Es 1974, el franquismo se encuentra en sus últimos estertores y Bud Spencer y Terence Hill ruedan en Madrid su obra maestra.

Objetivamente hablando, esta película es un maravilloso compendio de géneros comprimidos en uno solo: La comedia sobre la naturaleza humana.
La naturaleza humana es competitiva: El comienzo, con la carrera de coches, es la muestra de ello.
La naturaleza humana se distingue de la animal por la resolución inteligente de problemas: El buggy, que es de los dos por haber llegado empatados, se lo juegan de la única forma posible: Salchicha y cerveza.
La naturaleza humana improvisa: ¿Qué pasa si no se repara un daño causado? en la lógica de Bud y Terence no se contemplaba la posibilidad de que una afrenta no sea reparada, así que si no es así pues... se enfadan.
Y podría seguir analizando a la Naturaleza humana a través de esta película, pero me voy a ceñir, a continuación, a aspectos meramente cinematográficos.

La pareja protagonista se rodea de un elenco de secundarios de lujo, con Emilio Laguna, el "Matías" de Médico de Familia a la cabeza y Donald Pleasance, un actor que solo trabaja con los grandes: John Sturges, Don Siegel, Roman Polanski, Tony Richardson, John Carpenter, Elia Kazan... (aunque su papel en "Y si no,..." como asesor del jefe mafioso es el mejor de su carrera) . Es este el mejor reparto que van a encontrar en su fecunda filmografía Bud y Terence.

Hasta las situaciones de mayor tensión y desasosiego, como la escena del coro, son rodadas de tal forma que no se pierde ni un ápice de intriga ni de comicidad.

Las mejores escenas de pelea de Bud y Terence, por las que son eternamente recordados, hallan en esta joya su mayor cota de barroquismo y genialidad. Tanto la del gimnasio como la de los globos (con guiños a los Hermanos Marx) son sublimes en su puesta en escena, su ritmo endiablado y su adecuada duración.

Por tanto, este largometraje es una oda a la amistad, con abundantes descargas de violencia dentro de su lirismo y ternura. Algo de lo que sin duda tomaría buena nota Takeshi Kitano en películas como Sonatine o Hana-Bi, que no llegan a superar a esta Película con mayúsculas, aunque sí se le acercan bastante.

Imprescindible.

Estados Unidos, años 70. Es tiempo de crisis en el cine yanqui tal y como había sido concebido hasta entonces. Es Deliverance uno de otros tantos buenos ejemplos de que las cosas estaban cambiando.

Primero, con unos títulos de crédito formados por imágenes de todoterrenos adentrándose en paisajes escarpados y salvajes (los Apalaches) acompañados por... no, no es una voz en off. Es un diálogo en off. Es lo que se supone que están hablando los personajes que van en esos 4x4. Original manera de empezar.

La trama avanza equidistante entre varios géneros cinematográficos. Por un lado es un western de tramperos. Con un poco de imaginación, Burt Reynolds es un carismático Davy Crockett adentrándose por territorios inexplorados por el hombre blanco en compañía de otros exploradores, con la permanente amenaza invisible de los indios nativos. En este caso, son los tipos de ciudad en canoa, con el peligro de la presencia de paletos oriundos de la zona.

Por otro lado, es cine negro. Vamos, un delito grave que se va complicando y que va implicando a gente con una familia y una vida arreglada que quiere esconderlo a toda costa, lo que les acarreará cada vez más problemas. Tensión en aumento hasta desembocar en un callejón sin salida que no puede sino evocar al film noir de toda la vida.

Y, por supuesto, es cine de aventuras. Una auténtica epopeya en medio de una naturaleza salvaje de rápidos, cañones, barrancos, bosques, etc. Incluso se podría hablar de road movie, pero tal vez, intentar equiparar coches y carretera con unas canoas por el río puede resultar demasiado osado por mi parte.

Queda así un largometraje extraño, desasosegante, trepidante y con un punto de giro en el minuto 45 de película que los cánones clásicos jamás aceptarían. Estas reglas estipulan que debe ocurrir siempre en el primer cuarto del film, para no aburrir al espectador sin una chicha que ofrecerle. A Boorman se la suda y con razón.

Las cuentas con el pretérito fascista, tardaron en ser saldadas en el cine italiano, al igual que a Alemania le ocurrió con el pasado nazi. “Una Jornada Particular” es una película radical, nada condescendiente con la ceguera del pueblo italiano que apoyaba en masa a su Duce.

