Hirayama (Koji Yakusho) es un hombre de mediana edad que trabaja limpiando servicios sanitarios públicos en Tokio, a pesar de ser un trabajo sencillo él lo hace con completa dedicación y detalle, en su día a día tiene algunas rutinas -casi- inquebrantables, además tiene afición por las plantas, es un amante de la música, tiene una enorme colección de casetes, es un asiduo lector y gusta de la fotografía analógica.

El filme se centra en mostrar la vida sencilla alejada de lo ostentoso y la cotidianidad del protagonista, en su trabajo y en sus espacios de tiempo libre alimentando sus pasatiempos, esta se ve interrumpida en algún momento por su compañero de trabajo el joven Takashi (Tokio Emoto), y principalmente por la aparición de su sobrina Niko (Arisa Nakano), que va a ofrecer algunas pistas sobre el pasado de este hombre.

Hasta la aparición de ella ha pasado hora y quince minutos de metraje, hasta ese momento, Hirayama apenas y ha hablado con las personas a su alrededor, pequeños saludos y gestos, pero nada más. Con Niko el espectador va a conocer algunos detalles, por ejemplo que tiene familia, una hermana, un padre y que su posición actual no es bien vista, aunque parece ser más fruto de una decisión personal.

Perfect Days es el nuevo largometraje de ficción del realizador alemán Wim Wenders, que como hiciera su coterráneo Werner Herzog en Family Romance, LLC (2018) se va a Japón a filmar, aunque son obras diametralmente opuestas, Wenders escribe el guion de este filme junto con Takuma Takasaki, un multifacético artista japonés enfocado en campañas publicitarias, escritura de novelas, libros ilustrados, entre otros.

Wenders filma con una aparente sencillez que hace ver la realización de películas como algo fácil de hacer, pero claro, nada más alejado de la realidad, y es que la propia historia, la trama del filme parece ser algo sencillo, pero nada más alejado de la realidad, todo lo que muestra Wenders y su director de fotografía Franz Lustig tienen un sentido, llenando de detalles la pantalla y el argumento de la película.

Una obra entrañable donde parece impensado no sentir empatía por su protagonista, con una actuación imprescindible de parte de Yakusho, un tipo noble, trabajador excelente, que vive de forma sencilla sin lujos, que maneja una dinámica de vida donde la simpleza y la tranquilidad está por delante de todo, pero con un gran ojo para esos detalles que por el ritmo de la vida en muchas ocasiones se dejan pasar por alto, inmejorable.

Película que toma a un pobre pillo con ganas de sobresalir para presentar una cruenta crítica a la sociedad y principalmente a los medios de comunicación, los cuales son mostrados como organizaciones dispuestas a cualquier cosa con tal de ser y tener la noticia bomba del día o la noche, para un público que es señalado como sediento de sangre y violencia. Generando de esta forma una clara dualidad de pocos valores y moral.

El protagonista del film es Louis Bloom (interpretado por Jake Gyllenhaal que luce magistral), un tipo que es llanamente un perdedor y fracasado, que subsiste realizando pequeños robos y vendiendo dichos objetos, pero con ganas de llegar a ser alguien conocido y distinguirse, cuestión que se denota fácilmente en los primeros minutos con el asunto de un reloj y el valor que éste tiene, un objeto simbólico que le significa destacar.

Por accidente un día conoce lo que para él se convertirá en una mina de oro, compra una modesta cámara y un radio que agarra las frecuencias policiales y comienza a asistir cualquier suceso que pase en la ciudad durante la noche, graba lo que pueda para posteriormente ir a un noticiero a venderlo. Pronto Louis se dará cuenta que entre más violentas y gráficas sean las imágenes mejores serán los beneficios económicos que recibirá.

