Es complicado hablar de esta cinta sin desvelar el golpe de efecto alrededor del cual se construye la narración. Y merece la pena no dar pistas sobre ello para dejar que el espectador se sorprenda ante la originalidad de esa escena, tan sobria e inofensivamente construida, que puede pasar desapercibida si uno se despista. Y, aun así, es el punto de inflexión, el detonante del cambio en las vidas de los diferentes protagonistas.

El largometraje es una adaptación de un libro de relatos cortos de Anna Gavalda, recopilados como una única historia. Es un drama que muestra las frustraciones y los anhelos ignorados de cuatro hermanos, pero sin llegar a deprimir a la audiencia.

En lugar de escarbar las causas de la inestabilidad emocional de cada uno, el guion se centra en representar el microuniverso familiar, cuidando la descripción de los personajes y enfrentándolos a la misma situación. Jean-Pierre ha asumido la obligación de ser el cabeza de familia tras la muerte de su padre, renunciando así a otras cosas, Juliette siempre ha querido ser escritora, Mathieu es un chico tímido que no se atreve declarar su amor a su compañera de trabajo y Margaux está decidida a luchar por ser una famosa fotógrafa. Todos estos caminos coinciden cuando tienen que afrontar una misma coyuntura.

Y ahí es donde el film resalta la importancia de la familia y de perseguir los sueños. Con algunos toques de humor y muchos primeros planos que acentúan la expresividad, reflexiona ligeramente sobre el amor y, aunque deja un sabor agridulce, anima a vivir la vida que uno quiere, recordando que esta es corta y no dura para siempre. Además, cuenta con un conocido elenco que realiza un gran trabajo.

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La sala se llena de carcajadas y momentos de emoción ante una película que tampoco busca incidir en ninguna de ambas reacciones. De hecho, estamos 90 minutos viendo a un grupo de amigos y observando un mismo escenario (un piso) y enfrentados a una misma cuestión (Litus se ha suicidado).

Este planteamiento casi escénico tiene razón de ser y es que el largometraje se basa en una obra de teatro escrita por Marta Buchaca. Es la misma Marta junto con Dani de la Orden (El mejor verano de mi vida) los que se encargan de adaptar el guión al cine. Este primer trabajo es muy meritorio, ya que gracias a los diálogos y su trama se mantiene el interés del espectador de principio a fin. El trabajo de Dani también se ve en la dirección de la cámara y la composición de los planos que, con gran soltura, agiliza las réplicas y da hilo a los discursos.

Sin embargo, el gran peso del film lo tienen las actuaciones. Un reparto que va más allá de sus caras famosas y consigue convencernos en cada uno de los roles que interpretan: como el monólogo en primer plano de Quim Gutiérrez que capta toda la atención.

No obstante, el film deja un sabor agridulce y una profunda reflexión personal acerca de los motivos del suicidio y las reacciones frente a este suceso.

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"El bus de la vida" es al mismo tiempo un trayecto en autobús y un viaje a través de la enfermedad de Andrés (Dani Rovira). Ambos recorridos transitan diferentes sentires, desde la tristeza y el desánimo hasta la alegría y el optimismo. Se trata, en definitiva, de una travesía emocional que remarca la importancia de mantener la ilusión.

Aunque cinematográficamente no llama la atención en nada, un carismático Dani Rovira –que afrontó un cáncer en la vida real– encabeza un reparto que ofrece unas actuaciones muy naturales que ayudan a calar el mensaje. Gracias a ellos, la historia llega a conmover al público y deja claro que ayudar a las personas de nuestro alrededor es de lo más efectivo para llegar a la felicidad. Asimismo, es un canto a la vida que anima a vencer los miedos y perseguir los sueños, por complicados que parezcan.

De este modo, queda un título que, a pesar de mostrar una situación compleja como lo es el cáncer, lo hace con positividad y una mirada esperanzadora. Por ello, la película cierra dibujando una sonrisa en el espectador.

