Esto es un acto de altruismo. Si gracias a esto que escribo alguien ve ésta película me daré por satisfecho. Y si consigo acercar la obra de Bukowski de paso entonces ya mi objetivo se verá cumplido con creces. “Factotum” es una película que pasó sin pena ni gloria por las carteleras españolas, como la mayoría de buenas películas. Si algún día entráis en una sala de cine vacía, ¡cuidado! Corréis el riesgo de estar ante una obra cinematográfica verdaderamente interesante.

Ahora llegamos a ésta última versión dirigida por Bent Hamer (autor de la aplaudida “Kitchen Stories” que yo no he visto) y protagonizada por un Matt Dillon en estado de gracia que venía de uno de los mejores años de su carrera con la nominación al Oscar por “Crash”. Aquí borda al perdedor escritor borracho en su justa medida, convirtiéndose en el actor que mejor ha sabido llevar a la pantalla a Bukowski/Chinasky. Tiene una presencia ante la cámara descomunal y consigue que toda la fuerza del filme recaiga sobre él sin problemas. Cosas como ésta diferencian a los grandes actores de los actores mediocres.

“Factotum” es el vómito prodigioso de Bukowski. Las mujeres dan a luz niños, él daba a luz excrementos en forma de poesía. El mundo, la sociedad, su hipocresía, todo se le indigestaba y sentía la necesidad de escribir. “Escribir por necesidad” decía él. Por sinceridad y consecuencia humana, ya que cuando un escritor pierde esto “puedes dejarlo flotar río abajo con la mierda”.

Es un filme respetuoso, aunque infiel (siempre hay que serlo un poco en el cine), con la obra de Bukowski. Muy lírico, repleto de pasajes literarios que harán las delicias de los espectadores de buen paladar. Atención a esa escena en la ventana de un edificio, con Dillon fumando un cigarrillo y recitando en voz en off “Un poema es una ciudad”. Es ligera, no llega a la hora y media de metraje, y consigue cumplir las expectativas que tiene como obra de cine independiente y adaptación literaria. Está realizada de una forma fría, pero eso resalta más la sordidez y la cruda distancia que aparecen en las novelas del escritor. Todo está al servicio de la traslación del universo Bukowski al celuloide, incluida la fantástica fotografía, destacable especialmente en escenas de interior en bares y clubs. Muy recomendable como obra de interés, no tanto de entretenimiento, hay que ir a verla como se pone uno a leer un buen libro. “Si vas a intentarlo, ve hasta el final”.

Film que nos narra la odisea de un ejecutivo que experimenta un salto de resorte y decide abandonar las ataduras de su vida rutinaria para encontrarse a si mismo en medio de la noche infernal de la gran ciudad, haciendo paradas en diversos lugares a los que se ve guiado por una fuerza oscura en lo más profundo de si mismo. La historia tiene semejanzas con la infravalorada (y para mi genial) obra póstuma de Kubrick: “Eyes Wide Shut”. Si bien en este caso se nos presenta de una forma menos sutil, en una suerte de versión hardcore salvando las distancias. También se pueden encontrar reminiscencias de David Lynch y Paul Schrader. De este último podríamos rescatar su guión para “Taxi Driver”, donde el protagonista, Travis Bickle, tiene cierto paralelismo con el Edmond Burke de la película de Gordon.

La principal pega que le pondrán la mayoría de cinéfilos conservadores es que sobrepasa los límites que dividen lo bizarro del esperpento y en determinados momentos puede rozar el ridículo por ello. Yo pienso que es algo presente por deseo del autor y que, por lo tanto, digamos que es la proposición de una de tantas reglas que el espectador puede aceptar o no. Para disfrutar de un film suele ser imprescindible aceptar las reglas o códigos que nos proponen, ya que solo así podremos comprender verdaderamente las pretensiones de la obra que tenemos delante. Si bien reconozco que “Edmond” tiene carencias en la presentación de esos códigos del mismo modo que las tiene en la presentación de la historia, en la que entramos de sopetón y puede parecernos que todo sucede de forma demasiado repentina y sin razón. Aunque, al igual que dije antes, también tiene momentos brillantes, como el diálogo carcelario.