En este punto del personaje se genera otra lectura del film, esta es la evolución que luce este individuo, que gracias a dicha casualidad ya mencionada se genera una idea que el tipo va desarrollando de forma solvente. Estamos ante un tipo que es inteligente, que sabe hablar y sabe hacia que está enfocado, que conforme va teniendo éxito en su trabajo, se va trastornando su pensamiento, ¿qué tanto irá eso de la mano con el trabajo que hace, con la violencia que ve?

Claramente eso se podría traspasar al aspecto social citado al inicio, creando lo que podría considerarse un ciclo de violencia, siendo el mediador los medios de comunicación que transmiten dicha violencia y que a su vez va generando más. Es claro que hay un trastorno del protagonista, pero ¿podríamos ver esto más allá? Se puede ver este traspasado a un aspecto mayor como es el de la sociedad. Louis cada vez buscaba ir más allá, no le importa pasarle por encima a la ley para conseguir alguna exclusiva, ¿por qué? Por qué siempre se le solicitaba y él se exigía más.

Paralelo a toda esta producción que da el argumento para hablar, está el hecho de la película en sí, la cual funciona realmente bien, Dan Gilroy es alguien con experiencia previa en guiones, aquí funge como tal en su primer obra, lo cual lo hace presentar un trabajo bastante sólido y que no se antoja primerizo. Tiene suspenso y acción, en especial en la segunda parte del metraje, se puede decir que las revoluciones van aumentando conforme pasan los minutos, para llegar a un viaje con un clímax emotivo y emocionante.

Nightcrawler es perversa, no oculta nada de lo que desea mostrar y por ende criticar, a sus personajes no les importa saltarse las normas morales y éticas con tal de obtener rating o un renombre, a fin de cuentas poco importa esos puntos para ellos. Un gran trabajo.

Dos años después de presentar The Act of Killing junto a Christine Cynn, el realizador Joshua Oppenheimer ofrece este nuevo trabajo, que igual que su predecesor, se centra en la actual sociedad de Indonesia y en las repercusiones que hubo tras el Golpe de Estado de 1965, momento en que se forjó un terrible genocidio en contra de los comunistas, donde escuadrones de la muerte mataban a sangre fría, en The Act of Killing algunos líderes de estos escuadrones hablaban sin tapujos frente a la cámara sobre las atrocidades que cometieron.

En The Look of Silence hay una mirada diferente, aún más humanista e intimista lo que le da un significado aún mayor al film, motivo por el cual me parece superior a su antecesora sin demeritar lo valiosa que también resulta. En este caso se centra en un joven oftalmólogo quien vive con sus ancianos padres, su hermano mayor fue brutalmente asesinado durante los eventos ya mencionados. Acompañado por Oppenheimer, emprende la búsqueda de los hombres quienes lo asesinaron, para confeccionarle unos anteojos, pero también entrevistarlos y con serenidad confrontarlos.

El documental como si fuera una película de suspenso, tiene momentos donde se respira una tensión inimaginable, se observa en pantalla pero se siente en la sala de cine, este hombre nos ofrece su mirada, triste y pensativa mientras traga grueso cuando confronta a estos hombres o cuando, en su casa observa los vídeos grabados por el director entrevistando a estos asesinos.

Indonesia está lamentablemente sumida en un problema gravísimo, los gobernantes continúan siendo esas personas que dieron dicho Golpe de Estado, en un contexto diferente pero donde aún sigue una constante represión. Donde dicen que “lo pasado, pasado”, tanto ganadores como perdedores se aferran a esta frase, los primeros por obvias razones, están bien posicionados y fueron los triunfadores, los segundos por el temor y por no querer volver a revivir tan atroces momentos.

De ahí lo valioso del trabajo que hace el realizador y este hombre de hacer frente a dicho acontecimiento, si bien, la Guerra Fría ha quedado en el olvidó (momento en el que se desencadenaron estos brutales hechos), aún en dicha sociedad se continúa viviendo de forma latente y muy fuerte, ejemplificando esto claramente en la secuencia donde se asiste a una escuela y en una clase de Historia sobre estos acontecimientos, se narra una Historia oficial, totalmente distorsionada de la realidad.

