A la película le cuesta arrancar, camina sus primeros metros bajo una pesadumbre ambiental, con pies de plomo, sin nada que contar, sin cebo para el espectador. Durante los primeros 25 minutos la cinta es un ataúd camino de la fosa, pero es ahí cuando comienza a remontar, cuando el personaje principal deja de ser un islote rocoso para hacerse más humano, profundamente humano, para desgranarse y exhibirse en carne viva, cuando los diálogos atizan el lirismo en las frases, cuando la música afila los recuerdos y las añoranzas, cuando la vida se hace más sensible y palpitante ante la muerte. Así es ‘La eternidad y un día’ un filme griego sobre el último día de un poeta que se lanza al mundo para encontrarse (las soledades se atraen como imanes) a un pequeño inmigrante albano que se gana la vida limpiando parabrisas en los semáforos y con el que conectará de una forma muy sentimental amparados quizás en una mutua condescendencia. Y es en este ocaso de la vida cuando el viejo Alexandre redescubre las ansias de vivir. Con su nuevo amigo cogido de la mano, el viejo poeta rememorará un flash back tras otro, momentos de su infancia y de su juventud, recorrerá con sigilo las sendas del pasado y se detendrá en ese poeta que viniendo del exilio y sin conocer el idioma comenzó a comprar palabras a los habitantes para componer un poema en esa lengua extraña, una anécdota de especial trascendencia para la película

Angelopoulos logra una profunda introspección en el personaje, en su mente, en su vida y en su muerte, en un recorrido completo que aflora con una secreta empatía hacia el mismo, un apego difícil de soltar una vez se ha soldado al alma.

Para los ansiosos habrá que advertir que la película fluye muy lentamente, el propio mecanismo de la película requiere de cierta parsimonia y los que no conecten (ya digo que a mi me costó 25 minutos) se desesperarán. De hecho, pese a sus virtudes técnicas, uno de sus defectos recae en la repetición de los recursos fílmicos que utiliza para emocionar o conectar. Por un lado, la película es una concatenación de planos-secuencia, medidos, precisos, perfilados de una forma aritmética y que incluso cuidan detalles tan complejos como la simetría, pero al fin y al cabo sólo hay un recurso para hacer avanzar la película, y por muy bien realizados que estén esto le confiere cierta pobreza técnica, los mismo ocurre con la profundidad de campo, la cámara se muestra magistral recogiendo confines, pero es que el recurso de recoger la escena a través de un espejo, o de saltarse una ventana para adentrarse en el mar los repite varias veces a lo largo del metraje. También fabrica de una forma magistral (emponzoñando el alma de ternura) los paisajes urbanos de Tesalónica, pero todos son lluviosos, con las luces difusas a través de los cristales, con el mar blandiendo sus olas. Todo lo hace con un lirismo acongojante, pero todo lo repite, es pobre en recursos.

Su capacidad de conmover y serenar ofrece un buen refugio para una noche lluviosa, una película que en determinados estados emocionales puede atraparte.

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No seré yo quién recomiende ‘Irreversible’ a pesar de que cuando concluya de escribir esta crítica le plantaré un 10 como un castillo. Irreversible, es una película durísima y cuenta con un par de escenas de una brutalidad tan descarnada que seguramente ambas se cuenten como dos de las secuencias más duras de la historia del cine, al borde de la vomitona por su severidad y realismo. Lo aviso, hay personas que no la soportarán (miles de personas abandonaron su proyección a medias cuando se estrenó en las salas de cine) y no les culpo ni las critico, pero si es de los que tiene el estomago hecho a la violencia (me refiero a violencia visual de la que estremece la carne y la que hace taparte los ojos, no de las irrelevantes escenas de un Jean Claude Van Damme cuya inverosimilitud le quita todo el hierro a cualquier intento de estremecer), si es de los que ya puede soportar cualquier visión sin tener pesadillas, dispóngase a hacer un viaje hacia las profundidades de la irracionalidad humana, hacia el camino irreversible de la vida con un dominio técnico magistral.

