Continuando con las películas basadas en cuentos infantiles, el director James Bobin (The Muppets, Muppets Most Wanted) retoma el trabajo realizado por Tim Burton en Alice in Wonderland para presentar la segunda parte de la saga inspirada en la obra de Lewis Carroll. En esta ocasión, después de los sucesos acontecidos en la primera cinta, Alice enfrenta una crisis en su mundo real, la cual la lleva inesperadamente de regreso a Wonderland para descubrir que su entrañable amigo Hatter está en peligro de muerte, siendo la única posibilidad de salvarlo el reunirlo con su familia perdida. Así, Alice emprende literalmente una carrera contra “el tiempo” para poder ayudar a su amigo, encontrando en el camino a nuevos y conocidos enemigos.

Empleando al mismo elenco de lujo, liderado por Mia Wasikowska quien repite con el papel de Alice, incluyendo a Johnny Depp (Pirates of the Caribbean), Helena Bonham Carter (The King’s Speech) y a la ganadora del Oscar Anne Hathaway (Les Misérables), y agregando a Sacha Baron Cohen (Borat, Hugo), la película contaba con todos los elementos para ser excelente o por lo menos mejor que la primera, lo cual no sucedió debido a un guión mal desarrollado. De esta forma, se presenta una historia sin emoción que no logra enganchar al espectador, agregando a un villano como “El Tiempo” que no cumple con lo que se esperaría de un verdadero antagonista y que al final termina valiéndose del regreso de Red Queen para que vuelva a ser el enemigo a vencer, relevo que llega de manera tardía en la cinta.

Es así como una cinta que en momentos pretende ser un llamado al movimiento feminista y al amor fraternal, no cumple en absoluto con su cometido, quedando como un cuento inventado que sólo tiene relación con la obra del escritor inglés por el uso de sus personajes, los cuales son encarnados por grandes actores cuyo potencial no pudo ser aprovechado, en gran medida por el hecho de que en esta ocasión se dejó todo el peso de la película en el personaje de Alice, rol que tal vez le quedó grande a la joven Wasikowska. Asimismo, pareciera que el director Bobin no se las pudo arreglar sin marionetas para poder entregar una película de alto nivel, aunque hay que admitir que el gran culpable es el guionista por no lograr crear una historia interesante.

No obstante, la película es un rotundo éxito en cuanto a vestuario, realización y efectos visuales, los cuales afortunadamente sí supo heredar de la primera entrega y hacen que valga la pena pagar el boleto. Sin embargo, debe decirse que la cinta carece del sombrío sello personal de Tim Burton, por lo que probablemente no sea del agrado de aquellos que se fascinaron con la primera. Así, aunque la historia queda a deber muchísimo y las actuaciones pasen sin pena ni gloria, Alice Through the Looking Glass puede resultar bastante entretenida por contar con una cinematografía de primer nivel, aunque por desgracia se trata de una oportunidad perdida para entregar una película que pudo ser grandiosa.

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En ocasiones no se necesita de una súper producción millonaria, o de una trama pretensiosa y enredada para disfrutar de una tarde de cine. Muchas veces basta con presentar una historia entretenida con cierta dosis de emotividad para ganarse la aceptación del espectador. Este es el caso de la cinta más reciente del director Marc Webb, quien dejó atrás el género de superhéroes después de su fallido intento por completar su saga de The Amazing Spiderman para volver un poco a la línea que trazó con (500) Days of Summer la cual se ha convertido en una película de culto entre las comedias románticas.

En esta ocasión, la historia gira en torno a Mary, una niña de 7 años que vive bajo la tutela de su tío Frank, quien decidió hacerse cargo de ella tras la muerte de su hermana. La educación en casa deja de ser una opción para la pequeña, por lo que es enviada a la primaria para que pueda convivir con otros niños. No obstante, Mary no es como los compañeros de su edad, posee habilidades matemáticas excepcionales heredadas de su madre. Evidentemente, una escuela común se queda corta para desarrollar su enorme potencial, el cual se desaprovecharía si permanece en la institución. La situación llega a oídos de Evelyn, su abuela, quien hará todo lo que esté a su alcance para que su nieta explote al máximo sus facultades, incluso si ello implica iniciar un juicio legal en contra de su propio hijo para ganar la custodia de la menor.