Joshua con sus filmes busca contar la verdadera historia de lo ocurrido en Indonesia, arriesga su vida pero la arriesgan aún más quienes aparecen en ella o ayudan en la producción, hay que ver los créditos finales y la gran cantidad de “anónimos” que aparecen para que se lograra realizar este documental, un trabajo imprescindible.

Un automóvil atropella a un desgraciado ciclista que venía saliendo de su trabajo en la víspera de navidad, el auto se detiene unos segundos y continúa su camino, el hombre queda al borde de la calle muy lastimado. Posteriormente mediante tres capítulos y uno final, se narra la forma en como las familias Ossola y Bernaschi se relacionan entre sí, los primeros son de clase media, mientras los segundos son de clase alta.

Los primeros tres capítulos narran los puntos de vista respectivamente de Dino Ossola (Fabrizio Bentivoglio), Carla Bernaschi (Valeria Bruni Tedeschi) y Serena Ossola (Matilde Gioli), sobre los eventos acontecidos en un lapso de tiempo que desencadenan en el accidente del ciclista. Un recurso si bien no es algo nuevo, cuando está tan bien hecho da gusto verlo, este es el caso, porque la película no deja de sorprendernos una y otra vez.

Il capitale umano arrasó en la edición 2013 de los Premios David di Donatello a lo mejor del cine italiano, sorprendiendo su triunfo sobre la vitoreada La grande bellezza, si bien hay sorpresa debo de admitir que si un trabajo le podía quitar el triunfo era este. El guión escrito a tres manos basado en una novela de Stephen Amidon no deja vacío alguno, logra compenetrar al espectador totalmente.

El film tiene la virtud de desenvolverse de forma agraciada, la dirección de Virzì es espectacular, algunas tomas son muy trabajadas, basta ver la escena inicial. La narración no se entorpece en ningún momento gracias a la fluidez en cómo se trata todo. Por otro lado, las actuaciones del elenco son soberbias, cada personaje cumple a cabalidad su trabajo, se nota que cada quien entiende su papel, mi favorito quizá por el tipo de personaje es Bentivoglio.

A destacar también la crítica que hace a la situación económica italiana, a como se mueven las finanzas y las especulaciones. Pero sobre todo a la existencia de una sociedad a la que solo le importan las apariencias, que no le interesa el mal ajeno si ellos están bien, y donde una persona tiene un simple valor numérico traducido en dinero.

Jon (Mads Mikkelsen) llegó junto a su hermano a Estados Unidos provenientes de Dinamarca para iniciar una nueva vida. Siete años después, en 1871, su esposa e hijo llegan también para instalarse en el país. Sin embargo, durante el trayecto de la diligencia que los iba a llevar al pueblo donde vive, sucede un altercado que dará como resultado la persecución de Jon por Delarue (Jeffrey Dean Morgan), un temido criminal de la zona.

The Salvation es un Western con gen danés que se centra en los planes de sus protagonistas para vengar a los suyos, un retrato sangriento y despiadado en una región llena de corrupción donde la ley del más fuerte es la que está realmente vigente. Sorprende lo bien utilizada y la visión clara de Levring, la utilización del espacio y del ambiente árido, así como en la definición de los personajes.

Estéticamente es bastante agradable, la fotografía de Jens Schlosser es muy acertada transmitiendo a la perfección la visión de Western del film, la musicalización de Kasper Winding no muy constante pero bien utilizada en momentos claves, el guion a cargo del mismo director en conjunto con Anders Thomas Jensen cuenta una trama bien estructurada, pero bastante lineal, no hay giros sorprendentes y se prevé lo que va a suceder.

El elenco está muy bien, Mikkelsen como siempre cumple, me ha gustado el trabajo de Mikael Persbrandt y el de Morgan como el antagonista, Eva Green está ahí pero su personaje no amerita destacar gran cosa. En síntesis una película correcta, con un argumento despiadado que no da concesiones ni respiros, buen film.