Irreversible está rodado en trece planos-secuencia de un dinamismo y una dificultad técnica abrumadora, y lo que es mejor, con unos movimientos de cámara que acompañan la narratividad de la historia. Así, al principio, (o al final según se mire) la cámara gira virulentamente junto al protagonista embriagada de la ansiedad de la venganza, del caos oscuro dentro de este antro sado-maso-gay en el que discurre la escena, fruto de las drogas y el alcohol… la cámara directamente marea al espectador, entre tremendas sacudidas y giros alucinógenos que vapulea la vista desde detrás de la pantalla, pero no es gratuito el sentido narrativo de la cámara errante es de una vitalidad apabullante y cuando se para, justo al final de este primer plano secuencia es para reventar nuestra moral con una de las secuencias más violentas de la historia del cine, con el sonido repugnante para hacer de la escena algo repugnante y casi insoportable. Deliciosamente vomitivo. La otra gran secuencia controvertida y polémica de la película es la de una violación, un plano secuencia de unos 12 minutos en la que 10 transcurren en un plano fijo con la cámara en el suelo, mientras vemos la atroz escena de la violación anal del personaje que interpreta Monica Belucci. Y es que un violación dura lo que dura, y para sentir la agonía de Alexandra, su rabioso dolor, su impotencia ante el sodomita, hay que verlo entero por pavoroso que sea. Lo dicho anteriormente, si usted tiene estómago, presenciará la mejor secuencia de una violación jamás realizada, con un realismo tan agrio y extremo que sentirá asco ante el cuerpo semidesnudo de la Belucci, sufriente hasta el extremo.

Pese a su espectacularidad y realismo no son los dos mejores planos secuencia de la película. Pero antes comentaré el otro detalle que hace de ‘irreversible’ una película única e irrepetible es su esquema temporal. Noé no inventa nada nuevo, de hecho prácticamente copia el esquema que meses antes realizó Christopher Nolan en Memento, con la diferencia de que en Irreversible este elemento funciona aún mejor. Nos referimos a que la película va hacia atrás, es decir, que comienza con el final cronológico de la historia y finaliza con el comienzo cronológico. Esto dota a la historia de una intensidad distinta a la narrativa tradicional. Al invertir la línea narrativa, también lo hacen el orden en el que se desatan los sentimientos de los protagonistas. La venganza y la ira que Marcus (Vincent Cassel) muestra al inicio del metraje se va disipando para mostrarnos al final el punto de origen, la génesis de lo que luego provocará ese sentimiento tan brutal como sanguinolento y que no es otra cosa que el amor y este hecho, de veras funciona en la película.

Es precisamente esta secuencia final la mejor de toda la película, uno de los mejores planos secuencia de la historia del cine también. Emotivo, con movimientos acompasados, persiguiendo a los personajes con sutileza y dulzura, todo lo contrario con lo que se inicia la película y cuyo resultado es magistral.

Si a todo ello le sumamos que la interpretación de los dos actores principales también es fantástica gracias también a la libertad que Noé les deja. Cuentan por ejemplo, que para rodar la violación, se dejó la cámara en el suelo y se dejó a los dos actores completamente solos para acentuar la sensación de soledad de ambos y esa libertad interpretativa se nota y mucho en el trabajo de los intérpretes.

También se nota esta capacidad en otro plano-secuencia memorable, mucho más sencillo técnicamente, pero el único en el que los diálogos tienen predominancia. Al más puro estilo Tarantino, la conversación de los tres protagonistas en el metro sobre el sexo, es muy natural, interrumpiéndose entre ellos constantemente, gestualizando, mirándose de una forma tan verosímil que es realmente plausible.

Ante la enjundia técnica de la película hay que quitarse el sombrero, y la exploración que realiza sobre la naturaleza humana es también realmente convincente. No es apta para todos los públicos, pero eso no significa que sea mala, más bien al contrario, es una maravilla.

