EL PUENTE DE LOS ESPÍAS es un film mayúsculo dentro de una de las más estimulantes filmografías vivas contemporáneas. Spielberg se significa como un curtido impulsador de abigarrados artefactos dramáticos, que, en sus manos, se vuelven calma, espinosa y contenidamente convulsos. El modo en el que husmea en la pétrea eficacia humanista que caracteriza a su personaje central (emplazado formalmente por la implacable sujeción tras la cámara, por la primacía absoluta a las escenas sagazmente dialogadas, por el sigilo convencido con el que están resueltos los distintos encuentros, citaciones y entrevistas) resulta demoledoramente tozudo: el reclamo del clásico héroe a su pesar no atenúa jamás la lucidez de esa sabia terquedad impositiva.

Spielberg impone su sempiterno, comprometido, cabal y laborioso candor de fondo, pero, como hace en sus mejores obras, lo hace desestabilizándolo, lacerándolo al implicarlo impíamente en el sombrío tejido argumental propuesto. EL PUENTE DE LOS ESPÍAS funciona, sí, letal y lincemente como agrio documento histórico de una época a la que exhuma sin restarle plomo, grisura y angustia (majestuosas las recreaciones ambientales, tanto de la falsa opulencia intocada de la (engreída y manipuladora) Norteamérica de los cincuenta, como, sobre todo, de la devastación (física y moral) enlodazada, peligrosa y despiadada de la Europa de postguerra adjudicada al imperativo soviético. Pero, aquí cuaja su ilustrada hondura, no se queda atrás como conmovedor relato de mutuos reconocimientos personales. La última obra del todopoderoso autor de TIBURÓN compone una magnífica, adusta, reflexiva historia de amistad entre opuestos obligados a hacer valer el recíproco aprendizaje de su conocimiento.

Tercera adaptación del clásico de Octave Mirbeau, el JOURNAL D´UNE FEMME DE CHAMBRE del siempre eficaz Benoit Jaquot (LES ADIEUX À LA REINE) tenía muy difícil la superación de dos referentes tan apasionantes y diametralmente opuestos entre sí como los brindados por esos dos genios absolutos del arte cinematográfico que son Jean Renoir y Luis Buñuel. Su aportación a este empeño en adaptar el magnífico original literario podemos concluir que no es en absoluto desdeñable, pero que, como era de esperar, no llega a la altura de tan eminentes interesados en ese texto.

De sobra conocido por todos, la acción del film se sitúa a principios de siglo y viene a narrar el cúmulo de experiencias de una joven sirvienta a la que le son requeridos sus servicios en un pequeño de provincias, bastante alejado del Paris en el que ha ejercido su labor la mayor parte de su vida. La historia se centrará tanto en el reflejo de esa estancia en una hacienda comandada por un matrimonio compuesto por una auténtica tacaña pueblerina y por un abusador de su estatus superior con las mujeres que componen el servicio, como en los recuerdos que van a ir asaltando a Célestine ejerciendo sus tareas en ese destino.

El principal problema de la propuesta de Jaquot es que, sabedor de que la comparación con Renoir y Buñuel iba a ser insalvable, su empeño principal es el de situar su particular interés tratando de situar su observación global en medio de ambos. Su JOURNAL D´UNE FEMME DE CHAMBRE trata de capturar la sensorialidad del primero sin dejar de que asome la socarronería burlesca del segundo. De resultas, su film peca en todo momento de un cierto acartonamiento, de un cierto complejo que le merma la definición en el logro de la tonalidad precisada. La película, por momentos, parece cuajar una personalidad que solo atisba a poseer.

Como no, la limpieza narrativa de la que siempre hace gala el francés hace que su ejercicio mantenga vivo no poco interés, que se siga saboreando la desacomplejada y sutil perversión irónica inherente en el texto, que se mantenga intacto el cúmulo de invectivas lanzada contra el paleto comportamiento burgués, y que funcione la utilización del firme comportamiento de la protagonista (impecable, perfecta Léa Seydoux: Célestine le va como anillo al dedo de su capacidad para la insinuación escondida y la turbiedad sospechada) como privilegiado instrumento avizor de la acumulación de hipocresías, humillaciones y servidumbres inmorales albergadas intramuros. Sin embargo, insistimos, se tiene siempre la sensación de que este JOURNAL D´UNE FEMME DE CHAMBRE se muestra algo reacio a que le hallemos un verdadero motivo de existencia, que no sea el del recital absoluto de su magnética intérprete principal. No es poco.