Se trata así de un drama familiar cuya historia se desenvuelve de forma fluida gracias a que no se excede con los elementos trágicos, valiéndose acertadamente de la comedia para balancear la carga emocional y hacer llevadera la historia sin cansar al espectador. De esta forma, las relaciones familiares y la educación infantil son temas tratados atinadamente, permitiendo al público reflexionar y divertirse a la vez. Mientras que Frank y Mary llevan una sana relación, Evelyn y su hijo se encuentran bastante distanciados, situación que se evidencia con el poco apego que tenía con su nieta. Asimismo, la paternidad responsable sale a la luz cuando se descubre el paradero del padre de la niña, generando uno de los momentos más emotivos del filme.

La película es un éxito gracias a McKenna Grace (Independence Day: Resurgence) quien se roba la pantalla interpretando a Mary de forma excepcional. El excelente desempeño de Grace permea en Chris Evans (Captain America) haciendo que cumpla con un papel convincente como Frank, sin llegar a ser brillante. Cierran el cuadro Lindsay Duncan (Birdman, Alice in Wonderland) como Evelyn y Octavia Spencer (The Help, Hidden Figures) como Roberta Taylor, la vecina y aya esporádica de Mary, ambas desempeñando buenas aunque no sobresalientes actuaciones.

Es así como Gifted es una excelente opción para pasar una tarde de cine en familia, al ser un filme emotivo sin caer en lo trágico y divertido sin ser una comedia simplona. De esta forma, aunque gran parte de la trama puede resultar predecible, en general su desarrollo es bastante bueno, por lo que se puede ver sin problema para disfrutar de un cine de calidad y sin pretensiones.

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Como parte de la “invasión francesa” que en 2016 trajo varias películas a los cines mexicanos, se presenta Chocolat, la cual es apenas la cuarta cinta dirigida por el francés Roschdy Zem. La cinta se basa en la historia de Rafael Padilla, un hombre de origen cubano que llegó a convertirse en el primer artista de raza negra en triunfar en los circos franceses. De esta forma, el filme se remonta a los inicios de la carrera artística de Padilla, quien mientras interpretaba a un caníbal de nombre Kananga en un pequeño circo al norte de Francia, es observado por el famoso payaso George Foottit, quien lo convence de unírsele para presentarse como un dúo de payasos. El éxito de la recién creada mancuerna “Foottit y Chocolat” los llevará al Noveau Cirque de París, en el cual conquistarán al público con sus actuaciones inolvidables.

Aunque el caso de “Chocolat” es el claro ejemplo de un chico que alcanzó el éxito superando todo tipo de adversidades, las cuales se muestran brevemente a manera de flashbacks y menciones hechas por el mismo personaje, la cinta tiene el gran acierto de no presentarlo como un ejemplo de virtudes. Al contrario, el artista se deja seducir por toda clase de vicios y lujos que el dinero le permite: es jugador, alcohólico, mujeriego y vividor. Sin embargo, y en medio de la ceguera causada por las tentaciones de la “Ciudad de la Luz”, el comediante empieza a tomar conciencia del gran dilema que supone el alcanzar la fama a costa de ser denigrado dentro y fuera del escenario por el simple hecho de ser negro. De esta forma, llegará un punto en que Padilla no resistirá más, renunciando a ser el blanco de las patadas de Foottit, e iniciando por su cuenta una carrera que lejos estará de ser apenas la sombra de lo que llegó a lograr como el compañero del comediante de cara pálida. Así, el personaje se presenta no como un héroe talentoso y lleno de virtudes, ni como villano plagado de vicios y defectos, sino simplemente como un ser humano que toma decisiones, acertadas o no, conforme a las circunstancias que la vida le ha presentado.

La película da lugar a la constante reflexión acerca de los prejuicios y aunque no se puede decir que se trata de una reivindicación por la igualdad de derechos, la realidad es que deja mucho en que pensar acerca del tema. De esta forma, el público se preguntará en más de una ocasión si el trato que tenía Padilla dentro de las carpas era denigrante o simplemente parte de un espectáculo. Asimismo, y aunque de forma menos marcada, la cinta plantea los problemas de aceptación de los homosexuales que se vivían durante La Belle Époque. Las ideologías de la época también entran a escena cuando, preso por no tener papeles, Padilla conoce a Víctor, un haitiano con ideas revolucionarias.

