Con un presupuesto de 35.000 dólares, Damien Leone consigue plasmar su retorcido sentido del gore en una cinta que ha tenido su boom años después de su humilde estreno.

Su empecinamiento con el personaje de Art el payaso da sus frutos en una cinta casi, te diría, underground, que sirve como pretexto para presentarte a un personaje con un carisma especial que recuerda a esos villanos de los 80.

Como síntesis, diría que nada en Terrifier destaca, salvo lo que la ha llevado al éxito de confirmar una cuarta entrega: su villano y su atrevimiento en escenas que consiguen que la promoción se haga sola.

Os animo a verla bajo vuestra responsabilidad, pero, con 35.000 dólares, yo no lo hubiera hecho mejor.

Con Las diabólicas (1955), Clouzot hacía exhibición de su dominio del suspense en su cáliz más psicológico y, ¿por qué no decirlo?, terrorífico. Pero con su otra obra maestra, El salario del miedo (1953), el francés lleva el concepto de suspense hacia el hastío físico del espectador, un ejercicio de puro nervio donde todo lo sientes y lo padeces como si estuvieras allí.

Argumentalmente, la propuesta de Clouzot no es que sea muy compleja, pero sí bastante locuaz para lo que quiere transmitir al espectador. Son cuatro hombres desesperados que aceptan un trabajo extremadamente peligroso: transportar nitroglicerina a través de una orografía impredecible. Aquí el francés se desenvuelve con la naturalidad propia de un genio, sabe estirar el chicle de la tensión hasta el punto justo, provocando que el espectador quede al filo del asiento.

Estamos ante una tortuosa y explosiva expedición donde cada kilómetro sugiere que puede ser el último, avocando a nuestros protagonistas a una presión psicológica que deriva en un nihilismo tan coherente como eficaz. Y es que todo aquello que Clouzot te muestra sugiere un peligro constante, una preocupación llevada al extremo que pone de relieve el frágil equilibrio que existe entre la vida y la muerte. Esto va más allá de lo físico, contagiándose a lo mental.

Durante esta travesía se ve una evolución de unos personajes que la película se molesta en trabajar al inicio, un descenso desde la desesperación económica hacia la desesperación existencial por sobrevivir, un cambio de paradigma que hace de nuestros cuatro protagonistas seres humanos que son capaces de sentir terror y aprecio por la vida.

De manera análoga al entretenimiento puro y duro que nos proporciona la cinta, Clouzot emite una cristalina y transparente crítica al aprovechamiento de la desesperación humana, de cómo estos cuatro individuos son tratados como piezas sustituibles de una maquinaria económica amoral.

Después de más de sesenta años y dos remakes, El salario del miedo (1953) es un claro referente del cine y del suspense, pero su labor va más allá, evidenciando el hecho de que no son necesarios grandes aspavientos cinematográficos para entretener con la calidad que el espectador merece.

(9'5/10)

H. G. Clouzot se encastró en la historia del cine a través de dos cintas, dos obras maestras que responden a los instintos más básicos del ser humano. En este caso, Las diabólicas (1955) evoca una multitud de sensaciones en un ensayo de pura precisión cinematográfica.

La historia sigue a Christina y Nicole, esposa y amante de un director de escuela cruel y abusivo, Michel. Ante esta situación, ambas planean asesinarlo y deshacerse de su cuerpo, pero no todo sale como debería. Clouzot es inteligente y juega con el tiempo del metraje: no se anticipa, crea la incertidumbre y se aprovecha de ella para sugestionar a un espectador expectante ante el desconcierto que él mismo propone.

Cada giro que da el francés está justificado y planteado con sutileza; no se revelan las cartas hasta que la cinta lo pide, y ese manejo del tempo es mucho más meritorio de lo que podría parecer, más aún cuando ves la película en 2025. Estamos ante un ejercicio que podría haber sido pensado por Hitchcock, pero que Hitchcock no hizo. De ese nivel narrativo es del que hablamos.

Todo el peso de la cinta recae sobre una dupla femenina que, cada una en su papel, realiza un trabajo portentoso. Entre la vulnerabilidad de la una y la determinación de la otra, se crea un equilibrio de tonos que el espectador agradece.

Su escena final compacta y empaqueta el cúmulo de todas las sensaciones que deben estar presentes en un thriller de la calidad de Las diabólicas (1955). Obra imprescindible.

Después de haber tomado contacto con la filmografía de David Lean, me aventuro en uno de los proyectos más ambiciosos de la historia del cine, una producción que resulta anacrónica a su tiempo tanto por lo sustancial como por lo estrictamente visual.

