El novel director Mark Jenkin consigue sacar mucho jugo a una historia rodada en blanco y negro con una vieja cámara Kodak 16 mm de 1976, procesando además el trabajo a mano. Consigue con ello añadir dramatismo y énfasis a las interpretaciones, sacando lo mejor de ellas con el uso de los primeros y primerísimos planos, además de unos soberbios planos detalles que hacen que las imágenes sean hipnóticas y también desconcertantes.
La fotografía, aun siendo de baja calidad por la cámara usada, es impactante en sus imágenes informales pero está bien cuidada en detalles que consiguen mantener al espectador pegado al asiento, dejando claro por tanto, que no es necesario poseer un extraordinario equipo para rodar un film que capte la atención del público. La música, aun siendo minimalista tiene detalles turbadores y en ocasiones inquietantes que acompañan con mucho acierto la trama cuando es necesario. Cabe destacar también, las estupendas y bien trabajadas interpretaciones que trasmiten en cada escena lo que el director se propone sacar de ellas. Cuenta con los trabajos de Giles Kong, Edward Rowe, Simon Shepherd y Mary Woodvine entre otros.
El guion, escrito por el mismo director, va creando poco a poco una atmósfera enrarecida que mantiene en alerta al público en lo que se le va ofreciendo, ya que el interés por su argumento va in crescendo a medida que avanza la trama y se va cociendo dentro de ella la sensación de que algo va a ocurrir, aunque no sabes el que, porque su director sabe bien esconder sus cartas. Da con ello su creador y guionista señales de que, aun siendo un realizador poco experimentado, tiene bien clara sus ideas a la hora de plasmarlo en la pantalla.
En definitiva, la considero una obra notable y bien trabajada al detalle que tiene además el aliciente de ser ofrecida con unas imágenes de baja calidad que dan sin embargo el resultado contrario a lo que en principio se espera, ya que esta técnica aumenta el dramatismo de las interpretaciones y la historia se vuelve a medida que avanza más y más inquietante en lo que va ofreciendo, logrando un final inesperado pero a la vez convincente que deja tras de si la grata sensación de haber visto una película digna de ser recomendada, no quizás al público en general, pero si a los cinéfilos más exigentes buscadores de cintas que aporten algo novedoso y arriesgado.

Oliver Hermanus nos trae un drama basado en la homosexualidad de lo más convincente al exponer esta condición sexual en el ejército, y además en el ejercito de Sudáfrica a principio de los años 80, donde el racismo y el machismo era el pan de cada día en un país en el que las diferencias raciales eran las más pronunciadas del momento. Y lo hace de forma notable Oliver Hermanus, aún con su corta experiencia fílmica, ya que lo que en él nos muestra es verosímil y además lo va manifestando poco a poco, sin tener prisas y dejando entrever en todo momento lo que se va cociendo en la trama.
Las interpretaciones son idóneas para lo que el director busca de ellas. Cuenta sobre todo con el acertado trabajo de Kai Luke Brummer y también de Ryan de Villiers entre otros. Los planos y movimientos de cámara son inteligentes y exprimen lo mejor de las interpretaciones. Los vestuarios y decorados son sugerentes y te transportan el momento y lugar en cuestión. La fotografía también es evocadora y estéticamente esta bien elaborada. Pero de los detalles técnicos de Moffie lo que más merece la pena destacar es la música y los sonidos gracias al trabajo de Braam du Toit, que consigue acompañar magistralmente la trama al lograr un estimulante trabajo que puede inquietar, apaciguar o entristecer según es requerido en la escena.
El guion escrito por el mismo director junto con Jack Sidey, no solo es realista sino que también es justo al mostrar lo que los jóvenes homosexuales han debido pasar en los servicios militares obligatorios, al ser estos siempre de corte machista y poco transigentes aparte de lo que les enseñan. Muestra hábilmente como el ejercito envilece y por supuesto embrutece a los militares, despojándolos de toda opinión propia y sometiéndolos a castigos despreciables que hace que se odien los unos al otros, y que muchos incluso no consigan superarlo, dejando sus vidas en el camino.
