Mito o realidad, lo único cierto es que, desde hace ya más de un siglo, Robin Hood, es uno de esos héroes con el sello de la perennidad, y con arraigo en el corazón de grandes y chicos de cada nueva generación. Robin Hood, vive con un propósito que ni los capitalistas repudian: roba a los ricos para dárselo a los pobres. “Bueno, al menos no se queda con lo que se roba”, justificaba un día un potentado que tuve sentado a mi lado.

Llevado al cine, desde 1922, y luego adaptado en numerosas versiones y en géneros tan diversos como la aventura, el drama histórico, la comedia, la animación… y ¡hasta la pornografía!, Robin Hood resurge ahora en una versión muy agradable, plena de aventura, rebosante de buen humor, y con unos cuantos gestos de amistad, solidaridad con los humildes, reclamo de la equidad... y otros mensajes que bien vale tomar en cuenta.

Kevin Costner, en todo el cénit de su carrera, logra que éste héroe del folclor medieval británico, recobre toda su vitalidad, su indeclinable atractivo y su espíritu aplicado a la leyenda. Kevin Reynolds, director que ya había estado con Costner en, “Fandango”, consigue plasmar una envolvente aventura, con una buena mezcla de fantasía, comedia, drama y aventura, en dosis bien calculadas y con una efectividad que se merece el mejor recuerdo. <<ROBIN HOOD: PRÍNCIPE DE LOS LADRONES>>, convence desde muchos ángulos y, otra vez el héroe nos retorna a la época del espectáculo como objetivo supremo. Es puro divertimento y como ñapa alecciona.

La historia, escrita esta vez por, Pen Densham (y guion de John Watson), comienza cuando, Robin de Locksley, se escapa de las mazmorras en que se halla prisionero y regresa a Inglaterra donde descubre que su padre ha sido asesinado y que, el sheriff de Nottingham, perverso y sanguinario, explota y oprime a la gente de su pueblo aprovechando un largo viaje que ha emprendido el legítimo rey, Ricardo Corazón de León. Robin se une entonces a los “fuera de la ley” que tienen por guarida los bosques de Sherwood… y pronto se prepararán para enfrentar al enemigo. También entrará en juego, Marian, el eterno amor del legendario héroe, que animará su llama y su ímpetu guerrero.

Esta grata aventura, convida a luchar por la justicia, enfrentar a los tiranos y reivindicar a los oprimidos, y sobre todo, nos recuerda que la vida del hombre, sólo se hace grande cuando asume con denuedo los ideales más exigentes aún a riesgo de su propia vida.

<<ROBIN HOOD: PRÍNCIPE DE LOS LADRONES>>, es una película fresca, relajante, impregnada de fuerza moral y capaz de jalonarnos para que seamos más de lo que hasta ahora somos.

Este es el Charles Chaplin que me llega al alma. Productor, director, actor, compositor y guionista, el archiconocido Charlot, logra con, <<TIEMPOS MODERNOS>>, lo que cabe llamar una obra plena de autor... aunque hay que admitir que tomó como fuente de inspiración el filme de René Clair, "A Nous la Liberté" (1931). Además, es una deliciosa e imperecedera comedia y una fuerte y acerada crítica contra la sociedad de su época a la que conocía de palmo a palmo, y que ahora atentaba, por muchos frentes, contra la gente del común. Estamos en la Era Industrial, y el arribismo de los grandes empresarios está llevando a la clase obrera a convertirse en verdaderas piltrafas, debido a la explotación y el abuso de que se les está haciendo víctimas. Se está llevando a los seres humanos a trabajar como robots y se les exprime hasta el límite su capacidad productiva, sin importar sus derechos ni sus necesidades esenciales. Nada, como podrá verse, que no siga ocurriendo setenta años después y tras haber cambiado de siglo.

Charlot, representa al obrero extenuado por el exceso laboral, pero, con gran maestría, intercala sus mágicos toques humorísticos creando solaz y aligerando la ira que los abusos provocan. Así, con fino humor, deja su semblanza de la explotación del hombre por el hombre, y luego da paso a otro problema no menos crucial: la intolerancia del mundo frente a los millones de excluidos que sueñan con realizarse.

Tras hacer amistad con una agraciada joven quien, por fuerza de las adversidades se encuentra deambulando y huyendo del encierro, Charlot se entera de que sus hermanitas acaban de ser llevadas a un orfelinato tras la muerte de su padre. Ella, y el vagabundo, lucirán hechos el uno para el otro, y ella revelará un carácter y una fortaleza de ánimo que, quizás, la ponga de tú a tú con el solidario “gentleman”. Así, el impulso nacerá de ambas partes, pero, la oportunidades que la vida comienza a brindarles van a tener serios obstáculos.