Lean nos invita a seguir los pasos de un oficial británico que, durante la Primera Guerra Mundial, liderará una rebelión árabe contra el Imperio Otomano. Una premisa, cuanto menos, interesante, que se verá potenciada por un exhaustivo examen sobre la psicología del individuo, uno que consigue ahondar en la figura de un hombre que se va desdibujando a medida que se percibe como alguien irreconocible, explorando así los recovecos más complejos del concepto de héroe.

En este intenso estudio del individuo, se genera una dicotomía entre la posibilidad (o no) de mantener una identidad férrea, sin titubeos, o sucumbir a los cantos de sirena del heroísmo. En esta lucha interna, Lawrence experimenta, de forma orgánica y progresiva, un proceso de deshumanización que lo condena a una crisis identitaria de la que no vuelve a ser el mismo.

De forma subyacente durante todo su metraje, Lean dota a su obra magna de esa mirada colonialista en la que se entiende una feroz crítica a la hipocresía propia de los procesos colonizadores. Un análisis que deja en claro que, cuando existen intereses y manipulaciones, difícilmente el desenlace puede ser positivo. Esta lucha de ambiciones y estratagemas por parte de los británicos es la que influye directamente en la crisis existencial de un Lawrence que se encuentra en la medianía entre su complicidad con los árabes y la relevancia de sus orígenes.

Por otro lado, nos encontramos ante una cinta que rebasó los límites cinematográficos conocidos, una epopeya del séptimo arte que responde a una escala de hacer cine inconmensurable, a través de una majestuosidad visual que consigue escenificar la vastedad de un desierto con un significado propio. Y es que cada imagen y plano confeccionado por Lean y Freddie Young responden a la representación de la insignificancia del ser humano frente a la naturaleza.

Peter O’Toole, como Lawrence, entrega una interpretación plagada de matices que permutan desde la arrogancia más carismática hasta la locura propia de un idealista. A medida que se consumen los minutos de metraje, O’Toole logra transmitir el descenso interno de su personaje, desde la ambición hasta la desilusión.

Han pasado más de seis décadas desde su estreno, pero Lawrence de Arabia (1962) sigue siendo una experiencia hipnótica durante sus más de tres horas y media de duración. Un viaje por el desierto que crea imágenes prodigiosamente bellas con la dificultad que supone hacerlo en la grandeza de lo solitario.

Después de 7 Oscars y un sinfín de continuos halagos hasta el día de hoy, estamos ante probablemente la mejor obra de aventuras de la historia y una de las mejores películas de la historia del cine.

Y de nuevo Michael Mann, pero en esta ocasión cambiamos de siglo y nos embarcamos en una cinta que explota el thriller desde el fiel prisma con el que Mann dota a cada uno de sus proyectos.

Collateral (2004) responde a ese tipo de película que sabe estar; sabe cuándo acelerar, frenar, asfixiar... En esencia, derrocha precisión narrativa por cada poro, supura un acierto en las decisiones que toma Mann, lo que la convierte en un raro espécimen dentro de su idiosincrasia. Su premisa no es sorprendente, pero sí atractiva: un taxista, un asesino a sueldo que necesita un taxi y problemas. Nada nuevo bajo el sol, pero su director posee el talento suficiente como para hacer del azar y el destino un personaje con un mensaje universal.

El cruce que se da entre dos personalidades tan alejadas da pie a cómo ciertas vivencias límite o situaciones traumáticas son capaces de producir un cambio sustancial en la forma de vivir del individuo, dando a entender que el ser humano es tan frágil como el azar y el destino quieran.

Por otro lado, y de una forma algo más obvia, existe una clara yuxtaposición entre el código personal de un taxista afable y el de un asesino a sueldo amoral. Esta reflexión es la más estanca, no concluye en nada más profundo que la inercia de su propio cainismo.

La atmósfera que crea Mann no es baladí, con una Los Ángeles distante, carente de alma, deshumanizada, enfatizando la alienación de un individuo que vive por inercia. Un claro ejemplo es nuestro taxista, que resulta ser un soñador que procrastina por la comodidad del ahora, el temor de un futuro incierto y la inercia inherente al paso del tiempo.

Tom Cruise y Jamie Foxx están a la altura de una cinta con unos tiempos muy marcados, que por momentos resulta adrenalínica y por otros espesa con fundamento. No me han encandilado, pero los he disfrutado.

Michael Mann lo vuelve a hacer en un género y tono narrativo que domina con la solvencia de un genio. Hace de la ciudad de Los Ángeles algo mediocre mediante un vacío urbano que, irónicamente, se hace notar. No es su mejor trabajo, pero sí que posee alma propia y cosas que contar al espectador.