Pero se nota que Gordon no es Scorsese, ni Lynch, ni Kubrick... Visualmente la película es bastante mejorable. Todo el valor de “Edmond” reside en la historia (con un hasta cierto punto happy end que es tan bizarro como todo el film). No hay planos exquisitos ni nada que nos llame la atención en cuanto a valores técnicos se refiere. Incluso la ambientación, que en obras como esta es de vital importancia, podría estar más conseguida. Al menos mantiene un nivel correcto y suficiente para no empañar todo lo que esconde la magistral aventura introspectiva de Edmond Burke. En el reparto se hace notar la troupe de Mamet, donde es imposible no encontrarse a Macy y Mantenga. El último apenas aparece unos minutos, pero Macy nos ofrece una fantástica encarnación del personaje principal.

Aviso de antemano que nadie se asuste ni emocione sobremanera porque “A scanner darkly” no es el pedante manifiesto filosófico que muchos comparan con “Waking Life” (que si está más cerca de serlo) ni tampoco es la gran obra maestra rompedora que otros exaltan. Si es cierto que contiene momentos discursivos que invitan a la reflexión, sin llegar a pasarse como ocurría en “Waking life”. Al igual que en esa anterior película de Linklater se vuelve a usar la técnica del rotoscopio, un recurso innovador que ha calado hondo en este director. En esta su utilización es más justificada ya que ayuda a retratar mejor y transmitir la sensación de manipulación psicotrópica en un filme donde la droga y sus efectos son elemento clave.

Richard Linklater es un director que puede llegar a ser muy interesante a veces o muy tontorrón en otras, según qué película le coja. Personalmente hay tres que destacaría sobre todas las demás: el díptico compuesto por “Antes del amanecer” y “Antes del atardecer” y su obra casi metafísica “Waking life”. Luego nos encontramos en su filmografía con una seria de títulos de pasatiempo, unos mejores que otros, como “Escuela de Rock” (criminal el doblaje español). Teniendo en cuenta eso podemos decir que en “A scanner darkly” nos encontramos con el mejor Linklater, el más profundo, el más minucioso y el más interesante.

Linklater se basa en un relato de Philip K. Dick para esta película, y consigue ser sorprendentemente fiel al texto original, a diferencia de la mayoría de adaptaciones. Dick es una fuente magnífica de historias de ciencia ficción que además suelen estar sujetas a un contenido ontológico que las hace potencialmente interesantes además de entretenidas. Y es posible que esta sea la adaptación más fiel de Dick, aunque la más gloriosa sea precisamente la que menos respeta la novela original: “Blade Runner”.

Dentro del argumento hay dos elementos importantes: el manifiesto sobre la droga y la trama policial. El primero funciona a la perfección, pero el segundo podría haberse elaborado más. Aunque, después de todo, puede que Linklater no fuese tan arriesgado y tuviese en el fondo un pequeño miedo a que “A scanner darkly” se convirtiera en una película demasiado complicada como ocurrió con “Waking life”, que miraba a la mayoría de los espectadores desde una distancia muy alta. Lo cual no quiere decir que este sea un film raso, ni mucho menos, y la prueba está en que no conseguí encontrar ni una sala de cine que la proyectara. Una pena comprobar que la sociedad de masas sigue sin estar preparada para ciertos manjares.

Mucha gente dice que “300” es la perfección de estilo híbrido entre comic y cine que se inauguró con “Sin City”. A día de hoy sigo pensando que ésta última es una película mucho mejor de lo que la gente dice y no obstante creo que no es un gran film pero si una gran obra de arte que tiene aún más merito cuando se la considera la precursora de todo un estilo visual y narrativo que está siendo cada vez más explotado y lo que aún le queda porque “300” no ha sido si no la confirmación. Me temía una fracaso aunque el director, Zack Zinder, me daba cierta confianza después de haber sabido llevar tan bien una película como “Amanecer de los muertos”. Quizá fue que me formé unas expectativas tan bajas sobre ésta película que al final me sorprendió gratamente.

Tuve la oportunidad de verla en versión original, donde se aprecia mucho mejor la interpretación brutal y magnífica de Gerard Butler, que borda a un Leónidas épico. La cinta transcurre con cierta agilidad, sin llegar a hacerse pesada pero tampoco pasándose de entretenida. Creo que, al contrario de lo que suele suceder normalmente, va ganando conforme pasan los minutos hasta llegar a un final donde la sombra de “Gladiator” planea inequívocamente. Teniendo en cuenta que la pretensión de “300” no va más allá que la de entretener e impactar visualmente al público, su labor está más que conseguida, aunque queda la impresión de que se podía haber logrado mucho más.