Caso curioso el de esta simpática AL FILO DEL MAÑANA. Condicionada de partida por una intentona tan, en principio, casi a consciencia, condenada al despropósito que supone la intención de calcar esencialmente, sin tapujos ni excusas, una obra tan singular, reconocible y perfecta como ATRAPADO EN EL TIEMPO, del recién desaparecido Harold Ramis, una vez vista, cabe convenir que nos hallamos frente a un producto muchísimo más noble que la mayoría de propuestas comerciales provenientes del mundo del cómic con los que la industria hollywoodiense trata de ganarse los afectos monetarios del público de todo el mundo.

Dirigida por Doug Liman, esta curiosa action-movie parte, como ha quedado dicho, de copiarle al clásico de Ramis la idea central de su periplo narrativo, esto es, la reiteración temporal de un héroe obligado a repetir hechos ya transcurridos, y de trasladarlos a los presupuestos diametralmente opuestos de la ciencia ficción apocalíptica contemporánea. Quizás una de las mayores virtudes del film sea la de no perder tiempo alguno en enmascarar su deuda con el referente, sabedor de que el cambio genérico ya contribuye a validar su autonomía con respecto a aquel. ATRAPADO EN EL TIEMPO merodea constantemente por AL FILO DEL MAÑANA, pero ésta sabe, a partir de la inmediata declaración de préstamo, granjearse una estimulante artimaña distanciante.

Así tenemos como un teniente militar de nula preparación para el combate se ve inmerso en una fundamental batalla bélica que militares humanos mantienen contra unas criaturas extraterrestres que están aniquilando la vida en el planeta. El encuentro con una heroína de la contienda le supondrá darse cuenta de que se halla inmerso en un desesperante bucle temporal que no cesará de dar inicio cada vez que fallece. Tras la muerte, por lo tanto, la resurrección en el mismo punto previo a la magna contienda bélica de la que deberá tratar de escapar, superándola, si quiere solucionar el gravísimo peligro de extinción al que parece abocada la humanidad.

Varias lecturas emergen tras el visionado del film. La primera de ellas es la de que, de lejos, nos hallamos ante la mejor de las propuestas del cine comercial de ciencia ficción de la presente temporada. AL FILO DEL MAÑANA no cesa de reivindicar su condición desmarcativa con respecto al restos de propuestas adscritas al género que transita.El hábil guión que le da soporte maneja con mucha pericia el claro peligro de la reiteración que supone el respeto al film al que pide prestada su estructura. El modo en el que el protagonista asume su facultad causando sorpresa tanto a los personajes que le rodean o con los que se enfrenta verbalmente, anunciando los hechos que van a ocurrir depara un sano distanciamiento irónico que contribuye a imponer con verdadero atractivo el elemento que más desestabiliza y causa interés en el film: el fino sentido del humor con el que está observada toda la peripecia central.

Un sano (y en ningún momento desmadrado) espíritu cómico que, además, por un lado, reivindica el agotamiento al que parece condenado este tipo de films (que, una y otra vez, no paran de exprimir el mismo patrón narrativo) y, por otro, afortunadamente, nos permite toparnos con el mejor Tom Cruise en mucho tiempo. La presencia del actor y la solvente, sinuosa implicación autoparódica con la que resuelve la impronta de su personaje (la constante vuelta a empezar parece evidenciar el propio hartazgo del actor en interpretar al implacable salvauniversos característico de la última etapa profesional) dotan a este ameno, bien facturado e inesperadamente sorpresivo film de la dignidad suficiente para que la tarea de recomendarlo no sea misión imposible.

De obra completamente desconocida en nuestro país, el veterano director magiar János Szász, para su decimotercera obra, decide abordar la nada fácil adaptación cinematográfica de EL GRAN CUADERNO, primera parte de una magnífica trilogía literaria a cargo de su compatriota Agota Kristóf, que en nuestro país la editorial El Aleph tiene publicada con el nombre de “Claus y Lucas”. La escritora aporta en ella una descarnada, atípica visión de esa repetida lacra bélica que padeció el siglo XX, conocida con el nombre de 2ª Guerra Mundial.

Siguiendo de forma bastante respetuosa el texto original, el film nos traslada hasta la conmocionada Hungría de ese infausto periodo. La familia de un militar magiar está a punto de desintegrarse. Los padres, ante lo incierto de los tiempos venideros, deciden que sus dos hijos acudan a vivir a casa de su abuela para apartarlos de los esperables riesgos que la urbe posee de ser bombardeada. Se da la circunstancia de que Claus y Lucas son gemelos.

