Estamos probablemente ante la mejor película de Studio Ghibli y Hayao Miyazaki a cargo de dirección y guion. Y el nivel es muy alto: El viaje de Chihiro (2001), La princesa Mononoke (1997), la mítica Porco Rosso (1992), Mi vecino Totoro (1988) … Siendo largometrajes de animación, no conozco (ni puedo imaginarme) a nadie a quien se le hayan hecho mínimamente pesadas o aburridas. Al contrario: se trata de un constante deleite visual que incluso los espectadores más reticentes al anime llegarán a disfrutar.

No me resisto a mencionar también a Lupin y Sherlock Holmes como algunos de los principales trabajos del Sr. Miyazaki que, además, son los primeros que personalmente pude observar durante mi infancia.

Dicen que los grandes artistas sólo trabajan en una obra. Que, aunque su producción pueda diseccionarse en diferentes objetos, la búsqueda es sólo una y, cuanto más profunda y madura es esa búsqueda, más sublime es el objeto producido en ese momento. En arquitectura tenemos los ejemplos claros de Gaudí o, más recientemente, de Zaha Hadid. En pintura, Goya o Van Gogh son buenos exponentes de esta teoría.

El caso es que, en El castillo ambulante, el dibujo, el guion, la música… todo se conjuga en una amalgama que, pudiendo parecer a simple vista desmadejada, se trata de una intrincada composición, perfectamente equilibrada (como el propio castillo), que transita una historia de amor (siendo esta más o menos obvia según el tramo de la película), con diferentes versiones de éste: desde un encuentro inesperado y fugaz, a la amistad verdadera, al apoyo mutuo y desinteresado, e incluso, por supuesto, al amor romántico.

Sin un ápice de ingenuidad en su definición y con serenidad proverbial, los elaborados y complejos personajes, van desvelando sus demonios y aspiraciones, con la magia como telón de fondo. Podría parecer que es una película infantil (animación, amor, magia…) pero, aunque creo que puede ser visionada por públicos bastante jóvenes, también considero que puede disfrutarse por los más mayores en dimensiones y facetas que quizá a los primeros les resulte complicado alcanzar.

Una auténtica maravilla. Gracias sinceras desde el corazón, maestro Miyazaki.

Hace poco, viendo otra película, me di cuenta de que si la dirección y el guion (incluso la interpretación del personaje principal) corren a cargo de la misma persona, pero lo que más te gusta es la fotografía, algo falla en esa película. En este caso, no es la fotografía, sino las localizaciones de rodaje, junto con Melanie Griffith, lo que salva al largometraje.

Esas localizaciones, que propician escenarios como las espectaculares viviendas de Hollywood Hills o los apartamentos aterrazados sobre la playa californiana, también dan lugar a las escenas de persecución más absurdas que puedo recordar, si es que pueden llamarse así (que Steve McQueen y Peter Yates nos perdonen).

Es muy posible que esas “persecuciones” sean en realidad un “homenaje” al particular espacio-tiempo de los contraataques futbolísticos en Oliver y Benji. El que sí está claro es el que se hace a “La ventana indiscreta” (1954) de Hitchcock, pero esto demuestra que hay homenajes que no son en absoluto necesarios.

Mucho se ha hablado del vergonzoso 'black face', con ejemplos en el cine que van desde los clásicos Hermanos Marx a Robert Downey Jr en “Tropic Thunder” (2008). Sin embargo, lo que aquí reivindica Brian de Palma es el menos conocido 'indian face', preludiando uno de los puntos fuertes de la que para mí siempre será la película con la que descubrí y admiré (por lo menos hasta que superé la preadolescencia) al director, “Mission: Impossible” (1996).

Reconozco que el visionado por mi parte de “Body Double” (1984) no fue motu proprio, sino que comenzó con una encuesta entre amigos sobre qué película ver. Y no puedo parar de preguntarme si quien planteó esta opción estaba recomendándola, sugiriéndola… o simplemente bromeando. Espero que pueda explicárnoslo con calma algún día.

Siendo un completo profano en el género, habiendo visto sólo algunas películas de terror en mi vida, de las cuales he disfrutado una proporción prácticamente ridícula, debo decir que ‘Late show with the devil’ me ha sorprendido gratamente.

Sin pretensiones, se combinan dos temas de los que se realiza, más allá (nunca mejor dicho…) de una simple y efectista caricatura, un retrato decente y con la profundidad permitida por el medio y los recursos empleados.

Repito que no soy fan del terror, ni mucho menos, pero puedo llegar a identificar guiños homenajeando a clásicos del género y, más que un collage de temas más o menos recurrentes, he percibido un puzle en el que encajan las piezas más habituales (entiéndase como las de mayor éxito popular) del terror, por un lado, con una crítica mordaz y sensata al periodismo en general y al mundo de los late shows en particular, por otro. Y en esta faceta, es ‘Network’ el claro y homenajeado referente.

