Dirigida por Masaya Fujimori, "You are Umasou" es una de las primeras adaptaciones de la colección de libros infantiles del mismo nombre de Tatsuya Miyanishi sobre Heart, un tiranosaurio criado por herbívoros que termina por convertirse él mismo en padre adoptivo de un pequeño anquilosaurio, que acepta ingenuamente el nombre Umasou de la frase «Omae Umasou da na» —“Tienes una pinta deliciosa”— que su padre pronuncia inicialmente con intención de devorarlo. Así pues, entre Heart y Umasou se desarrolla una tierna relación que evoca el pasado del protagonista, así como el conflicto que esto provoca con sus instintos naturales y particularmente frente a otros de su misma especie.

Narrada con mucha ternura y fundamentada en esa enseñanza tan bienintencionada y trillada sobre la prevalencia de los lazos afectivos y familiares frente a las diferencias insalvables, la película es atractiva especialmente, como no podía ser de otro modo, para un público infantil, y es a ellos a quienes va dirigido. Sin embargo, lejos de suponer un impedimento, el encanto de "You are Umasou" trasciende generaciones, ofreciendo una historia de mimbres sencillos pero con una atmósfera familiar, una construcción de personajes impecable y una animación excelsa.

Particularmente destacable es la evolución del personaje de Heart a lo largo de la cinta. El ingenuo y joven tiranosaurio que vive creyendo que es herbívoro a pesar de que sólo puede comer bayas, y para quien su propia naturaleza le es ajena y le asusta, emprende todo un viaje introspectivo lleno de pesadillas recurrentes y una aceptación gradual de su condición, que sin embargo no logra destapar su verdadera identidad. Es a través de Umasou como descubre que su pasado, ya difuminado, tiene un significado que está volviendo a él.

En todo caso, esta película no trata de buenos ni de malos, ni de lo horribles que son los dinosaurios que devoran a otros. Ni siquiera en su creciente enfrentamiento con los miembros de su misma especie que no aceptan su actitud rebelde y errática éstos se observan como villanos; también les cuesta entenderlo como en su día a Heart le costó entender y asimilar que era uno de ellos. Para ellos, y en particular para su gran jefe, Baku, su compañero es una suerte de traidor descarriado que no acepta el código de honor con el que se rigen. En ese sentido, cobra especial importancia en la obra el simbolismo de las bayas rojas, una suerte de manjar prohibido para los tiranosaurios por considerarse algo impropio de ellos y que para Heart constituye un puente con su pasado que aún no se ha derrumbado.

Con todo, la violencia y la muerte forman parte, como no puede ser de otra manera, de esta historia, y esto puede resultar algo chocante en un filme tan inocente. Porque obviamente Heart mata a sangre fría, como el depredador que es, y devora a sus víctimas. En muchos momentos surge esa sensación conflictiva entre las presas que caen bajo sus dientes y los lazos que éste mantiene con su madre, su hermanastro Light y posteriormente Umasou. Es ese escenario inevitablemente inquietante en el que esconde a su hijo dentro de su boca para protegerlo de otros depredadores y éste, inocente, cree que está resguardado en su estómago.

El ilustrador francés Aurélien Froment, conocido como Aurel, realiza su segunda incursión en la animación con este largometraje centrado en la figura de Josep Bartolí, dibujante republicano que en su exilio casi al final de la Guerra Civil pasó por varios campos de concentración franceses, ilustrando las barbaridades de su día a día en aquellos lugares.

"Josep" arranca como el ejercicio de memoria frente a su nieto de un anciano algo senil pero lleno de lucidez para los detalles de su historia, un recuerdo de sus experiencias en el campo de concentración llenas de violencia, de escenas crudas, sufrimiento y enfermedad, todo ello aderezado con el constante desprecio racista que sufren los españoles por parte de los gendarmes que los vigilan, unos sujetos desagradables, recalcitrantes y corruptos. Uno de ellos, sin embargo, es Serge, quien horrorizado con el trato a los presos entabla amistad con Josep Bartolí y decide ayudarle. De este modo se construye una historia de amistad entre dos personas de entornos opuestos, que permanecerá fiel a pesar del desprecio creciente que se ganará Serge en sus propios compañeros.

Sebastián Alarcón, cineasta chileno educado y afincado en Moscú desde finales de los 60, dedicó gran parte de su carrera a hablar del golpe de Estado y la sangrienta represión pinochetista. Su obra más reconocida es "La noche sobre Chile", codirigida con Aleksandr Kosarev, que en tono de docudrama repasa el momento del golpe y la crudeza de las detenciones, torturas y asesinatos durante los días siguientes. El protagonista de la cinta es Manuel Valdivia, un típico ciudadano de la clase media apolítica que se encuentra de repente apresado por los militares. Como alguien que cree que los conflictos sociales y la lucha revolucionaria le son ajenos, sus reacciones iniciales son de incredulidad y confusión, pero poco a poco, movido por las injusticias que observa durante su encierro y por el compromiso político de sus compañeros de celda, la semilla comienza a brotar en él.

Durante el metraje vemos todo tipo de vejaciones, palizas y asesinatos selectivos que hielan la sangre y ponen de manifiesto la lección aprendida por Manuel: que frente a la injusticia no hay medias tintas ni caminos que pasen por la tangente. En este alegato por la solidaridad obrera y la lucha contra el autoritarismo fascista, no hay otra vía que la de la respuesta enérgica. Ésta es la idea que sostiene una obra que, pese a todo, se muestra comprensiva con la inacción, con la falta de conciencia social y en general con el miedo a alzar la voz. No habla de héroes ni de villanos entre los reprimidos: todos ellos son víctimas del mismo horror.

