Al final, el horizonte de una guerra civil funciona como espejo, alegoría y posible prólogo para el alma del relato, representado esencialmente por lo absurdo del comportamiento de nuestros protagonistas.

Desde mi experiencia, el director es una figura clave, porque uno de los primeros recuerdos que atesoro en las salas de cine es viendo sus películas. Viendo Indiana Jones o Jurassic Park, por ejemplo. Él en cambio, con seis años ve "El espectáculo más grande del mundo", hecho que nos cuenta que le marca irrefrenablemente su vida, convirtiendo además de un homenaje a este momento y a esta película, una sinécdoque de la reclamación global que supone su obra. Una declaración de intenciones, que mira sin miedo a los ojos del espectador y le dice claramente que se siente orgulloso de haber hecho cine como si de puro espectáculo se tratase.

A lo largo del desarrollo de la narración hay un fetichismo hacia el cine analógico, manufacturado, hacia el descubrimiento personal y hacia la actitud para recordar imágenes, que baña de una nostalgia comedida pero brillante el relato y que me gustó especialmente.

A partir de aquí se plantea un debate muy interesante al respecto. Que es la idea de arte contra la idea de mercadotécnica. Esta figura está contrastada con la personalidad de su familia, su padre es ingeniero, meticuloso, comedido y analítico; y su madre es artista, pasional, desenfrenada y contradictoria.

En esa batalla, claramente gana la actitud del padre y la culpa intachable que siente hacia su madre. Es por eso, que en parte es un autor distinguido por no penetrar en la esencia de las cosas. Por intentar hacer unos guiones cuadriculados siempre al servicio del entretenimiento que a la postre le acaban quedando irregulares por no tener suficiente perspectiva emocional. El trauma por la separación de sus padres (que está presente en su filmografía) así como la incapacidad para no encajar en los grupos y el intento de adaptación constante, crean su gran esencia. Que radica básicamente en querer gustar a todo el mundo, este es el criterio propio, el signo de autor, del hijo de padres ausentes.

La película está repleta de estos gazapos, de pequeñas escenas brillantes, como cuándo ruedan la película bélica con sus amigos o cuando celebran el día de hacer pellas, como de escenas inconcebibles que carecen de toda credibilidad, como el trozo del final en las taquillas del colegio con Logan el "popular" de la clase o la acampada veraniega por Arizona, en dónde los actores actúan más que viven.

Las escenas con su madre, son sintomáticas de este hecho. El enojo que siente hacia la figura de esta, es notorio, tras descubrir su aventura con el amigo de su padre, y llega hasta el día de hoy. Tras el abandono se convierte en una mancha desapegante incomprensible para él. En ese sentido su última frase es lapidaria: -"tienes que ser tu mismo, aunque sea lejos de mí".

Otra escena sintomática es la del despido a Logan, el mencionado alumno de la clase de California. El mensaje que nos queda es que el autor es capaz de manipular a la gente y engañarla a través de la cámara para corresponder a sus designios con la realidad. Qué a los chulos se los pasó por la piedra. Aquí surgen dos bromas del final feliz, ya que se queda con la chica como en las películas y gracias a ellas y de que nunca contará como se derrumbó emocionalmente. Un plan maestro si no fuese porque la escena lo que realmente nos cuenta es como el autor siempre se a ganado el favor de los más poderosos, lo cuál lo señala como el lameculos, quién siempre fue para sus detractores.

La broma del final, con el puto David Lynch haciendo de John Ford y bajando el plano para que el horizonte quede más arriba siguiendo su consejo, me encantó, lo reconozco.

La conclusión final es que Spielberg usa la cámara como un artificio para esconder sus traumas. Como en la esencial escena en que se imagina rodando mientras su madre se despide de su familia al anunciar que no puede vivir sin el amigo de su padre. Un escudo para poder evadirse de una realidad tan incomoda que no puede ser entendida de forma emocional solo contada y meramente observada narrativamente a través de una lente.

Esta vez también hay mensaje político, la propuesta y el título lo pedían a gritos, pero está bien tramado gracias a una ambición razonable: los niños se pueden dejar influenciar por sus amigos o pueden robar si tienen hambre, los ex carcelarios median por la policía que los trincó, el recién convertido imán sospechoso de terrorismo parece tomar decisiones justas, la policía no siempre actúa de forma modélica, la gente se organiza y se rebela contra el abuso de poder...

Esto son visiones del mundo, la realidad es compleja y se compone de circunstancias y de sus capas éticas, no siempre susceptibles de ser encasilladas bajo prejuicios.

Respeto del final, aun no siendo maravilloso lo encuentro acertado, porqué se ocupa de señalar el verdadero protagonista, el barrio, y no los personajes, algunos de ellos caracterizados con mucho carisma.

Ilusionante "opera prima" de Ladj Ly.

El relato conjuga romance, con crítica social y cierto homenaje al cine.

1.- Romance: El eje vertebrador de la historia, muy decoroso en el acercamiento entre los diferentes personajes y nunca da ni pizca de información de más, juega perfecto con el ritmo de aquello sugerido, lo que produce un desarrollo elegante del conocimiento de sus protagonistas y sus motivaciones. Aun así, la relación de pureza entre ellos me parece postiza, me explico:

Entiendo que la película nos quiere hacer ver que Hilary es la única que mira sin prejuicios al personaje de Stephen, a pesar de su color de piel y su condición racializada. También que la consonancia psicoanalítica de la relación especial que mantiene con su madre, después del abandono repentino de su padre, podría empujarle a querer una persona de unos 25 años más que él y con problemas mentales evidentes. Pero a mí, no me cuela, lo siento.

2.- Homenaje al cine: El hecho anterior contagia la explicación del cine como instrumento redentor de la persona y sanador de los pesares del alma. Quién escribe esta crítica está totalmente a favor de estos postulados, por razones evidentes. Pero me parece que la enfermedad mental que tiene Hilary Small en la película sirve muchas veces como justificación de muchos hechos climáticos de la trama. Sin que necesariamente se experimente una evolución en la misma, ni que se nos acabe de contar del todo que padece o porque actúa como actúa. Esto quita rigor al metraje, porque es un recurso típico de guionista barato. Utilizar una enfermedad aparentemente incontrolable para modular todo lo que nos gustaría contar...Aunque reitero que está tan bien dirigido y tan bien interpretado que a veces me convence.

3.- Crítica social: Lo que más me gustó es la fotografía del racismo antropológico inherente a la Inglaterra del siglo XX. Creo que en este caso, si que la parte dramática es muy creíble, y muy bien diseñada, con la historia de como Stephen llegó al Reino Unido de trasfondo junto con la caracterización de las bandas urbanas del momento y sus reclamos xenófobos.

Hay un crítica también bastante original, al encaje de las personas que padecen depresión o otras enfermedades de naturaleza mental en la sociedad. Que de alguna forma es extrapolable a la actualidad, y esto me parece ocurrente y destacable en la obra.

Finalmente, supongo que también se podría entender como crítica, el choque de modelos, entre el cine tecnificado de multi-salas actual contra el modelo operístico, solemne y dotado de muchas más relevancia social que nos ofrece la visión de la película del cine. Una píldora de nostalgia para aquellos que consideramos el cine como algo más que un bello arte.