París 1845.

Dos jóvenes estudiantes de medicina y sus parejas recorren la feria y sus atracciones. En aquel lugar se encuentran espectáculos de todas las partes del mundo, odaliscas que bailan la danza del vientre, indios del Oeste americano, pero un espectáculo llama su atención; al reclamo “Erick, el hombre-mono, el monstruo que camina erguido y que tiene una lengua como usted y como yo”. Con gran expectación las jóvenes parejas entran en la carpa.

Película de terror del año 1932, con Sidney Fox, Leon Ames y Bela Lugosi como protagonistas y dirigida por Robert Florey.

Es una película que no contó con un gran presupuesto pero te transporta al París de aquellos días, con unas interpretaciones bastante logradas Ya lo he comentado en otras críticas, al comienzo del cine sonoro, es decir, principio de los años 30 generalmente las interpretaciones eran bastante teatrales, en este caso no se nota mucho esa teatralidad. Destaca Bela Lugosi, interpretando a un científico bastante siniestro.

Y en cuanto a la dirección Robert Florey, director de origen francés imprimió en la película el sello del Expresionismo alemán situando la acción de gran parte de la película durante la noche, jugando con los las luces y las sombras, con muchos primeros planos para acrecentar las emociones de los actores sobre todo de Lugosi y un guión en el que se intercala algún momento cómico.

No obstante, mi nota es un 6, para ser sincera seria un 6.8. Pero me resisto a ponerle el 7, porque la película es bastante corta dura 60 minutos y con ese tiempo todo queda como muy esquemático y para mi pierde un poco. También es loable el acercamiento al Expresionismo alemán por parte del director, pero para ser honestos, no está del todo logrado, se le acerca mucho y se ven las pinceladas por todos los sitios, pero le falta ese puntito de genialidad que consiguieron los alemanes como Fritz Lang o americanos como John Ford.

No obstante se deja ver bastante bien, es de terror, pero no de “casquería” gracias a Dios. En aquellos primeros años 30 este tipo de cine era muy popular y está lleno de títulos clásicos como: “Drácula” de (1931) interpretada también por Lugosi, ó “El doctor Frankenstein (1931), “La Momia” (1932), “La novia de Frankenstein” (1935) interpretadas por Boris Karloff.
Esta es más modesta pero también es un claro ejemplo de este género cinematográfico que triunfó durante esa época.

Comienza donde termina la primera.

Doc (Christopher Lloyd) se va al futuro, al año 2015 y regresa para llevarse con él a Marty (Michael J.Fox) y a su novia Jennifer (Elisabeth Shue) pues sus hijos tienen graves problemas en esa época. Pero en este viaje interferirán sin saberlo en el pasado y al regresar a 1985 se encontrarán con otra realidad, en la que descubrirán que para que todo vuelva a la normalidad tendrán que regresar a 1955.

Bien, esta segunda parte, es un viaje constante de presente a futuro, para volver a presente y regresar al pasado. Pero, en cuanto al argumento me parece la más floja de las tres he de reconocerlo, pierde un poco al estar viajando en el tiempo constantemente. El único aliciente es el presente alternativo creado por su viaje al futuro, porque el futuro es un calco del pasado y cuando vuelven al pasado es casi otra vez la primera película de la saga. Lo que puede gustar, o en mi caso dejar una sensación de “Déjà vu”.

No obstante, Michael J.Fox y Christopher Lloyd siguen siendo “una extraña pareja” con mucha química, bueno el resto de secundarios tampoco están mal , vuelven a aparecer Lorraine (Lea Thompson) la madre de Marthy, y Biff Tannen (Thomas F.Wilson) el malote que en la primera parte se metía constantemente con el padre de Marthy y quería ser el novio de Lorraine. Las interpretaciones son lo mejor de la película y en lo que esta se sustenta y la verdad es que en este caso están a la altura de la anterior película.

La música es igual que la de “Regreso al futuro”. Los escenarios en los que se desarrolla esta vez la saga son los mismos solo cambia la época, aquí hago un inciso, porque los del futuro los imaginaron, valga la redundancia sin mucha imaginación. Y en este sentido también se nota mucho que la película es de los ochenta, porque las marcas están por todas partes.

A mí, he de reconocerlo me gustan mucho más la primera y la tercera que esta segunda, habrá a quien le pase lo contrario.

Bueno para ir terminando, es una película que se deja ver bastante bien, con unas interpretaciones muy solventes y que en mi caso me devuelve a mis años mozos, y a aquel 2015, que entonces imaginábamos muy lejano aún y que ya ha pasado. Madre como pasa el tiempo.