El reencuentro de tres hermanas en una aldea turca de los 80 es el punto de partida del tercer largometraje de Emin Alper, que explora las relaciones familiares en un lugar aislado del progreso y regido por un ambiente social restrictivo y carente de oportunidades para ellas, en el que la principal aspiración es convertirse en doncella de una familia rica para así mudarse a la ciudad, alejándose de la pobreza de la aldea. El regreso de Nurhan, la mediana, tras ser expulsada de su familia de acogida por su comportamiento, resucita viejas tensiones y rencillas entre ellas mientras tratan de lograr o recuperar esa posición que consideran privilegiada.

Con la reciente muerte de su madre y su padre a cargo de las tres, quien se encarga de ofrecer y negociar a sus hijas para que sean seleccionadas y llevadas a la ciudad, Reyhan, Nurhan y Havva viven una situación paradigmática. No se sienten reprimidas por el sistema sino por su situación actual, tienen tan asumido y naturalizado que esas son sus mejores opciones que lo ven incluso como una forma de emancipación. Y es que "Un cuento de tres hermanas" no necesita elevar las tintas para hablar de sus dinámicas tóxicas y restrictivas. Le basta con definir a sus personajes de tal manera que disfrutan de la falsa libertad y esperanza que les dan los espacios predefinidos en los que se mueven.

Porque cuando hablan con su padre con total confianza y sin guardarle ninguna clase de respeto ceremonial, cuando expresan sus opiniones, cuando discuten entre ellas y pasan tiempo en la aldea; esa suerte de libertad siempre pautada, siempre limitada y situada entre cuatro paredes, respira con fuerza. Pero mientras los hombres se reúnen en el bosque y se sientan a decidir su futuro, ellas apenas pueden observar y aceptar. Es esa situación ciertamente dual y contradictoria la que hace que en último término Alper pueda imprimir un tono más ligero a una historia que está fundamentada en una sociedad represiva y en unas oportunidades de progreso que ni siquiera dependen de ellas.

Un joven paracaidista aterriza en una isla desconocida y de inmediato se encuentra con quien será su incansable perseguidor allá donde vaya: una sombra gigante que absorbe la vitalidad de todos los seres a los que ahoga en su oscuridad. Esta es la premisa, bien sencilla, del primer largometraje del letón Gints Zilbalodis. Pero lo que nos propone el joven director y animador no es una aventura al uso, ni es una historia convencional. "Away" deja de lado toda explicación sobre el contexto y el propósito de los personajes y se centra en la esencialidad de su sinopsis.

De este modo, la relación entre el protagonista y el ente misterioso que le acecha constantemente es una pura lucha por la supervivencia. No sabemos el porqué de la fijación de dicho ente, ni qué es o qué representa. Es un peligro, algo de lo que huir y que justifica que el chico se siga moviendo, también sin rumbo, buscando una salida pero no una meta concreta. Incide en esta interpretación la sensación de que es una narración aislada y contenida, es decir, que no importa ni su pasado ni su futuro, ni siquiera su identidad. No importan las circunstancias del accidente del paracaidista ni de dónde viene, como tampoco importa lo que sucederá una vez la película llega a su fin. El único desvío emocional de la huida constante está en su relación de amistad con un pájaro, quien le acompañará durante gran parte de su viaje.

Narrada además enteramente sin palabras, exceptuando los intertítulos que anuncian el inicio de cada capítulo, con la descripción dada hasta el momento podría parecer una obra de intención minimalista, pero lo que se desarrolla en "Away" es más bien una aventura contemplativa y trascendental, en la que la potencia de cada escenario y el significado de cada emoción se maximizan, precisamente, por estar construidos sobre la nada. A esto ayuda su ritmo lento y pausado, recreándose en los detalles de una forma bastante característica para tratarse en realidad de una historia de supervivencia, así como su atmósfera de paisajes misteriosos y llamativos y música envolvente.

Con todo, lo más admirable de la cinta no viene de su contenido sino de su producción, pues esta ambiciosa obra de Zilbalodis es un proyecto en solitario, realizado durante tres años y medio sin directrices ni apoyos. Que haya logrado sacarlo adelante es ya un milagro, y que el resultado sea una muy apreciable cinta que abandona convenciones y explora su propia ruta introspectiva subraya aún más el talento emergente del director y animador en este debut precoz (cuando terminó la película apenas contaba 25 años).

Estas circunstancias sin embargo también condicionaron, probablemente, que una obra con un potencial de evocación tan imponente no haya llegado más lejos. Y es que en toda la riqueza conceptual del filme hay poco que llegue a buen puerto en realidad. Escasos son los momentos en los que logra abstraer y crear ese estado introspectivo que busca, conformándose en su mayor parte con una contemplación mecánica y funcional, que crea momentos bonitos pero raramente secuencias memorables. Tampoco ayuda la animación, en particular el feo diseño CGI de los personajes y los movimientos robóticos que se dan de bruces con la propia estética de su mundo. En este punto no es tanto una cuestión de limitaciones técnicas, que tal vez las tuviese, como de estilo. No hay duda de que Zilbalodis tiene muy clara su elección visual, pero a mí personalmente me parece muy deficiente, cuando no horrenda, y en todo caso un punto negativo dentro de una película en la que sentirse parte del entorno es tan importante.

Lo que sucede con "Away" es, sencillamente, que el mero hecho de que haya llegado hasta este punto es un logro monumental. Es una buena película y sin duda referente futuro de la animación independiente. Lamentablemente, llega sólo hasta donde puede y esto es un terreno satisfactorio pero no cautivador, una curiosidad agradable y anécdota llamativa en la historia del cine animado que nunca se hará un hueco entre mis favoritas del medio.


Texto escrito para Cine Maldito.