Chaplin, exuda ingenio, agudeza, crea efectivas simbologías (las ovejas y los obreros camino al trabajo, el hombre tragado literalmente por la máquina, el banderín que te enrola en una causa incomprendida…) y se rebela, con su particular terquedad, contra el inamisible progreso del cine que había incorporado el sonido desde 1927. Han pasado 9 años, ¡y todavía, Chaplin, creía que el sonoro sería la ruina de la expresión actoral!, pero, por fortuna lo hace con gracia, incorporando divertidos efectos y su ya clásica composición, “A Nonsense Song” (Canción sin Sentido), con la que logra consolidarse en un empleo conseguido por la chica… hasta que entran de nuevo en escena los implacables verdugos del Estado.

La historia, en pleno, se resiente de una sociedad excluyente, estigmatizadora, insensible... y, Chaplin, lo hace con la maestría del arte que logra extraer gracia hasta de la peor tragedia.

Muy bien por el Chaplin que, aquí, reafirma su inmortalidad, y mi venia para, Paulette Godard, quien, con su denuedo, libera a la mujer del paternalismo de Charlot y la pone a la altura del hombre, ¡como siempre ha debido ser!

Los hombres con calculados impulsos criminales, actúan con la certeza de que, en el juego del delito, sólo participan ellos, sus víctimas… y si de pronto están de malas, también la policía. Con tales participantes, no es difícil asumir el riesgo, pues, es tan marcada y consabida la limitación humana, que se tiene la confianza de que nadie sabrá nunca cómo se hizo lo que se hizo.

Pero, es indefectible que quede siempre un cabo suelto, y en ello actúan las fuerzas del universo. Es ley existencial: “La impunidad no existe”. No puedes ver que te ven, pero siempre estás siendo visto. El universo evoluciona, pero no se creó por simple arremolinamiento de energía, venida de la nada, como presupone la teoría evolucionista, sino por un poder tan grande y sabio, que todo, absolutamente todo, está bajo su control.

La película del director, Alfred Hitchcock, <<CRIMEN PERFECTO>>, funciona de maravilla como un puzzle finamente trazado en el que, un viejo zorro que ha descubierto que su preciosa esposa le es infiel, planea asesinarla valiéndose de un viejo conocido, el cual carga con un pasado suficientemente turbio como para poder tomarlo por su cuenta.

Tony Wendice, el marido de marras, describe con detalle su perfecto plan a la avispa que atrapó en su fina telaraña, y uno siente que por fin asistirá al, tantas veces pretendido: ¡crimen perfecto!

La trama es de férrea estructura y, Hitchcock, la sostiene en un alto clímax, no obstante que se desarrolla prácticamente en un apartamento y con sólo cinco personajes haciendo su juego. Los diálogos contienen elegancia, agudeza y una grata fluidez, y no podemos menos que hacer reconocimiento a, Frederick Knott, autor de la obra teatral y del guion cinematográfico.

Encomiable, también, la altura que mantienen todos los personajes en el manejo de las situaciones en que se involucran o en las que resuelven. Excepto en la escena del asalto, no hay lugar para puñetazos ni para otras manifestaciones de violencia y todo se maneja a la mejor usanza inglesa: Un pacto de caballeros.

Ray Milland, consigue aquí otra intachable caracterización como el hombre que quiere cobrar venganza mientras, de paso, se premia con una buena suma de libras esterlinas. Y la siempre exquisita, Grace Kelly, también da la medida como la chica subestimada, pero, con más valor del que puede imaginarse.

Un claro error de continuidad -que no contaremos para que también ustedes jueguen a los detectives– podría empañar la cuidada elaboración de este filme, pero, es tal su altura y su eficacia como trama detectivesca, que no escatimaremos en concederle la máxima calificación.

Título para Latinoamérica: LA LLAMADA FATAL

Podría citar un largo número de películas que fueron cuidadosamente concebidas, pero que, luego, se truncaron o se vinieron a menos por numerosas causales: Limitaciones de presupuesto, plan de rodaje sin posibilidades de ampliación, incompatibilidad con algunos miembros del equipo técnico, trabajar con actores impuestos por los productores con los que no se empatiza o en los que no se cree, perturbaciones de la naturaleza, accidentes durante el rodaje…

Por razones como ésta, es que ya rara vez escribo para despotricar de película alguna y, a las que no me gustan prefiero, ahora, regalarles mi silencio, confiando en que, de esta manera, pasen más pronto al gigantesco promontorio del olvido. También, por estas mismas razones, es que se me hace difícil ser objetivo con el cine latinoamericano que, con frecuencia, se resiente por alguna o por varias de aquellas cosas que citaba antes y de las casi nunca nos enteramos.