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'Bob Marley: one love' sucumbe a la tendencia de biopics expositivos que se han venido haciendo, donde tan solo se narran hechos de su vida y no se intenta ir más allá de la figura central como hizo, por ejemplo, Pablo Larraín con su 'Spencer'.

La historia arranca en 1976, el año donde la escalada de violencia que ha venido sacudiendo a Jamaica acaba golpeando a Bob Marley, a su mujer y a seres cercanos. En ese contexto hostil, nace la gran pregunta que sobrevuela la película: ¿es la música capaz de unir a las personas y permitir avanzar hacia la paz? Con esto en mente, Reinaldo Marcus Green propone abordar al músico no solo como cantante, sino también como humanista, y rehúye ciertos cuestionamientos a su figura.

El film camina adecuadamente entre la preparación del álbum Exodus, que sirve como trama central para el avance argumental, y flashbacks que acercan al espectador a esa ausencia paterna que sufrió Marley y a sus inicios en la música. Kingsley Ben-Adir se entrega de forma convincente al papel protagonista, mientras los grandes temas de la carrera del jamaicano en favor de la unidad, la justicia y la libertad van haciendo sus respectivas apariciones.

'Bob Marley: one love' se siente precisamente como una carta de amor, pero en esa aproximación al ídolo acaba simplificando al hombre y sus claroscuros. Aun así, para aquellos amantes de los temas de su corta carrera o para aquellos que tan solo quieran pasar un rato ameno en los cines, esta es una oportuna elección.

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A diferencia de otras especies, el ser humano parece caracterizarse por devenir un depredador no por supervivencia misma o por necesidad, sino por puro miedo. Este mismo miedo convierte en crueles a algunos y de esa crueldad, a veces, se hace una diversión. En un momento de 'El reino animal', Thomas Cailley parece dirigir al espectador a detenerse a pensar en ello de una forma inteligente y huyendo del adoctrinamiento como tal y, posteriormente, del irremediable pesimismo.

La película oscila por varios géneros: la distopía y la ciencia ficción, pasando por el thriller, hasta llegar al más puro drama familiar y a una historia de coming of age. Esto abre un espacio para meditar sobre distintos aspectos mientras, argumentalmente, François, el padre, y Émile, el hijo, lideran sendos viajes de autodescubrimiento y reencuentro entre ellos. Esa construcción de los diversos puntos de vista se convierte en uno de los elementos más interesantes cuando se sumerge en una exploración que busca la empatía desde el montaje y el plano sonoro.

A pesar de una cierta dilación en ocasiones puntuales y algunas subtramas que se abandonan y recogen con pinzas, el director logra salir exitoso. Esto es en parte gracias al dominio de un tempo que atrapa a la audiencia y a una envolvente creación ambiental, creada a partir de pequeñas variaciones en la luminosidad de la fotografía o el orgánico balanceo entre la tensa hostilidad que se enmarca en la sociedad y una tierna emotividad. Así, se obtiene un resultado destacable, donde la obra luce cuando toda esa distopía parece cohabitar verosímilmente y cuando se entregan instantes poéticos de una íntima sensibilidad entre personajes.

A todo esto, los efectos visuales están muy bien conseguidos e integrados y permiten al entregado reparto sobreponer la credibilidad de sus mutaciones a lo que, en otra tesitura, podría haberse convertido en un ridículo increíble. En este caso no es así y se facilita al público permanecer dentro del relato.

Todo ese contexto progresa en un argumento cuyo diálogo entre la primera y la última escena evidencia un cambio que invita a la reflexión y hace un guiño a todos esos temas latentes a lo largo del film. Casi como si de un cíclico cambio se tratase, 'El reino animal' deja un mensaje de ecologismo y de respeto a los animales y a las distintas especies con las que los seres humanos cohabitamos, así como una sentencia en favor de las diferencias, de la inclusión y de la necesidad de entendimiento entre padres e hijos.

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