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Guión de Bergman, paisajes idílicos, algunos momentos de una intensidad narrativa soberbia, una relación de amor-odio contada en todos sus matices, buena dirección, magnífica interpretación y sobre todo muy buenas intenciones. Poco que achacar a una cinta hecha con una corrección exquisita , salvo tal vez eso mismo, su exceso de purismo su excelsa técnica, su depuradísimo guión que deja poco margen para la sorpresa o la controversia... además las tres horas se me hicieron algo largas, pero tampoco demasiado y en general fue una película que disfruté y que me contó una historia sin trampas y con todos los elementos encima de la mesa. No le pido más al cine, aunque se disfrace de chaqué.

El Sur llama a la sensibilidad del espectador. Obra preciosista de historia sencilla pero que esconde numerosas tangentes a las que sacarle punta. Bonita fotografía, una iluminación maravillosa, los amaneceres y personajes que salen de la sombra son una maravilla técnica. Y detrás de todo la historia que cuenta la relación de una niña con su padre y de su padre con su pasado (en el sur) y que deja abiertas las heridas de la guerra civil sin apenas nombrarla, que habla de amor sin un beso que llevarse a la boca y que responde con crudeza ante el dolor y la soledad. Sí, es cierto, es una película bonita y cuidada en el aspecto técnico, muy conmovedora y con planos que ponen la piel de gallina. Tanto es así, que para muchos críticos es la mejor película de la historia del cine español. Para mí, sin embargo, le falta para llegar a eso, en primer lugar porque pese a tener muchas ocasiones de emergente sensibilidad también tiene escenas de una frialdad absoluta (en positivo siempre quedarán algunas memorables como el bastón resonando mientras ella se esconde debajo de la cama, o la invitación a cenar en el gran hotel cuando suena el pasodoble de su primera comunión) esto también pone trabas al ritmo de la película y hace que vaya a trompicones aunque en una dirección unívoca y precisa. Al final todo redunda en que la película se hace un poco larga, entre tanto deslumbramiento fotográfico, narrativa lírica (la película es un poema visualizado en muchas ocasiones) pero de escasa acción lo que le confiere ciertas dosis de aturdimiento. Es una película además, que no ahonda en la herida, que no es valiente, que pasa por encima, el cisma de la guerra, que esconde el suicidio, que se acurruca detrás de las metáforas visuales cuando va a pasar el drama, que no mete el dedo en la yaga cuando hay que hacer estallar la emoción. Por último es un filme que deja demasiadas preguntas abiertas y es que la poca solvencia económica impidió que finalmente se rodara otra parte de la película (debiera haber sido como otra hora de metraje) por lo que está incompleta y aunque el momento para cerrar el filme es el más indicado, se nota sobremanera la ausencia de muchas de las posibilidades que podían haberse efectuado en esa segunda parte del rodaje y que ahora lucen huérfanas. Pese a todos los peros es una película altamente recomendable.

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La metáfora de vender el alma al diablo (llámese nazis) está muy bien conseguida, Szabó nos dice que ante la infamia no se puede ser neutral que un conflicto lo puede cambiar todo y que dejarse llevar puede tener consecuencias. Como mensaje vale, pero lo cierto es que la película es lenta y repetitiva, todo el mensaje te taladra una y otra vez y aún así estoy seguro que no cala en todo tipo de público, poca praxis. Pese a la profundidad moral que tiene a la película pasa casi desapercibida, sus abismos se esconden en la sencillez formal de cámaras fijas y una historia sin grandes sorpresas ni giros, es antiefectista y eso va en detrimento de lo que quiere explicar. Dos de los detalles que le hacen subir enteros, son, por un lado la iluminación (atención al juego de luces de la escena final), y la memorable actuación de Klaus María Bradauer (quizá una de las mejores actuaciones masculinas que recuerdo), maravillosamente histérico en su papel de amante del teatro. Buenos diálogos, aunque con excesiva verborrea, que también alargan el tempo de la película en un pasar de escenas muy fragmentado. Al fin y al cabo es una película desaprovechada que habla pero cuya voz apenas se escucha, buenas intenciones, pero fallida.

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