En la decimotercera edición de los Oscar el galardón a la mejor película fue para “Rebeca” de Aldred Hitchcock, por cierto gran película. Entre las nominadas había dos de John Ford “Las uvas de la Ira” gracias a la cual se llevó el Óscar a mejor director y “Hombres intrépidos”.

Esta última es menos conocida dentro de la filmografía de Ford y para mí una de las menos “fordianas” del autor, lo que no equivale a decir que sea peor o menos buena.

Basada en varias obras de teatro de Eugene O'Neill el dramaturgo americano ganador del premio Nobel de Literatura y cuatro veces ganador del premio Pulitzer. Al contrario de lo que les ocurre a otros autores cuando ven sus obras llevadas a la pantalla, que se horrorizan con lo que han hecho con ellas, por lo que he leído a O`Neal le entusiasmó y yo creo que eso en este caso aún tiene más mérito porque el propio O`Neill había trabajado como marinero.

“Hombres intrépidos” narra las vivencias de unos marineros a bordo del carguero “Glencairn”, en un viaje que les llevará desde las tranquilas aguas de las Antillas a Baltimore (Estados Unidos) donde deberán recoger una carga de material explosivo para llevarlo a Inglaterra durante la Segunda Guerra Mundial en viaje incierto donde además de las penurias de su trabajo habitual estarán expuestos a la maquinaria militar alemana.

Es una película coral, aunque en los créditos figure el nombre de John Wayne el primero, no es el que más minutos tiene, aquí interpreta a un marinero sueco Olsen que espera con este viaje regresar a su casa y volver a ver a su madre. Thomas Mitchell el ganador en la anterior edición de los Oscar al mejor actor secundario interpreta a un marinero irlandés Driscoll, un poco el cabecilla del grupo y a quien todos respetan y piden consejo. Barry Fitzgerald es otro marinero irlandés. Les acompañan también: Ian Hunter, John Qualen, Ward Bond y unos cuantos más habituales del cine de Ford.

La película me encanta, es dura, con pocos diálogos pero en los pocos que hay se lucen sobre todo Thomas Mitchell, yo lo hubiese nominado otra vez no sé muy bien si como principal o secundario pero lo hubiese nominado y Barry Fitzgerald. El resto también muy bien y de John Wayne decir que aunque suene a despectivo “hace muy bien de sueco” sobre todo en la versión original, que a mi es la que más me gusta, aunque tenga que verla con subtítulos.

Debió de ser rodada prácticamente en un estudio porque se ven pocas imágenes en alta mar, tan solo se ve la cubierta del barco, lo que no quita que sea muy realista, y además ayuda a que cuando se ve. sientas una sensación de opresión y claustrofobia.

Aunque la considero “poco fordiana” esto lo digo en relación al argumento, en el resto es totalmente Ford, con ese amor a Irlanda reflejado en los dos marineros irlandeses, las canciones populares de aquel país, también queda muy patente la camaradería y amistad entre los marineros y esa utilización del primer plano o plano medio para enfatizar los sentimientos de los personajes.

“Hombres intrépidos” es un clásico que nos sumerge en el sórdido mundo de los marineros por lo menos en aquella época, tanto en el mar donde son explotados, como en tierra donde lo único que interesa es que se gasten el dinero o se enrollen en otro barco a veces con métodos poco ortodoxos. Con una existencia errante y solitaria y totalmente desarraigados. En una vida de la que pocos logran salir.

En líneas generales me gusta bastante la película. Ya la he visto varias veces y lo primero que voy a destacar es la historia, o bueno el conjunto de historias, algunas paranormales, otras de violencia y otras de amor o desamor que encadena la película encajándolas bastante bien para formar un historia entretenida y con intriga hasta el final con algún giro de guión muy bueno inesperado y sorprendente.

Otra de las características que para mi hacen interesante la película es el lugar donde transcurre, una pequeña ciudad del estado sureño de Georgia, ese sur profundo en el que aunque ya hayan pasado más de cien años desde la Guerra Civil Norteamericana, aun se sigue sintiendo orgulloso y superior , con su división de clases, su guardar las apariencias y quizás más familiarizado o por lo menos versado con todo lo relacionado con lo paranormal o con los espíritus debido a la influencia de las culturas africanas que allí “llegaron” por culpa de la esclavitud . Pero no solo eso caracteriza a este sur, también nos habla de una sociedad machista y sobre la violencia hacia las mujeres a las que en el fondo se las considera subordinadas al hombre o por lo menos debiéndoles respeto. Hombre esta manera de mostrar el sur puede parecer bastante tópica y a lo mejor no representa a todo el sur de los Estados Unidos pero yo creo por lo que veo en otras películas y en algunas noticias sobre violencia policial o racismo, que es un sur que se puede considerar tópico aunque no muy alejado de la realidad,

Y por otro lado están los actores. Lo primero sorprende la cantidad de grandes figuras que tiene entre los secundarios como en el caso de Hilary Swank, Keanu Reeves o Katie Holmes además de otros muy solventes como en el caso de Giovanni Ribisi, Cary Cole , J.K. Simmons o Greg Kinnear además de la protagonista Cate Blanchett. Están todos fabulosos y en algunos casos como en el Keanu Reeves o Cate Blanchett en papeles en los que ni me los hubiese imaginado sino los hubiese visto en esta película.