De, <<ROSARIO TIJERAS>>, película colombo-mexicana que tuvo a su cargo, Emilio Maillé, pueden señalarse fallas en la vocalización (¿pero tuvo el director la opción de repetir otras veces tales escenas?); exceso de desnudos (¿voyeurismo del director o imposición de los productores con la esperanza de atraer más público?); actuaciones secundarias de muy bajo nivel (¿Se tuvo suficiente tiempo para prepararlos? ¿había presupuesto para pagar a gente profesional?)…

Pero, si uno consigue trascender estas habituales falencias, se encuentra con un filme muy interesante; válido argumentalmente desde diversos puntos de vista; acertado en más de un aspecto (el tratamiento que se da al personaje de Rosario, la recreación del sicariato…) y que nos pone ante la dolorosa semblanza de unos hechos aterradores que, quizás, nos lleve a ser considerados, por muchos, como una de las culturas más salvajes y atrasadas del mundo. Porque, lo que sucede en la película es cierto, vergonzosamente cierto, y sigue sucediendo de esta y otras maneras que superan toda ficción.

Esto, que suele ocurrir entre los sectores más arrinconados y excluidos de la ciudad (aunque a veces también en los estratos altos) suele ser el resultado de la falta de educación, del desafecto, de la violencia intrafamiliar... y de las extremas carencias económicas por el completo olvido en que los han mantenido nuestros gobernantes.

Escenas como la del funeral de Johnefe, el ataque de Rosario y su compinche, al cadáver que velan en un barrio alto o la manera como se asesina a los propios amigos porque “sino otro lo haría”, dan fe de un hiperrealismo que impacta nuestra sensibilidad y nos llena de tristeza por nuestros hermanos.

Ya no se puede ir más allá en la oscuridad, ya no es posible que la degradación alcance otros niveles, y quizás, sólo queda esperar que un milagro, o la naturaleza implacable, limpien por fin la tierra del inmenso lodo y de los aterradores fantasmas que corren por las calles.

Jess Aarons, vive en un hogar donde, la sobrevivencia y lo cotidiano, pesan más que cualquier otra cosa; por eso, su honda afición por el dibujo la guarda para sí mismo, ya que no encuentra entre sus hermanos, ni entre sus padres, a alguien dispuesto a sentir o valorar sus fantasías. En una carrera organizada por el colegio -que Jess espera ganar pues, al único rival que ve a su lado, siente que puede vencerlo sin mayor dificultad-, una sorpresa llamada, Leslie Burke, aparecerá repentinamente.

Leslie, vuelve a sorprenderlo, luego, con la imaginación que demuestra para contar en clase una narración ficticia, y sumado a que la chica es bella y resulta ser su vecina, traza pronto el camino para que, entre ellos, florezca una sólida amistad. Unidos, la imaginación asume, entonces, un alto vuelo... y no tardarán este par de chicos en crear su propio mundo mágico, donde habrán de tener sorprendentes aventuras.

Como en, “The Neverending Story”, aquí la imaginación es un espacio para mantenerse vivo y para darle sentido a la existencia. El bien lucha contra el mal, las debilidades se afrontan y los poderes que guardamos, muy ocultos, consiguen salir a flote. Los chicos se sienten en un mundo nuevo y comprenden a cabalidad, algo que, un día, todos tendremos que comprender: Cada uno puede crear su propia realidad y la realidad es para cada uno según sea el contenido de sus pensamientos e ideas.

Jess y Leslie, son dos chicos de enorme carisma, y cuando sus corazones se funden en el sendero libre de la creación, resuelven con sabiduría los escollos que se interponen para que experimenten sus valores. Así, los obstáculos que surgen en la escuela y en su mundo imaginario, serán bellamente transformados cuando ellos conocen las razones por las que el otro ser actúa; y dan honda prueba, así, del enorme significado que tiene aplicar la redención en lugar de la cruda venganza.

<<UN PUENTE HACIA TERABITHIA>>, es una inspirada película que parte de la novela de, Katherine Paterson (con guion de, Jeff Stockwell y David Paterson), donde la sensibilidad, la profundidad de pensamiento y el entendimiento humano, tienen un bello lugar. El director, Gábor Csupó, uno de los creadores de, “Rugrats, Aventuras en Pañales”, lo da todo de sí para lograr una historia de relevante significado (con efectos especiales mesurados y agradables, una puesta en escena donde brilla lo natural y se ausenta la ostentación), y el filme servirá a chicos y chicas para descubrir sus propios potenciales.

Jess y Leslie (interpretados con hondo carisma por, Josh Hutcherson y AnnaSophia Robb, dos experimentados actores, no obstante su juventud), se meten en lo más hondo de nuestros corazones y nos hacen salir emocionados con la hermosa experiencia que nos permiten compartir.

Ésta es la clase de filme juvenil que debería pesar mucho más, porque su propósito es significar y lo logra con gran eficacia.

Título para Latinoamérica: EL MUNDO MÁGICO DE TERABITHIA