Acabo de salir del cine. No sé cómo de correcto es hacer la crítica de una película sin haberla digerido. Allá voy.
Diana de Gales y su biografía son el marco que resguarda lo realmente importante. El retrato de los estragos psicológicos de la incomprensión, la soledad y el aislamiento de una persona. No se esperen por tanto un biopic “al uso “en el que una serie de acontecimientos reales van sucediéndose.
Pablo Larraín ha creado una película bella y muy cuidada, al servicio del lucimiento de una Kristen Stewart en estado de gracia. La actriz demuestra de forma soberbia un sentimiento muy concreto que sobrepasa la melancolía y la incomunicación: la angustia de vivir que produce la represión interna de algo que quiere estallar. Una banda sonora exquisita acompaña al espectador en el preciosista viaje por la ansiedad de la protagonista. Los terribles sentimientos contrastan con la gélida y casi petrificada belleza de los decorados y el diseño de vestuario, retratados por una fotografía igualmente notable.

La intención de la película es buena y original. Pretende explorar los traumas y las diferentes formas de afrontar la vida tras un evento horrible como es un atentado terrorista. Pero… por muy interesante que sea este planteamiento, la película no se salva por varias razones:
-Un montaje caótico con saltos temporales cada dos por tres.

-la version doblada es un tanto cutre. Por no decir horrible.Como resultado, unos personajes un tanto estúpidos. No sé si es porque no hay un acercamiento muy profundo a su psique, pero no he conectado con ellos, salvo en algunos diálogos sobre dilemas morales.

-Por último un ritmo lento, lento, lento hace que dos horas se pasen como 4 días.

La Banda Sonora y la fotografía están bien.

No me arrepentí de verla, es bonita, pero tampoco la volvería a ver. Lo mejor son los planos, los colores de la imagen, la música, las miradas y, a quién le gusten, los silencios, que dicen más que los escuetos diálogos.
Es una película íntima y sencilla cuya trama podría haber profundizado más en las historias de los personajes.
Quizás, lo que a mi no me terminó de convencer fue esa carencia de ritmo y la falta de diálogos con sustancia.

¡Anouk Aimée está preciosa y elegantísima eso no lo vamos a negar!

Hamnet es una obra de una belleza apabullante, tanto por la forma como por el contenido. Si comenzamos por la forma, Chloé Zhao se convierte en John Everett Millais o William Waterhouse para ofrecernos imágenes y escenas que parecen pensadas para ser enmarcadas: los contrastes entre los verdes del bosque y los rojos del vestido de la protagonista, el tratamiento de la flora, preciosista y detallista hasta el más mínimo elemento, o los jardines, hacen que la película sea una auténtica gozada estética.
A esta dimensión visual se suma también la banda sonora, tan mágica, que envuelve toda la historia.

En cuanto al contenido, Hamnet aborda un tema universal: el duelo. Un dolor que solo pueden conocer plenamente quienes lo han vivido, pero con el que muchos podemos sentirnos identificados. La película trata esta experiencia de una forma tan conmovedora, tan real y tan libre de artificios o trampas sentimentales, que acaba cautivando por su honestidad.

La obra también representa muy bien la vida de la época: la magia y la botánica aparecen ambas como herramientas complementarias para intentar entender la muerte en un tiempo en el que su presencia estaba a la orden del día. Por su parte, la literatura, y en este caso el teatro, aparecen como el medio para canalizar las emoción más complejas del alma humana.
Las actuaciones son igualmente inconmensurables. Destaco, evidentemente, el trabajo de Jessie Buckley, que está increíble, así como el de Jacobi Jupe, el niño que interpreta a Hamnet. También merece una mención especial Paul Mescal, con una interpretación sincera y contenida, y ha sido una alegría volver a ver en pantalla, después de tanto tiempo, a Emily Watson.

Sin haber visto apenas películas de 2025, tengo claro que Hamnet será una de las que se quede grabada en mi retina.

Resulta difícil dejar atrás ideas preconcebidas y recelos a la hora de abordar ciertas películas. Bien por su género, bien por su antigüedad, no somos pocos los que hemos tendido a desestimar o ignorar determinados tipos de filmes. Con “El gabinete del Doctor Caligari” se ha abierto una grieta importante en el muro de mis prejuicios.

Acompañado de una cinéfila en mayúsculas como es “Thaisoria”, me he reencontrado con el cine expresionista alemán y lo he disfrutado mucho. La historia de Carl Mayer y Hans Janowitz está inspirada en dos historias personales y su interesante trasfondo antibelicista ayuda a comprender el Zeitgeist de la República de Weimar. Wine, por su parte, dirige el guión de forma trepidante y vertiginosa, seduciendo rápidamente al espectador contemporáneo, sumergiéndolo en un mundo inquietante de decorados imposibles y personajes complejos y muy bien interpretados.

Ver y apreciar la calidad de los logros técnicos y soluciones visuales que cimentó el Gabinete del Doctor Caligari, me ha hecho darme cuenta de que he madurado un poco más, de que soy capaz de dejar los prejuicios a un lado.