El encargado de dar vida a Rafael Padilla es el ya conocido Omar Sy (Intouchables, Inferno) realizando un trabajo magnífico al interpretar de manera fiel al conocido histrión, brindando una actuación plagada de gestos y acrobacias que concuerdan de manera perfecta con los registros que se tiene de las actuaciones de “Chocolat”. Por otra parte, el suizo James Thierrée no se queda atrás, actuando de manera brillante como George Foottit. Así, la química de ambos actores fascina al espectador del cine de la misma forma en que el épico dueto se robó los aplausos de los parisinos que abarrotaban los circos en aquellos tiempos.

Aunado a lo anterior, el filme cuenta con una realización espectacular que retrata de manera bastante fiel la vida de las carpas a inicios del siglo XX, el esplendor de los grandes circos y teatros parisinos, así como la vida galante de la ciudad. De esta forma, Chocolat es una cinta excepcional y cargada de humanismo, por lo que vale mucho la vena verla. El público pasará una tarde bastante entretenida al tiempo en que reflexiona acerca de los prejuicios y la discriminación, vicios que actualmente siguen permeando en la sociedad. Sin lugar a dudas, el trabajo de Zem supera en gran medida a cintas como Un homme à la hauteur, Le Goût des Merveilles, 3 Coeurs, La Tête Haute, las cuales han sido exhibidas en el país como parte del tour de cine francés.

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La onceava película de Giuseppe Tornatore (Nuovo Cinema Paradiso, Malena) se presenta con una historia por demás original, que hace reflexionar acerca de la forma en cómo han “evolucionado” las relaciones humanas en la actualidad, invitando también a reflexionar sobre aquellos momentos en los que algunas personas son incapaces de cerrar ciclos en su vida a pesar de no tener otra opción.

La película trata acerca de Amy Ryan, una estudiante de astronomía que para financiar sus estudios arriesga su vida trabajando como doble en películas de acción, tiene un romance con Ed Phoerum, un reconocido científico considerablemente mayor que ella. Debido a que Ed es un hombre casado, la pareja se ha resignado a mantener su relación a distancia, por lo que sus encuentros son esporádicos y determinados por ciertas fechas. La lejanía no es obstáculo para que Ed mantenga contacto con Amy por diversos medios, desde videoconferencias y correos electrónicos, hasta medios más tradicionales como cartas y postales. Después de su último encuentro, Amy continua recibiendo comunicaciones de Ed de manera regular, sin embargo, todo cambia cuando por azares del destino Amy se da cuenta de que continúa recibiendo los mensajes a pesar de que su amante ha muerto. Resignada, ella tendrá que decidir si continuar su relación con una persona que ya no existe o bien optar por cerrar el ciclo y continuar con su vida.

Aunque para muchos se trata de una cinta similar a PS I Love You, la realidad es que la película trata un tema mucho más profundo que el de un chick flick. Así, el hecho de que la relación de la pareja perdure aún después de la muerte de Ed mediante videos y correos electrónicos deja mucho que pensar acerca de una sociedad moderna en la cual las “relaciones 2.0” son algo cada vez más frecuente, haciendo que uno más bien pueda comparar a esta cinta con Her. Asimismo, si se analiza a detalle, la cinta deja varias alternativas para que sea el mismo espectador quien decida cuales son las verdaderas intenciones de sus personajes: ¿Realmente el amor de Ed es tan grande o lo es más su deseo de trascender aún después de muerto? ¿Es Amy demasiado testaruda al insistir en continuar su relación con una persona que ya no existe o no le queda más remedio al no tener otra forma de controlar su propia vida?

En cuanto al reparto, destaca por supuesto la actuación de Jeremy Irons (Reversal of Fortune, The Mission) como el difunto Ed, realizando un excelente trabajo con la dificultad de que casi todas sus apariciones son a través de videos proyectados durante la cinta. Por otra parte, la ucraniana Olga Kurylenko (007: Quantum of Solace, Oblivion) demuestra que tiene capacidad para interpretar papeles más serios, logrando una actuación bastante convincente en el papel de Amy. Completa el reparto Shauna Macdonald (Swung) con una participación destacada como Victoria, la hija de Ed que decide confrontar a quien fuera la amante de su padre, personaje bastante interesante por tratarse de una persona que incluso reconoce “envidiar” la forma en cómo Ed amaba a Amy.