Considero por tanto que Moffie es un film recomendable, por ser un grito a la libertad de expresión, por ser una llamada al público a saber lo que han tenido que soportar los homosexuales en sectores de corte tan machista como lo puede ser un ejército, y más aún en épocas pasadas. Y sirve además, para darnos cuenta que algo que viene implícito en nuestro ser no puede ser despojado, y es más, jamas se puede tratar de cambiarlo, ya que nada nos da derecho a ello y es un papel que a nadie le pertenece, ni siquiera a ellos mismos les toca decidir si lo quieren o no lo quieren ser. Es sencillamente, algo innato en el ser humano.

Jóhann Jóhannsson lubrica su primer y último film, ya que por desgracia nos dejó en 2018. Este compositor que puso música a largometrajes tan conocidos como Sicario o Prisioneros entre otros, se encarga en esta ocasión de construir un film de ciencia ficción experimental que muestra la tierra tras millones de años en el futuro, donde tan solo 18 especies diferentes sobreviven. Es inevitable no ver en esta cinta imágenes que parecen evocar a 2001 Una odisea en el espacio, salvando las distancias claro, y es que en esta obra no hay protagonistas, ya que no consigues ver ninguna de las especies, -al menos corpóreas-, y es la voz en off de la conocida Tilda Swinton la que pone una narrativa algo oscura que llena de incertidumbre su visionado.
La fotografía en blanco y negro puro, da lugar a unas imágenes hipnóticas que se suceden unas tras otras sin ninguna prisa y sin ninguna pausa. La música, es turbadora y acompaña las imágenes de la cinta de principio a fin, es también grandiosa en ciertas partes del largometraje y también algo premonitoria. Estos dos elementos técnicos son de lo más salvable desde mi punto de vista, junto con la narrativa con voz en off de la ya citada Tilda Swinton.
En cuanto a la historia de esta película de ciencia ficción, carece esta de un argumento fijo, y se limita a explicar lo ocurrido por encima y las especies que sobreviven como son, con sus defectos y sus virtudes. Esta nos trasmite que están a más de 2000 millones de años de hoy día, y nos muestra el mundo inhóspito que quedó tras la desolación de la tierra tras el choque de una nube de gas no visible con nuestro sol en el sistema solar.
En conclusión, por sus características la considero más cercana a ser un documental que un largometraje, salvo por la excepción de ser una película de ciencia ficción. Y no puedo dejar de verla como un experimento más bien fallido al dejar demasiada carga a la imaginación del espectador, ya que no consigues ver nada en concreto y solo escuchas la voz en off mientras ves unas extrañas imágenes de estatuas o construcciones poco concretas. Comento esto porque, cuando ves cine de ciencia ficción siempre tienes la esperanza de ver algo que pueda llegar a ser cine de culto o algo que se quede en ti para siempre, pero este no es el caso. No sabes por tanto si la causa que hace que sea un film fallido sea por su extrema simpleza o por ser demasiado pretencioso, pero por suerte, su duración es corta y no te roba demasiado tiempo, ya que como creo haber dejado bien claro, no es una película que merezca ser vista, salvo que tu objetivo sea el tedio.

Cuando descubres una película de las características de System Crasher, en la que un director novel llamado Nora Fingscheidt consigue atrapar la total atención del espectador gracias a un argumento irreverente que no dejara a nadie indiferente, agradeces haberla visto. Dentro de ella encontrarás un producto novedoso que te somete a su voluntad con un tema tan delicado como lo es la educación infantil, cuando además esta se centra en un caso tan peliagudo como el de la jovencita Benni, una niña de tan solo 9 años que se convierte en un verdadero dolor de cabeza para todos los que la rodean, en especial para los que de verdad desean ayudarla.
La joven protagonista del film, Helena Zengel, logra machacar al espectador con una interpretación sublime, y desde luego digna de elogio. Su personaje, logra encender la ira del espectador por su complicada forma de ser, aunque también su lástima, al ser este consciente que se trata de una niña de 9 años abandonada a su suerte por su madre. El resto de interpretaciones son también notables en el caso de Albrecht Schuch, Gabriela Maria Schmeide, Lisa Hagmeister y Till Butterbach entre otros.
