Estamos ante una de las mejores series de 2017. Con el aval de haber cosechado nada menos que ocho premios Emmy, The Handmaid’s Tale se ha convertido en el buque insignia de la plataforma Hulu, que en España se ha encargado de distribuir HBO.

La serie estadounidense The Handmaid’s Tale, creada por Bruce Miller, es una adaptación de la novela El cuento de la criada, escrita en 1985 por Margaret Atwood y publicada en España por la editorial Salamandra. Aunque el libro tenga ya 32 años, resulta asombroso que su trasfondo sea tan aplicable a la actualidad. Ambas obras se asientan sobre dos atractivos pilares: la distopía y el feminismo (que, como dice la RAE, defiende los mismos derechos entre hombres y mujeres, a estas alturas no confundan el término con ‘hembrismo’).

En un futuro incierto, la tasa de natalidad desciende de manera alarmante. Tras una guerra civil, Estados Unidos decide fundar un nuevo estado totalitario, la llamada República de Gilead, en el cual las mujeres pierden el derecho a tener dinero, trabajar o poseer propiedades. Aquellas que siguen siendo fértiles son llevadas a los hogares de los altos mandatarios, donde, además de ejercer de criadas privadas de su libertad, son violadas por sus amos para quedarse embarazadas y, así, ceder sus hijos a sus gobernantes y esposas.

Este terrible clima es mostrado a través de los ojos de su protagonista, Offred (magnífica Elisabeth Moss), sirvienta del comandante Fred Waterford (interpretado por Joseph Fiennes, en un rol más contenido que su ya clásica interpretación de Amon Goeth en La lista de Schindler, pero igualmente salvaje) y su esposa Serena Joy Waterford (Yvonne Strahovski). La acción se desarrolla con el sistema ya impuesto, pero mediante flashbacks se va narrando cómo se ha llegado a la situación actual. En la primera temporada acontece aquello que relata el libro original, con los cambios lógicos que impone la narrativa audiovisual. Hulu ha confirmado una segunda temporada en 2018, que ofrecerá un argumento inédito.

Cuando uno visiona la serie, las referencias que le vienen a la cabeza son múltiples. Desde las novelas 1984, de Orwell, o Fahrenheit 451, de Bradbury, hasta la magnífica película de Alfonso Cuarón Hijos de los Hombres, pasando por algunos de los capítulos más sombríos de Black Mirror. Todo amante de alguna de estas obras tiene la obligación de disfrutar de esta maravilla, aunque está abierta a todo tipo de público con cierto nivel de exigencia.

El drama y el thriller son los géneros que mejor encajan a lo largo de los diez capítulos que componen esta primera temporada. Y es que el ritmo, tras una pausada y profunda presentación de los personajes y su situación, consigue un in crescendo que acaba por dejar sin respiración al espectador, deseoso por seguir conociendo las desventuras de Offred y el resto de personajes (desde aquí, reivindico a Samira Wiley, conocida por interpretar a Poussey Washington en Orange is the new black).

Además, la colorimetría y lúgubre ambientación plasmada por el director de fotografía Colin Watkinson (que es responsable de la magnífica The Fall y tiene una cuenta en Instagram en la que incluye los planos de los que se siente más orgulloso) bailan perfectamente al son de la historia narrada, con un aprovechamiento máximo del encuadre y un contraste tonal que debe ser visto en la pantalla más grande de la que tengan la oportunidad de disponer (olvídense de verla a través del smartphone mientras viajan en autobús).

The Handmaid’s Tale es el producto audiovisual más original de la parrilla televisiva actual y lanza enigmáticos mensajes que promueven la reflexión y el debate, desechando así una visión epidérmica basada en impactos dramáticos (aunque también los haya, pero con sutileza e inteligencia). La violencia es más psicológica que física y los encuentros sexuales forzados son mostrados con pragmatismo, usando como fin la fecundación y no el deseo pasional.

Además, la historia de The Handmaid’s Tale plantea profundos dilemas morales acerca de la dignidad del ser humano, del hombre (en este caso, la mujer) como servicio de la sociedad, en lugar de como ser individual, del fundamentalismo más extremo y de hasta dónde puede llegar un país ante situaciones límite, como en este caso es la extinción de la fertilidad. Y es que, como bien dice la autora del libro original, “en determinadas circunstancias, puede pasar cualquier cosa en cualquier lugar”.

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Entiendo que abordar un tema tan complejo como el trastorno límite de personalidad no es fácil, que levantar una ópera prima tampoco y que (imagino) la financiación no juegue a tu favor es otro impedimento, pero por favor.

La película podía haber optado por el desarrollo, nudo y desenlace, o bien por la espiral dramática para tornarse en tragedia griega. Sin embargo, el director opta por la peor salida, y es la monotonía dramática. Y es que un drama, cuando es monótono y sin justificación, deja de serlo. Aunque Marian Alvarez hace un trabajo impecable, en ningún momento se puede tener empatía con semejante personaje, del cual solo sabemos cuatro pinceladas.