Lo más destacable de la película es lo bien que el realizador sabe capturar la originalidad que presta el entorno geográfico y humano dentro del cual van a sucederse todos los acontecimientos. El traslado hasta el confín apartado, agrícola y de escasa población que caracteriza al lugar en el que vive la abuela sitúa a la historia en los márgenes escasamente vistos en pantalla grande de los núcleos alejados del frente de batalla.

El paisaje se convierte en el aliado del elemento ambiental más perseguido por la cámara: la impiedad, severísima, con la que los niños son aceptados en ese nuevo “hogar”. La pérdida de la inocencia como necesidad y como arma mediante la que contestar aviesamente a las amenazas de alrededor. El malestar ambiental como densidad exterior significativa de la maldad inminente en el espíritu de los gemelos.

EL GRAN CUADERNO narra las tesituras morales que van a ir germinando en la conciencia superviviente de los dos esquinados protagonistas. El film es inmisericorde tanto en el retrato de ambos como en el de resto de personajes. A la dureza del acontecimiento global se le unirá la aspereza, la dificultad y la insanía dirimida por la total ausencia de ternura o de compasión emplazados en la dificultosa existencia de los dos protagonistas en aquel ámbito. A tal efecto, cabe destacar la impronta miserable, dura, inmisericorde y absoluta con la que queda inscrito el mejor personaje de toda la película: esa abuela gorda que no gastará cariño alguno en esa obligada acogida.

Con todo, pese al atractivo de una propuesta tan alejada de lo previsible, EL GRAN CUADERNO no alcanza la solidez que su empaque sí posee debido a unas imperdonables resoluciones narrativas que, sobre todo, en su tercio final lastran la verosimilitud de la resolución. Se acumulan una serie de decisiones que se suceden de forma atropellada y caprichosa. El misterio se torna incoherencia y el film pierde la forjada contemplación lograda hasta ese momento.

Si tienes un poco de dinero ahorrado, no te lo pienses, habla con los de Channel 4 y produce lo que te digan. Inglaterra empieza a destacarse como la gran factoría actual de series de bajo presupuesto. Las producciones que han llegado desde la Isla este año han tenido todas el mismo sello, calidad en el guión y en la interpretaciones, In The Flesh, Black Mirror, Utopia, Broadchurch y ahora Dates son solo algunas series que han llegado este 2013.

Que sean de bajo presupuesto, no quiere decir que sean pobres, ni mucho menos, es que han decidido gastar mucho y bien en otras cosas que no sean explosiones, caras famosas, y demás imbecilidades, apuestan por grandes ideas y que el boca a boca haga su efecto.
Dates es una serie que narra en sus nueve capítulos (de momento solo una temporada), nueve primeras citas durante 22 minutos. ¿Cómo en 22 minutos puedes engancharte? La fórmula es bien compleja, los juegos de miradas, las historias que se intuyen que no se muestran, los juegos de seducción ayudan mucho pero es la tensión que una cita provoca lo que te acaba enganchando.

Es inevitable intentar adivinar cuál es la verdadera cara de cada personaje ¿a qué juega cada uno? Dates toma el testigo, sin ser tan agresiva, de In Treament, es un Bis a Bis entre dos personas que se acaban de conocer pero que en vez de sentirse encerrados en una habitación o bajo una terapia, interactúan con el entorno e incluso terceras personas infectan estas citas. Un juego psicológico y nada mullido.

La base de toda la serie, además de la idea, es el excelentísimo nivel al que rayan los actores, entre los que tenemos a Oona Chaplin, hija del mítico actor y que hemos visto participar en Juego de Tronos como la “novia” de Robb Stark, haciendo el papel de “Celeste”, una chica con arrojo que busca el amor en cada cita, Neil Maskell, el que fuera Arby en Utopia, haciendo de un vertiginoso y oscuro hombre de negocios o a Ben Chaplin.

Esta serie además cuenta con la posibilidad de ver a algunos de los protagonistas repitiendo en otras citas, lo cual nos enseña mucho más del personaje. Y por supuesto la música, la banda sonora es una auténtica delicia, Os dejo el enlace de Spotify en los Spoilers.

Absolutamente adictiva, humana, bien llevada y con unas interpretaciones fuera de lo normal, ¿quieres salir a cenar?