Los hechos suceden a lo largo de un día, el 6 de Mayo de 1938, en el que Hiler visitó Roma y fue recibido con todos los honores por los ciudadanos romanos y el ejército. Sin embargo, lo que sucede en las calles no se ve, nos lo cuenta una radio que pone la portera del bloque de edificios donde viven los personajes interpretados por Mastroianni y Loren.

El bloque se vacía al acudir todos en masa con sus mejores galas al desfile. Antonietta se queda sola para ejercer como ama de casa aunque su deseo era acudir a la parada. El azar determinará que se encuentre con la otra persona que se ha quedado en el edificio, además de la portera. Es Gabriele, un locutor de radio al que desde el principio se nos muestra que no le hace ni puñetera gracia tal parafernalia en las calles de la capital.

Charlan y toman café. Poco a poco van conociendo las mutuas frustraciones y sinsabores que les produce el sentirse ignorados. El tono de la fotografía es mustio y contribuye a ese pesimismo. El drama es contenido en la realización y la complicidad entre ambos permite momentos de plena identificación de un espectador que comprueba como la inmensa mayoría del pueblo apoyaba al fascismo y se enorgullece de ello. Este es el gran escándalo que causó el largometraje, ya que expone la ausencia de resistencia al mismo y la soberana estupidez de unos italianos que soñaban con fastos imperiales.

“Una jornada particular” es original y sencilla. Con momentos para la sonrisa amarga y para la desolación tranquila. Si fuese italiano, sentiría vergüenza de mi nacionalidad y su pasado. Vergüenza que también siente Scola y le lanza a la cara a sus compatriotas en este film.

Ironías de la vida
La desgracia de morir solo, que no se den cuenta de que ya no estás hasta que han pasado unos días y tu cadáver se pudre y emana el nauseabundo olor sintomático de que la vida hace tiempo que perdió la guerra. Así, como un perro, murió Benny Hill. Afligido por la muerte de su madre, la única mujer que lo quiso en toda su vida, el cómico inglés se encerró mucho más en sí mismo en sus últimos años y su misantropía se incrementaba en la misma medida en que el resto del mundo tampoco se acordaba ya de él.

La cruel paradoja de los que se ganan la vida haciendo un poco más felices a los demás con unas sonrisas y en su propia vida no son capaces siquiera de sonreír. El payaso bohemio y abandonado al que nadie toma en serio porque es imposible separar a la persona del personaje.

En su show se transformaba. Lo daba todo por la risa del público. Lo conseguía interpretando a personajes mujeriegos y picarones, ejerciendo una crítica implacable al sistema sanitario y administrativo inglés y representando delirantes recreaciones históricas, especialmente de capa y espada.

Recursos técnicos como la aceleración del sonido y la imagen los usaba como nadie. La música también estaba cuidadosamente seleccionada para regocijo de mandíbulas batientes. Y triunfó ¿triunfó para qué? en el final del camino probablemente lamentaría que, en el fondo, nadie fuese capaz de siquiera intentar contagiarle un poco de optimismo a él, que tantos buenos momentos nos había dado con su trabajo.

Nadie daba los cachetes como él, ni ponía esas caras de perplejidad, ni pellizcaba con esa clase los traseros de enfermeras y secretarias ligeras de ropa. Aquí yace el cómico más triste de toda Inglaterra. Recemos por él.

La tradición picaresca latina hace muy diferente a este western. Es una obra fuera de su tiempo, como El Lazarillo de Tormes, aunque se nota influida por el western crepuscular de Leone y Peckinpah en aspectos formales como el uso del zoom, la caracterización de personajes que huye de maniqueísmos, y la perfectamente realista (por cochambrosa) puesta en escena.

Pero esta película engancha por un uso del sentido del humor hasta entonces apenas esbozado en el género del western. Es un humor a la vez absurdo y universal, violento y tierno a la vez. Aquí nace un mito, perpetuado en "Le seguían llamando Trinidad", una obra genial, asombrosa, adelantada a su tiempo y que por el uso de la repetición de estructuras debería ponerse a todo alumno de una escuela de cine. Es una pena que esta segunda parte sea tan de culto que no aparece reflejada en Film Affinity.

Por tanto estamos ante una saga que muestra todas las variantes posibles de humor y que funciona. Y sin olvidar que es un western, claro, un género dado a híbridos con el de aventura ("Jeremiah Johnson"), bélico ("El Álamo"), musical ("La leyenda de la Ciudad sin Nombre") y ahora, por fin, con la comedia disparatada, descacharrante y eterna.