No obstante, hay que reconocer que en diversos momentos la película pierde muchísimo el ritmo, y aunque contiene elementos que logran imprimir fuerza a la trama para recuperar la atención del público, la realidad es que no lo consigue de manera satisfactoria, llegando a un punto en el cual las secuencias son repetitivas y llegan a cansar a la audiencia. Sin embargo, la cinta vale muchísimo la pena si se considera que es de aquellas que, a pesar de no ser tan populares, consiguen despertar la curiosidad del espectador y hacerlo reflexionar durante mucho tiempo aún después de que ésta ha finalizado, ya que trata de manera brillante temas de gran trascendencia en lo que se refiere a las relaciones humanas en la actualidad: amor a distancia, deseos de trascender, infidelidad, familias disfuncionales, entre otros. De hecho, el gran mérito de la cinta es que no ofrece respuestas concretas a los dilemas que presenta, por lo que el espectador tendrá que decidir por su propia cuenta si el deseo del científico era seguir ayudando a su amada o más bien prolongar sus años de vida, tal y como lo hacen las estrellas que a pesar de haber desaparecido hace varios años luz pueden seguir observándose desde la Tierra.

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Los “Girasoles” y “La Noche Estrellada sobre el Ródano” son solo un par de las 200 obras que Vincent van Gogh pintó durante su estancia de 15 meses en Arles, Francia, lugar en el cual encontró refugio del hastío que le causó el ambiente artístico de París. Poco apreciado en su tiempo, la vida de uno de los mejores pintores de todos los tiempos fue un cúmulo de desencantos y turbaciones que lo llevaron incluso a cortarse una oreja, la cual terminó trágicamente con una muerte que aún en este tiempo no se sabe si se trató de un homicidio o un suicidio cuando apenas tenía 37 años de edad en Auvers-sur-Oise. Así, el holandés nunca pudo ser testigo en vida de la gran admiración que ha causado en todo el mundo gracias a sus magníficas pinturas.

Son precisamente los dos últimos años de la vida del artista en los que Julian Schnabel (Miral, Antes de que Anochezca) se inspiró para realizar su más reciente película. Revelando de forma manifiesta su formación como pintor, el director y coguionista entrega un trabajo eminentemente contemplativo, en el cual el juego de colores y paisajes se combinan para ambientar el proceso creativo de van Gogh, quien a pesar de tener una vida llena de trastornos logró encontrar inspiración para realizar sus cuadros más importantes. La relación con Gauguin, su hermano Theo y el repudio de los lugareños son expuestos de forma acertada, lo cual permite que el espectador conozca la complicada vida del genio.

Willem Dafoe (Platoon, The Florida Project) realiza un extraordinario trabajo interpretando a un personaje 27 años menor que él, logrando transmitir con sus expresiones los sentimientos y perturbaciones que acosaron a van Gogh en su periodo artístico más significativo, además de recitar excepcionalmente los diálogos requeridos por el guion, destacando una plática con un sacerdote interpretado por Mads Mikkelsen (Doctor Strange, Rogue One) escrita como un intento de explicar la filosofía del pintor. Completan el reparto Oscar Isaac (Inside Llewyn Davis, Ex Machina) como Paul Gauguin y Rupert Friend (The Young Victoria, The Death of Stalin) como Theo van Gogh, cumpliendo ambos con un buen trabajo en sus actuaciones.

A pesar de sus virtudes, debe señalarse que precisamente por la naturaleza contemplativa de la cinta, su ritmo puede resultar cansino por algunos momentos, por lo que para aquellos que no son muy asiduos a este tipo de cine probablemente no la encuentren tan interesante. No obstante, es una película obligada para los asiduos seguidores del artista, a quienes se recomienda esperar un poco al final de los créditos para escuchar una carta de Gauguin refiriéndose a su amigo, texto que además de interesante ayudará a entender porque el director eligió la paleta de colores para su largometraje. Se recomienda ver también la magnífica Loving Vincent para completar la experiencia cinéfila.

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