante la escritura del famoso guion por el que obtuvo un oscar. Utiliza de forma inteligente el flash-back para ir situando al espectador en los años en los que el guionista iba haciendo trizas su vida profesional y personal poco a poco a causa del alcohol. Siendo honrado además, al mostrarlo sin paños calientes, como una realidad que es justa conocer para ser testigos de como se realizó una de las mejores obras del séptimo arte.
La fotografía, que usa inteligentemente el blanco y negro, nos transporta eficazmente al momento y lugar en cuestión como si una película de la misma época fuera, dando así mayor veracidad a lo que se va narrando. La música, también usa los sonidos de la época para añadir ritmo a la acción y situarnos en el contexto histórico. Y para completar los detalles del film, los vestuarios y caracterizaciones ayudan a la fotografía y la música a crear una atmósfera perfecta de los años 30 y 40, cuando el cine de Hollywood estaba en su máximo apogeo y sus realizadores, guionistas, directores y actores eran como dioses en su entorno.
Es necesario también resaltar las estupendas interpretaciones en un elenco de caras conocidas que cumplen ampliamente con su cometido. Cuenta con los papeles del camaleónico Gary Oldman y Amanda Seyfried en los papeles principales, y también con los secundarios Arliss Howard, Charles Dance y Tom Burke entre muchos otros.
Por tanto, considero Mank una obra de lo más necesaria de ver, especialmente para los cinéfilos clásicos ávidos de conocer las mejores historias que esconde el Hollywood clásico que tantas y tan buenas películas realizó en los años 30 y 40, donde se desarrolla la trama. Y también para ser conscientes de todo lo que rodeo la realización y escritura del guion de una de las mejores películas de todos los tiempos, una película que realizó un genio de 24 años llamado Orson Welles, pero que tal y como queda claro en este film, no podría nunca haberlo logrado sin la ayuda de un guionista alcohólico llamado Herman Mankiewicz.

El director Todd Haynes pone nombre y apellidos a una historia basada en hechos reales, algo que hace no demasiados años estaba en boca de todos, y aún a día de hoy sigue dando que hablar entre las personas, el problema cancerígeno del teflón, o mejor dicho, el PFOA. Dicho compuesto, que es un perfluorooctanoico que ha sido clasificado en el grupo 2B como posiblemente carcinógeno, es el tema central de la película, así como la investigación que un abogado llamado Rob Bilott lleva a cabo desde hace más de 20 años. Con esta premisa tan catastrofista como real, el director lleva a cabo un film notable que es de visión obligada para estar informado de un tema tan importante y de tanta envergadura.
El guion, basado en un artículo de Nathaniel Rich, informa verazmente al espectador sobre dos cosas que no debemos olvidar jamás. La primera de ellas, es que según comentan en el film, el 99% de la población tiene ese maldito compuesto en la sangre, y que además no desaparecerá jamás. La segunda, que tristemente cuando el dinero esta por medio en una gran empresa, esta es capaz de echar tierra encima en este problema con tal de seguir engrosando las arcas de sus socios, aun a costa de la salud de la población e incluso de ellos mismos. Un problema muy grave y de una inconsciencia que asusta a cualquiera, ya que resulta inverosímil que un problema de tal dimensión no sea abarcado como procede, ya no por el gobierno, que también por supuesto, sino por las mismas empresas sedientas de beneficio a cualquier coste.
Los detalles técnicos del film cumplen eficientemente con su cometido. Su fotografía, algo oscura que ayuda a mostrar el pesimismo de una trama sumamente realista, logra trasmitir junto con los decorados, vestuarios y caracterizaciones el paso de los años durante los que transcurre la trama. La música también logra crear una ambientación algo desesperanzadora que va perfecta con la historia mostrada. Y las interpretaciones, contando además con caras tan conocidas como las de Mark Ruffalo, Tim Robbins, Anne Hathaway y Bill Pullman entre otros, logran un estupendo trabajo que trasmite todo lo necesario para tener al espectador atrapado en un entramado tan triste como real.
En conclusión, considero Aguas oscuras un film necesario de ver al estar basado en hechos reales. Unos hechos reales además que necesitan ser descubiertos por todo el mundo para ser conscientes de los peligros de la industria, y de lo que esta es capaz de hacer por tal de engrosarse los bolsillos con un dinero manchado de cáncer y enfermedades, que aparecen por culta de un compuesto que da dinero a las empresas y estas no se molestan en absoluto en saber si este compuesto es perjudicial para la salud, ya que lo único que importa, es el crecimiento económico en una sociedad capaz de llevar el capitalismo, hasta sus más tristes extremos.

Hermosa y original cinta de animación que es opera prima además de Sergio Pablos. Especialmente hermosa para ver en fechas navideñas, esta cinta de fantasía con tintes de comedia y drama será las delicias de toda la familia, ya que en su interior encontrarás detalles que encandilarán tanto a los más jóvenes como a los no tan mayores de la familia. En su trama, descubrirás las aventuras de un joven cartero llamado Jesper, que es castigado por su padre (que es el jefe de los carteros), a hacer su trabajo a Smeerensburg, el punto postal más alejado de la central donde conoce a Klaus, un misterioso carpintero que vive en una alejada cabaña. Con esta premisa se desarrolla la que posiblemente sea la cinta de animación más lograda del cine español.
El argumento de Klaus, goza de una cierta originalidad a la hora de mostrar lo que fueron los comienzos de Klaus antes de llegar a ser Santa. El joven cartero de buena familia llamado Jasper, que en un principio sufre las consecuencias de ese recóndito y extraño lugar, acaba poco a poco aceptando su destino y se acaba sintiendo atraído por él, de manera que acaba siendo su hogar, y él el precursor de la idea de que cada año en navidad, cada niño en la tierra tenga su propio regalo, siempre y cuando se haya portado bien.
Las imágenes de la película están bien logradas, transportando con ello al espectador a un mundo lleno de fantasía e ilusión que logra un trabajo visual notable. También luce con luz propia la estupenda banda sonora y en especial la canción de Zara Larsson, que llena la historia de emotividad en los momentos oportunos, logrando con ello crear una bella atmósfera que será recordada con el pasar de los años.
En definitiva, considero Klaus una película de animación magnífica que tiene en su interior todo lo necesario para acaparar la atención y el recuerdo de toda clase de públicos de edades distintas; ya que en su interior encontrarán tanto fantasía como ilusión, y una original historia repleta de detalles dramáticos y de humor que lograrán captar la atención de todos y llegar al corazón de todos aquellos que se aventuren a descubrir, lo que sin duda es una de las mejores películas de animación de los últimos años.