¿Es una película comercial? Absolutamente, pero yo lo agradezco porque tampoco se recrea en escenas con demasiada sangre o violencia, en este sentido es bastante light y es otra de las cosas que me gusta de ella.

En resumen es una historia que se integra perfectamente en el lugar geográfico en el que sucede, con unos personajes alguno de los cuales nos puede parecer tópico, pero que recrean con bastante fidelidad la sociedad sureña (me remito a lo que argumente antes) de algunas pequeñas ciudades. Con unos actores increíbles que dan vida a estos personajes dotándolos de una naturalidad que los hace 100% creíbles.

Huw Morgan (no vemos su rostro) está metiendo sus pertenencias en un hatillo. Se va de su casa, de su valle, que él recuerda verde, ahora negro a causa de la extracción del carbón y recuerda cómo era la vida en aquel valle 50 años atrás cuando era un niño y vivía en aquel lugar con sus padres y sus hermanos mayores.

Con los recuerdos de infancia de un hombre ya mayor, John Ford nos muestra cómo el hombre abandonó los campos para hacerse obrero, en este caso minero y tanto las ventajas (un salario fijo, estabilidad económica), como los inconvenientes (sobreexplotación, accidentes laborales, huelgas), que esto le acarreó. Nos trasladamos a Gales a principios de la extracción del carbón en un valle que era hermoso y verde y somos testigos de los recuerdos del por aquel entonces niño Huw, de su familia, de sus andanzas y de la vida por aquellos lugares.

Sobresale la imagen de la familia esa institución venerada en el cine de Ford y en la que aquí, como en casi todas las películas del director destaca la figura de la madre, una mujer como casi todas las mujeres del director de carácter fuerte, luchadora y en este caso además como madre justa y recta.

Se llevó el Oscar del año 1942 como mejor película, compitiendo entre otras con: “El ciudadano Kane” de Orson Welles, “El halcón Maltés” de John Huston con Humphrey Bogart, “La Loba” de William Wyller con Bette Davis, “El sargento York” de Howard Hawks con Gary Cooper todas ellas grandes clásicos del cine de todos los tiempos. Aunque he de reconocer sonrojándose que no las he visto, puedo decir de “¡Qué verde era mi valle! que es una de esas películas que cada vez que la ves descubres algo nuevo que te pasó inadvertido la otra vez que la viste, alguna palabra, alguna frase, algún gesto que cobra nuevo sentido al volverla a ver.

Está basada en la novela del mismo nombre de Richard Llewellyn y aquí también he de reconocer que tampoco me he leído el libro, pero con esta película me ha pasado lo que con muchas de Ford, cuando aparece el “The End” yo quiero más, me pasó con “ La Diligencia” o con “ Centauros del Desierto” a ver si me explico no es que les falte nada , es que yo quiero asistir a más viajes en esa diligencia que recorre las salvajes praderas o seguir la vida de un hombre como Ethan Edwards después de dejar a su sobrina o también conocer su vida antes de ir a la guerra, es como si Ford me diese a probar un trozo de rico pastel y se llevará el resto (Que pena que a Ford no le diese por hacer precuelas o secuelas).
Quiero decir con todo esto que no sé si es fiel a la novela o se salta alguna parte, porque a mí me gustaría conocerlo todo más a fondo.

La película además de contar con una magistral dirección por la que Ford también se llevó el Oscar, cuenta con muy buenos actores y actrices como las clásicas del cine de Ford: Maureen O`Hara o Anna Lee a las que acompaña Sara Allgood como la Señora Morgan, nominada en la categoría de mejor actriz secundaria. En el caso de ellos y aunque no me parecen habituales de Ford están Walter Pidgeon o Donald Crisp ganador del Oscar como mejor actor secundario por este papel. También está un jovencísimo Roddy McDowall como Huw Morgan
.
Se llevó también otros dos Oscar a Mejor fotografía en blanco y negro y a Mejor dirección artística en blanco y negro. Todo un éxito teniendo en cuenta las películas con que competía.

Y poco más que añadir, para mi gusto es una gran película que ha envejecido bastante bien y que hará las delicias de cualquier amante del cine clásico aunque se la recomendaría a cualquiera que quiera ver una buena película.