Por estas razones, más que “trama”, creo que la película tiene “tejido”, con su trama y su urdimbre: espiritismo y late shows (aunque en ciertos momentos y lugares de la historia televisiva esto fuese una redundancia). También creo que una de las virtudes más notables del largometraje, además de no ser demasiado largo, es precisamente la sinceridad de no pretender reírse del espectador o ser más de lo que puede llegar a ser.

Esa humildad de contar una historia, cual bordado en el tejido mencionado, cuyos hilos se dejan ver o permanecen ocultos, según sea necesario para alcanzar el objetivo que se busca, sumándole la incalculable contribución del actor principal y también la de un elenco que en general lo hace muy bien, es probablemente lo que más puede sorprender y gustar.

Está dividida en tres partes, teniendo las dos primeras un carácter de siembra de ideas y la última de recolección de los frutos de esas ideas, además de aportar un cambio de ritmo al estilo David Lynch en ‘Lost highway’, pero que el último minuto revela la película como la genuina historia que es.

Aclaración: No considero que ‘Late show with the devil’ esté a la altura de ‘Network’ o de ‘Carretera perdida’, pero sí me parece de las mejores películas de terror que he visto.

PS. Con todos mis respetos a FA, no entiendo qué relación tiene la sinopsis con la película. Perdón y gracias.

Película muy cuidada. Se nota que se ha hecho con cariño, que Alice Rorwacher tenía una idea clara y que ha disfrutado plasmándola en la pantalla. Prueba irrefutable de que se lo ha pasado bien haciéndola, es el hecho de haber reservado para su hermana el papel más divertido en esta intrincada secuencia de alegorías: la supervillana / traficante de arte expoliado.

Efectivamente, se demuestra con la faceta más realista y menos mágica de la historia reflejada en “La Chimera” que puede robarse algo que no sea “propiedad privada”, y que el daño infringido por el robo sea infinitamente superior al precio de lo robado, que a su vez es incalculable.

Quizá antes de que aconteciera la apisonadora civilizadora romana, además de haber menos machismo, se hablaba de “préstamos de la naturaleza” (como puede haber “adornos de la naturaleza”) en lugar de propiedad privada, cuando se trataba de producciones agrícolas, por ejemplo.

Y es que el gran regalo de la arqueología reside precisamente en poder demostrarnos que otras formas de organización, otros sistemas de creencias, otras sociedades (pudiéndose llegar a calificar de “primitivas”, “ingenuas” e incluso “irracionales” desde nuestro auto apuntalado púlpito del desarrollo, unidireccional e ilimitado), en definitiva, son factibles entre los seres humanos.

Creo que se hubiera enriquecido más el diálogo entre el aspecto religioso o espiritual de la profanación de enterramientos y su aspecto mercantil, con una mayor intervención de la perspectiva científico-histórica, que solamente tiene dos apariciones (estelares, eso sí): cuando se refleja el instante de apertura de una cámara funeraria, y el momento de la decapitación de una estatua etrusca… Puro drama… Cálida ovación para Alice.

“Es una instalación temporal, pero la vida es temporal”. Maravilla de reflexión, gracias Italia.

Por cierto, Josh O’Connor (a quien descubrimos como el Príncipe de Gales en la genial serie The Crown), el actor que interpreta a Arthur, lo borda. Con la primera y la última escena, queda claro que en realidad esta es una historia sobre una persona enamorada de alguien a quien ha perdido, con la compañía argumental de denunciar socialmente a los ladrones de yacimientos arqueológicos.

“(…) lo que siquiera puede ser dicho, puede ser dicho claramente; y de lo que no se puede hablar, hay que callar.” Ludwig Wittgenstein.

Otro título alternativo: “Autopsicoanálisis o cómo representar dignamente mi terapia en un largometraje”.

Es posible que sea la precursora de un nuevo género, el “costumbrismo sexual psicoterapéutico”, pero sinceramente creo que se me escapan cosas importantes porque no acabo de entender de qué va… ¿de generar situaciones incómodas para luego extrañarse de que los interlocutores no se sienten a gusto?
“Apegos feroces” … “¡Me bota la vulva!” … “¿A ti también te pedía menearme el culete?”

Había una sombra de Mantícora durante todo el visionado y pude comprobar después, para sorpresa de nadie, que Alana Mejía González es directora de fotografía en ambas películas. Gran trabajo.

“Siempre estoy bien”, le dice el padre a la hija. “Nunca me pasa nada”, le dice el padre a la hija… “Padre, cuénteme lo de Wikileaks”, le dice la hija al padre… pido perdón por el chiste local, pero ya que estamos: ¡Libertad para Julian Assange!

Me desconcierta que, siendo dirección, guion y personaje principal la misma persona, lo que resulte mejor sea la fotografía… Pero me alegro mucho por esa persona, espero que se sienta realizada y, si la conociera, sentiría mucho orgullo por la valentía que ha demostrado.

Una mujer se desnuda y se va adentrando en el mar…

Que no engañe el metraje: se puede hacer larga.