De Fernando Franco puedo destacar la dirección actoral, pero en ningún momento su realización. Una cámara en mano pegada al cogote de la protagonista no es arte, quiero ver la ciudad en la que se desenvuelve, el camino que recorre y al menos un gran plano general que de constancia de su soledad. El abuso del primer plano hace que pierda su fuerza dramática al mismo ritmo al que crecen las risas y los despistes en la sala.

Será la crisis, pero este año el cine español está de capa caída.

Reportaje de hora y media que mete al espectador dentro de la Comic-Con de San Diego, LA convención anual sobre el mundo del cómic, los videojuegos y las películas más fantásticas, que reúne a frikis de todo el mundo para compartir aficiones durante cuatro días.

Morgan Spurlock (el director de Super Size Me) cuenta su documental a través de seis historias de gente que va a la Comic-Con con diferentes intenciones. Cada aventura personal identifica o sorprende al espectador, por lo que el metraje resulta entretenido y didáctico en el mundo 'nerd', con polémica incluida sobre si la Comic-Con ha perdido su esencia como expositorio de cómics (comenzó en los 70 con 500 personas) para convertirse en un espectáculo de ciencia ficción abierto a un público mayoritario, que busca más la imagen friki que la esencia del mismo. Y contando con los actores y directores del momento (desde Kevin Smith hasta Guillermo del Toro, pasando por Eli Roth o Seth Rogen.

Recomendable al que le gusten los universos de George Lucas, los zombies de Romero, ver a Stan Lee en su salsa (el Hugh Hefner del cómic) y todo lo relacionado con el mundo de los superhéroes, el anime y la ciencia ficción. Y los que, como servidor, nos gusta ver congregaciones sociales unidas apasionadamente por eso mismo, una pasión que sacrifica sin pensarlo tiempo y dinero por una fuerza mayor.

La premisa de que el fin de el mundo esté cerca es otro macguffin más para presentar unos personajes y hacer que se relacionen entre sí. Lo mismo que con el Extraterrestre de Vigalondo.
El problema es que los dos protagonistas no esconden nada especial, y los problemas y situaciones que quieren arreglar antes de que se acabe el tiempo no interesan al espectador. El personaje de Ferrell es soso de principio a fin, y el de Knightley intenta mostrar una excentricidad y valentía que se esfuma en cuanto la conocemos un poco.
A pesar de esto, los americanos siguen sabiendo cómo entretener y, aunque la pelicula no deje poso, consiguen dejarnos un puñado de interesantes escenas en las retinas.

Wes Anderson es un artesano del celuloide. Poquísimos autores contemporáneos consiguen un estilo narrativo y estético tan personal como este tejano nacido hace poco más de 40 años. Ya apuntó maneras con la sobrevalorada pero interesante Academia Rushmore, pero fue esa pequeña obra de arte llamada Los Tenembaums. la que le consolidó y ecumbró como uno de los realizadores y guionistas más prometedores (texto escrito, por cierto, conjuntamente con Owen Wilson, quien ha actuado en toda su obra) en el género de la comedia psicodélica.

Sus últimas dos obras, Life Acuatic y Viaje a Darjeeling, ya rozan peligrosamente el absurdo y la trama pasa a ser un elemento secundario para resaltar un colorismo y expresividad visual estudiada milimétricamente en cada plano. No se llega a comprender en su totalidad lo que Anderson trata de contarnos, pero nos sentimos hipnotizados por cómo mueve la cámara y dónde la coloca en todo momento.

Pero hoy les voy a hablar de su cortometraje Hotel Chevalier, que se proyectaba antes de Viaje a Darjeeling. Puede funcionar como prólogo de la película, como así reza una frase en su comienzo a modo de advertencia, pero también como una historia independiente sobre la enfermedad del amor y la pasión.

Personalmente, estos 13 perfectos minutos que conforman el proyecto me parecen lo mejor que ha escrito y realizado Anderson hasta la fecha, consiguiendo una estética y fotografía impecables, donde el amarillo es la pigmentación reinante de la obra, un color que, pese a ser de los que menos me gustan, consigue embriagar la pantalla con una belleza única.

El corto se hizo conocido entre medios de comunicación, especialmente digitales, por la razón más superficial y vulgar posible, como es el desnudo de Natalie Portman. Todos estamos de acuerdo y ansiábamos observar las curvas en movimiento de la ninfa israelí, pero tras un visionado del metraje, sus pechos y su torneado cuerpo pasan a un decimoctavo plano (por decir una cifra elevada, no se piensen que voy a nombrar los otros 17 restantes), como así ocurrió con Lucía y el sexo, donde las explícitas cópulas quedaban ensombrecidas ante la magnífica obra en su conjunto.