Visualmente el film contiene imágenes bellísimas y han aprendido de los errores de “Sin City” creando una estética que llevase con fidelidad el estilo visual del comic de Frank Miller sin llegar a convertirse en algo demasiado hermético y difícil de aguantar durante tanto metraje. De modo que en el aspecto estético “300” se lleva el sobresaliente. Pero le pasa factura el aspecto narrativo, donde es demasiado irregular. No se profundiza bien en los personajes y la historia tarda demasiado en enganchar al espectador. Y cuando lo consigue lo hace por medio de sus bazas más espectaculares. De modo que uno se pregunta si no se podía haber logrado una historia con algo más de interés fuera de sus escenas épicas.

Hay otros dos puntos a destacar más en “300”. Por un lado, y para bien, el esfuerzo de su reparto masculino por conseguir esculpir esos cuerpos de soldados espartanos, todo músculo y nada de grasa. Debe haber sido una tarea encomiable. Y para mal, comentar que la película tiene demasiadas influencias que se notan a leguas. No solo visualmente, ejemplo claro sería la escena que antes comenté que se asemejaba a “Gladiator”, si no incluso en su banda sonora, que llega a recordar a otros títulos con contenido épico. Pese a ello, “300” es un film totalmente recomendable para los amantes del género y también para todo aquel fan de la buena imaginería cinematográfica.

Por fin me atreví a ver “Pequeña Miss Sunshine” y descubrí que no me equivocaba en mi corazonada de que sería una película sobrevalorada. De hecho, podría afirmar casi con total seguridad que “Pequeña Miss Sunshine” es la película más sobrevalorada de 2006. Como último acto grotesco en ese sentido tenemos la nominación que le dieron al Oscar de mejor película del año. ¿Explicación? Esta película indie ha sido la gran aclamada del Festival de Sundance este año y eso pesa mucho. De modo que de la noche a la mañana se convirtió en la apuesta de cine independiente para la Academia de Hollywood en 2006. Todos los años suelen encapricharse de alguna, mitad por enamoramiento infantil y mitad por diplomacia para que no se les vea el plumero con tanta gran producción.

“Pequeña Miss Sunshine” es una película muy irregular. Su primera hora solo vale la pena por un par de chispazos y es una simple excusa para vendernos la moto al final. Hasta llega a rozar los límites en que un film se hace cansino, salvándose siempre por los pelos como los héroes de acción. Una tragicomedia que no llega a ser efectiva en ninguno de los dos aspectos. Sin embargo, su media hora final eleva considerablemente, por no decir que “salva”, el nivel de la película en general. Previamente uno se encuentra elementos que le hacen pensar sobre las pretensiones de la película, que van vas allá de lo que realmente ofrece. El reparto está correcto, siendo Greg Kinnear, un especialista por estos campos, el mejor parado junto con el abuelo Alan Arkin. Visualmente no tiene nada destacable y el guión es en buena parte culpable de todos los defectos comentados anteriormente. Pero esta película cuenta con algo que encandila al gran público, el mensaje “moral”.

Ese mensaje no es el de la familia desorientada y a dos pasos de la ruptura total que al final encuentra el camino hacia la unión por medio de comprensión, en caso de unos, y, en caso de otros, superación (esa palabra que tanto gusta en Hollywood -quizá por aquello de que hay que preservar el valor del sueño americano-). No, el auténtico tema que utiliza “Pequeña Miss Sunshine” para hipnotizar al público como un encantador a su serpiente es el del complejo. El complejo de fracaso que nos imprime una sociedad cada vez más enferma por la obsesión de la perfección y que tiene aquí su parábola en el concurso de belleza.

Se han exagerado mucho las virtudes de este film, en especial las que se refieren a su ingenio. Sinceramente, he visto películas infinitamente más ingeniosas que esta en la última semana. En cuanto a su tema fundamental se podría haber tratado con mayor inteligencia, con un guión más profundo, realista, interesante y elaborado. No quiero hacer pensar que es una mala película, pero creo necesario abrir los ojos al respecto de que no es la “pequeña joya” de la que tanto se han hecho eco. Y espero que no la nominasen precisamente a los premios Espíritu Independiente.