El guion es un plato fuerte también en las cosas a destacar, ya que no se limita a nadar sobre la superficie en un tema tan delicado como lo es la educación infantil de una joven complicadísima, sino que se adentra en su psique y te hace partícipe de una mentalidad muy difícil de clasificar, tanto en lo bueno como en lo malo, y expone sin tapujos a una niña a la que todos quieren ayudar, pero que en el fondo nadie se quiere comprometer con ella más allá de lo superficial, por tenerle miedo y no saber exactamente por donde te puede salir, logrando con ello un argumento que como ya he dicho, dejará a cualquiera boquiabierto.
La fotografía de la cinta, es cumplidora y logra un trabajo digno, al igual que la música y sonidos que consiguen trasmitir inquietud al público al acompañar con eficacia la trama. También el movimiento de cámara y planos están bien logrados según el momento para mantener la agitación del espectador.
Por todo lo mencionado, considero System Crasher una de las cintas que más me ha gustado de las vistas en el Atlántida Film Festival de este año 2020, y no son pocas las películas bien logradas de este certamen, por lo que sin lugar a dudas es una historia digna de ver salvo que seas de esa clase de personas que huyan de los argumentos en los que se profundiza mucho en la psicología de un personaje complicado, que te pondrá las cosas muy difíciles de digerir, ya que por mucha maldad o situaciones constantes en las que su comportamiento sea indescifrable, no deja de ser el de una niña de 9 años que busca desesperadamente el calor y el amor de una familia.

El primer largometraje de Tanel Toom, es un drama que transcurre en el siglo XIX en la Estonia rural, donde una joven pareja adquiere una granja que tiene que compartir con un vecino nada deseable, que le pone la vida más difícil aún de lo que el terreno, el clima y los pantanos del lugar se lo ponen ya de por sí a los protagonistas. La historia de estos, transcurre durante muchos años, desde que llegan siendo jóvenes y sin descendencia hasta que tienen hijos y estos se hacen ya mayores, cubriendo al menos un cuarto de siglo de historia familiar donde se ve como se va desarrollando la vida y la actitud de estos, en especial del protagonista.
El argumento de esta trabajada trama, tiene miga de principio a fin y son muchos los temas tocados. Como por ejemplo, la mano de la religión, la venganza, la honradez y sinceridad, el trabajo duro y también la intransigencia de un hombre que se obsesiona con la idea de sacar adelante una granja que por más que se trabaja, parece no tener futuro. Esto hace tener al espectador pegado al asiento incluso con un ritmo lento y una duración bastante larga de más de dos horas y media, ya que lo que en ella se va exponiendo mantiene el interés y la intriga en el espectador que busque buenos dramas, aunque sean largos y de ritmos algo lentos.
La fotografía es magnífica al sacar lo mejor de unos inhóspitos paisajes que junto con los vestuarios y decorados te transportan perfectamente a la época en cuestión. Además, es bastante oscura en imágenes dando sobriedad a su visionado. La música usada, es turbadora y algo triste, trasmitiendo la agonía del protagonista y sobre todo la de su familia al experimentar la impotencia de ver como año tras año apenas avanzan en su cometido. También merece especial atención los movimientos de cámara y planos usados que exprimen lo mejor de la acción y de las interpretaciones. Estas últimas por cierto, son bastante competentes. Cuenta con la participación de caras no conocidas para el público y con poca experiencia fílmica en su mayoría como es el caso de Loora-Eliise Kaarelson, Priit Voigemast, Maiken Schmidt, Risto Vaidla y Priit Loog entre otros.
Concluyendo, la considero un drama de época interesante y digno de ver en el que solo tendrás que lidiar con su extensa duración y su ritmo lento, ya que lo que te encontrarás en su interior es bueno y el director sabe bien como sacarle jugo de principio a fin. Hace que no pierda interés su historia y te mantiene eficazmente pegado al asiento, sorprendido de ver como unos personajes van cambiando con el paso del tiempo, y no siempre para bien, dando con ello gran verosimilitud a la trama y la sensación de que no ha querido sorprender su creador al espectador gratuitamente, sino más bien llegar a él con humildad y un trabajo digno de ser descubierto.